COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Nacho Duato nos presenta sus
coreografías más recientes
EL LEÓN EN INVIERNO
Una familia enfrentada por
el poder y la ambición
EL CUYÁS SE LLENA DE ESCOLARES
Miles de alumnos y centenares de
colegios de la Isla se benefician de la
cartelera teatral
AVANCE MAYO-JUNIO
Aún queda mucho que ver y sentir
Nº32
Abril-Mayo
2008
PEQUEÑOS
PARAÍSOS
Danza que cautiva al niño
que todos llevamos dentro
Foto:
Presidente del Cabildo de Gran Canaria
José Miguel Pérez García
Consejera de Cultura y Patrimonio
Histórico y Cultural
Luz Caballero Rodríguez
Presidente de la Fundación Canaria
Orquesta Filarmónica de Gran Canaria
Roberto Moreno García
Gerente
José Ramón Risueño
Director Artístico
Gonzalo Ubani
Jefe de Redacción
Francisco M. Lezcano
Coordinadora de Redacción
Pilar Martínez Rivas
Fotografía
Productores de espectáculos
y Archivo del Teatro
Depósito Legal G.C.880-2001
Dirección de Arte y Maquetación
Maldito Rodríguez
Imprenta
San Nicolás
Taller postal / Envío suscriptores
Vía Directa Marketing
Alicia Sánchez como Leonor de Aquitania en El León en Invierno
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GREASE
La gomina y los tupés llenan el escenario del
Cuyás con el musical que ha reventado la
taquilla en Barcelona
07
ENTREVISTA CON ELENA GADEL
La popular cantante de Operación Triunfo
opina que Grease es un musical que cautiva a
todas las generaciones
08
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Nacho Duato regresa con más vitalidad
que nunca para demostrar que
la danza nunca se agota
13
ENTREVISTA CON NACHO DUATO
El coreógrafo y director de la CND señala
que su mundo siempre ha aspirado a
comunicarse y a emocionar al público
14
EL LEÓN EN INVIERNO
Una obra que refleja el combate devastador
en el seno de la familia, en donde la verdad
siempre está debajo de la apariencia
de los gestos
16
ENTREVISTA CON
JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE
El director explica que la verdadera tragedia
de Enrique II y Leonor de Aquitania es la de
no ser finalmente dioses
17
ENTREVISTA CON
MANUEL TEJADA
El actor afirma que “los juegos al borde del
precipicio siempre han existido
en todas las familias”
18
PEQUEÑOS PARAÍSOS
Un espectáculo de danza para toda la
familia que irradia paz y promete sonrisas
21
ENTREVISTA CON
ENRIQUE CABRERA
El director de Aracaladanza cree que “el niño
no tiene prejuicios porque está abierto a recibir
siempre, aunque luego tenga capacidad
para juzgar lo que le gusta y lo que no”
22
LOS ESCOLARES SE
APODERAN DEL TEATRO CUYÁS
Miles de alumnos de distintos centros
de la Isla acuden a disfrutar de las obras
programadas por el espacio escénico que
gestiona el Cabildo grancanario
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AVANCE MAYO-JUNIO
26
PRECIOS
27
BONOS Y DESCUENTOS
SUMARIO TEMPORADA 2007/2008
Foto: Chicho
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BRILLANTINA,
DESCAPOTABLES Y ROCK
AND ROLL
Esta superproducción de lujo que han
visto ya más de 320.000 espectadores,
fue el montaje más visto de la pasada
temporada en Barcelona
GREASE GREASE GREASE GREASE
GREGARSEAES E G RGREEAASSEE GGRREAESAES GER EGASREE GARSEEAS E GRGERAESAES E G RGERAESAES EG RGERAESAES EG RGERAESAES E
GREASE
EL MUSICAL
DE TU VIDA
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Tras los ecos del éxito de público del último musical
presentado en el Teatro Cuyás, Fama, llega al
escenario del mencionado espacio escénico justo
en el ecuador de la temporada, otra de las sensaciones
de la cartelera española actual, Grease, uno de
los espectáculos de mayor éxito de la historia que
impulsaron hace dos años tres grandes productoras
del sector del entretenimiento, Filmax Stage,
Notro Films y Stromboli Entertainment. Grease,
el musical de tu vida se inspira en la obra original
que crearon Jim Jacobs y Warren Casey en 1971,
y que se convirtió en el musical que más tiempo
había permanecido en la cartelera de Broadway, y
uno de los más premiados, con doce Tony.
Se trata de un musical de gran formato que apuesta
por la calidad y la espectacularidad, con música
en directo y una treintena de artistas sobre el escenario.
Grease cuenta con un equipo artístico encabezado
por Ricard Reguant en la dirección (ha dirigido
grandes musicales de éxito como West Side
Story, Chicago (galardonada con el Premio Max al
Mejor Musical) y Pippi Calzaslargas, El Musical,
entre otros), Coco Comin en la coreografía (Premio
Ondas y musicales como Chicago y Fama) y
Manu Guix en la dirección musical (profesor de la
academia en el programa de televisión Operación
Triunfo), quienes también se han servido, como
referencia, del filme que protagonizaron en 1978
John Travolta y Olivia Newton-John.
Los papeles principales, que en otros montajes
teatrales anteriores han sido interpretados por
el propio Travolta y otros artistas internacionales
como Richard Gere, Patrick Swayze, Brooke
Shields o Rosie O’Donell, se concedieron a los
artistas que superaron un riguroso casting por el
que desfilaron más de mil aspirantes de toda la
geografía española que soñaban con convertirse
en los nuevos Danny Zuko, Sandy Olson o Betty
Rizzo.
Sin duda, uno de los mayores atractivos de este
musical es precisamente su banda sonora, que
cuenta con éxitos que ya se han convertido en clásicos
y que, todavía hoy, suenan continuamente
en las emisoras de radio de todo el mundo. Las
canciones Summer nights y You’re the one that I
want fueron número uno de las listas inglesas en
1978, mientras que la canción Hoplessly Devoloted
to you fue nominada al Oscar en 1979.
Esta superproducción de lujo que han disfrutado
ya más de 320.000 espectadores, fue el montaje
más visto de la pasada temporada en Barcelona.
Sólo en su primer año se han realizado 63.000
cambios de vestuario, gastado unos 700 pares de
zapatos, empleado 80 kilos de gomina y 30 de
laca de uñas, y la compañía ha consumido más de
15.000 litros de agua.
05_
UNA HISTORIA LLENA DE GOMINA
La historia de Grease se remonta a febrero de
1971, cuando dos jóvenes actores, Jim Jacobs y
Warren Casey, se inspiraron en sus tiempos de
estudiantes en el instituto para crear un espectáculo
en un teatro experimental de Chicago. El
título es una evocación al estilo de vida de los
jóvenes americanos de finales de los cincuenta y
juega con la homonimia de la palabra grease que
en inglés significa, al mismo tiempo, gomina y
grasa, en alusión a la comida fast-food que empezaba
a popularizarse en aquellos momentos.
Los primeros intérpretes eran actores aficionados
y el teatro donde se representaba el musical
ni siquiera tenía butacas y los espectadores
tenían que sentarse en el suelo. Pese a todo, la
energía y la nostalgia que transmitía el espectáculo
le otorgó un notable éxito. Dos productores
de Broadway, Ken Waissman y Maxine
Fox no tardaron en descubrir el potencial de la
obra y decidieron trasladarla a la famosa avenida
de Manhattan, no sin antes obligar a los
creadores a cambiar sustancialmente el guión
original, añadiendo nuevas canciones y dando
mayor peso a la relación entre Danny y Sandy.
El 14 de febrero de 1972, Grease se estrenó
en el Eden Theatre, situado en el circuito Off-
Broadway. Algunas duras críticas no impidieron
cosechar un gran éxito de público y siete
nominaciones a los Premios Tony, los más
importantes galardones teatrales del país. En
poco tiempo, el espectáculo se trasladó definitivamente
a Broadway y seis meses después
empezó la gira de Grease por Estados Unidos y
Canadá, donde un John Travolta de 17 años hacía
sus primeros pinitos en el papel de Doody.
Un año después, el éxito del musical ya había
cruzado fronteras y se estrenaba en Sydney y en
Londres, donde un desconocido Richard Gere
acariciaba el éxito dando vida a Danny Zuko,
protagonista masculino de Grease. En poco
tiempo el musical dio la vuelta al mundo y, en
1979, después de siete años de representaciones
ininterrumpidas en New York, Grease pasó a la
historia como el musical con más permanencia
en Broadway, sumando un total de 3.000 funciones.
Junto a John Travolta y Richard Gere,
actores como Patrick Swayze o Brooke Shields
han iniciado sus carreras de la mano de Grease.
El enorme éxito internacional de Grease en
los escenarios no dejó indiferentes a las grandes
productores cinematográficas. Paramount
Pictures, compró los derechos de Grease y fijó
la fecha de estreno de la película para agosto
de 1978. Travolta volvió a ser elegido, esta vez
para interpretar a Danny Zuko y ofrecieron a
una desconocida cantante de pop australiana,
Olivia Newton-John, el papel de Sandy, protagonista
femenina. La película Grease ha recaudado
alrededor del mundo beneficios superiores
a los 200 millones de dólares y las ventas
de discos ocuparon los primeros puestos de las
listas de ventas durante una década. Dos de
las canciones de la película, Summer nights y
You’re the one that I want alcanzaron el número
uno de las listas británicas en 1978. La reposición
de Grease en Broadway se saldó con 1.500
representaciones entre los años 1994 y 1998.
Por su parte, el filme se reestrenó en 1998, con
motivo del vigésimo aniversario de su debut en
la pantalla grande. El éxito de Grease ha llegado
hasta nuestros días. En 2003, una encuesta
de la cadena estadounidense CBS lo destacó
como el Mejor Musical de Todos los Tiempos.
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La cantante catalana de veintiséis años, Elena Gadel,
interpreta a Rizzo en el musical Grease. Conocida por su
participación en la segunda edición de Operación Triunfo, la
carrera de esta artista que se confiesa admiradora de Mayte
Martín, se ha consolidado en el ámbito de los musicales.
Entre 2004 y 2005 encarnó a la joven atormentada Blanca
en el musical Mar i Cel, de Dagoll Dagom, consiguiendo
grandes halagos por su interpretación, candidaturas
y premios como mejor actriz del citado espectáculo.
Grease refleja la vida de estudiante de los adolescentes,
señala Gadel, para quien su personaje, Rizzo, es el
más terrenal y auténtico del repertorio, incluyendo los
masculinos. El musical se sucede con las preocupaciones
vitales que chicos y chicas de estas edades experimentan
cuando llegan al instituto. La experiencia del primer amor,
los celos, la amistad, la relación con los chicos, la sexualidad,
la coquetería… todo menos estudiar. Quizás Ricard Reguant
ha querido parodiar ese mundo en este espectáculo lleno
de vitalidad y fuerza. Grease cautiva a todos los públicos.
Reconoce que ha visto la película infinidad de veces.
Cuando acudía a algunos castings me preguntaban que
cuál era mi película favorita y contestaba que Grease. Me
fascinaba cada verano que la reponían en televisión. Supongo
que me veía reflejada en la época como niña que era. Todo
ello me vino bien para el casting de este espectáculo, tras
mi participación en Mar i Cel, en el que interpretaba un
personaje muy dramático. Me apetecía involucrarme en
un proyecto más divertido, que me diera oportunidad de
explotar un registro más cómico. He tenido mucha suerte
con Rizzo, porque de los papeles femeninos creo que es el
que mejor se adapta a mis posibilidades y aptitudes. Sandy
recuerdo que me gustaba mucho de pequeña, pero ahora que
me he ido haciendo mayor, disfruto mucho más con Rizzo.
Para Elena Gadel, Grease ha sido mi salvación como
profesional, porque el mundo de las discográficas está muy
mal ahora mismo. No es fácil dedicarse al musical, aunque
aparentemente el público lo vea así, y para la industria
teatral este tipo de formato esté de moda y esté reflotando la
cartelera de ciudades como Madrid y Barcelona. El musical,
a través de su lenguaje visual, actual y sonoro, está atrayendo
al público al teatro; a mucha gente que no tenía costumbre
de sentarse en una butaca y de pagar cuarenta euros por una
localidad. Han coincidido títulos de éxito en la temporada
como Mamma Mía y Cabaret, y los tres han funcionado sin
necesidad de hacernos competencia. Eso tiene mucho mérito.
Te exige mucho sacrificio, preparación física y psicológica.
Lo importante es que personalmente me está ayudando a
decidirme por aquello que más me gusta: si cantar, bailar o
interpretar. Señala que entre el amplio elenco que conforma
la gran familia del musical hay muy buena sintonía y
energía a la hora de bailar e interpretar, y eso se transmite al
patio de butacas. Esa energía se contagia al público, que se
emociona con los números del espectáculo. Para la cantante,
su mejor escena de Grease, es aquélla en la que cantan todos
los intérpretes sobre el escenario y se miran cara a cara. Es
cuando se levanta el ciclorama y aparecen también todos los
músicos de la banda. Toda esa gente me merece mucho respeto.
Interpreta en solitario dos temas completos del libreto de
Grease y un tema junto a Edurne (Sandy) que marca su
reconciliación con ella. Elena Gadel prepara un repertorio
de boleros que le gustaría girar desde que el sueño de
Grease concluya.
ENTREVISTA
ELENA
GADEL
“Los musicales están atrayendo al teatro a un tipo de público
que no estaba acostumbrado a sentarse en una butaca”
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Fotos Compañía Nacional de Danza: Fernando Marcos
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GNAWA, GILDED GOLBERGS Y
QUINTETT, TRES COREOGRAFÍAS
QUE MUESTRAN LA VIGOROSA
DIMENSIÓN DE NACHO DUATO
Regresa al Teatro Cuyás Nacho Duato y la Compañía Nacional
de Danza con tres coreografías recientes, Gnawa, Gilded
Golbergs y Quintett. La primera de ellas fue estrenada en España
el pasado año mientras que las dos restantes son de 2006 y de
2008, respectivamente. En Gnawa, que fue estrenada primero
en 2005 en el Joan W. and Irving B. Harris Theater for Music
and Dance por la Hubbard Street Dance de Chicago, Duato
vuelve a mostrar su interés en sus raíces y la de sus antepasados,
en su complicidad con el mar Mediterráneo, que ya mostró en
Mediterránea, una coreografía fechada en 1992 y estrenada en
su Valencia natal. Con una sugerente música repleta de sonidos
españoles y norteafricanos de Hassan Hakmoun, Adam Rudolph,
Juan Alberto Arreche, Javier Paxariño, Rabih Abou-Khalil,
Velez, Kusur y Sarkissian, Gnawa cautiva con su fulminante
poder y su sensual elegancia, combinando la espiritualidad y el
ritmo orgánico del Mediterráneo.
La compañía logra su punto máximo de esplendor en Gnawa.
Un concepto tribal prevalece en cada uno de los movimientos,
ya sean circulares o angulares, con saltos explosivos y momentos
de reflexión intimista. Gnawa propone a su vez un interesante y
fuerte trabajo de parejas. Esta coreografía cautiva por su poder
percutivo, su gracia sensual, combinando la espiritualidad y los
ritmos primitivos del Mediterráneo.
Gnawa es el nombre que reciben en Marruecos y otros lugares
del Magreb los miembros de una serie de cofradías místicas
musulmanas caracterizadas por su origen subsahariano y por el
uso de cantos, danzas y rituales sincréticos como medios para
llegar al trance. El término se refiere también al estilo musical
de reminiscencias subsaharianas practicado por estas cofradías
o por músicos que se inspiran en ellas. Es uno de los géneros
principales del folclore de Marruecos.
La compañía que dirige el coreógrafo y
bailarín valenciano regresa al Cuyás con un
programa de obras recientes
COMPAÑÍA
NACIONAL DE
DANZA
09_
Con música de Robin Holloway (para dos pianos basado en
la BWV 988 de Johann Sebastian Bach), en Gilded Goldbergs,
Duato emplea la trepidante música de Holloway para desarrollar
un discurso imaginativo y creativo, apoyado en su asombrosa
musicalidad y en una elegante interpretación de los bailarines
de la Compañía Nacional de Danza. Sobre esta coreografía,
el director de la Compañía Nacional de Danza señala que el
hecho de descubrir la transcripción que Robin Holloway hace de
la maravillosa obra de las Variaciones Goldbergs, me permitió
despojar a la obra original de Bach del carácter intocable que
yo mismo le había atribuido. De esta forma, he osado por fin
aproximarme a la partitura y trabajar con ella para montar
esta coreografía. En cualquier caso, y como pongo de manifiesto
en mi pieza, el versionar una obra maestra como es ésta puede
ser sinónimo de su asesinato, pero también podría serlo de su
renacimiento. La obra cobra una nueva vida y una nueva
dimensión. Lo que hace Holloway demuestra valentía y coloca la
libertad creadora por encima del peso de la historia.
Por su parte, Robin Holloway escribe sobre su versión de las
Variaciones Goldbergs de Johann Sebastian Bach: Parece raro
y algo tonto tomar uno de los hitos más conocidos de la música
occidental y recomponerlo. Mis disculpas son, primero, que el
mismo Bach era un fiero transcriptor y transformador de las
músicas de otros autores de las que él pudiera aprender; y, segundo,
que su propia música ha encajado generosamente todo tipo de
adaptaciones a lo largo de los tiempos. Casi no podríamos dejar
de nombrar a ningún compositor posterior a Bach que no haya
imitado, arreglado, orquestado, parodiado o rendido un homenaje
a su obra. Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Wagner, Bruckner,
Schumann, Liszt, Brahms, Shönberg, Webern, Elgar, Respighi,
Stravinsky, Kurtag, y un largo etcétera.
Su propia aventura Goldberg, como Holloway la llama, comenzó
con un objetivo más modesto. Frustrado como pianista por su
incapacidad de interpretar la compleja partitura de alguna de las
variaciones –originalmente escritas para clave de dos teclados-
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comenzó a transcribirlas para dos pianos. Durante los siguientes
cinco años la tarea le absorbió completamente y terminó con
otras 30 variaciones Goldbergs completamente nuevas.
Finalmente, Quintett es la pieza más nueva de las tres incluidas
en el repertorio que ofrecerá la Compañía Nacional de Danza
en el Teatro Cuyás, ya que su estreno tuvo lugar en el Teatro
de la Zarzuela el mes de marzo de 2008. Con coreografía,
escenografía e iluminación de William Forsythe -uno de los más
reputados coreógrafos del panorama dancístico de nuestros días
a nivel mundial- y música de Gavin Bryars, inspirada en la obra
Jesus Blood Never Failed Me Yet, en Quintett, dos mujeres y tres
hombres se encuentran en un espacio desnudo con un proyector
extraño. Los bailarines son absorbidos en su búsqueda para las
posibilidades infinitas del cuerpo humano. Ellos sobresalen en
académicos tours de force y se pierden en improvisaciones y
movimientos que se retuercen. El resultado es un huracán de
baile aparentemente caótico, que sin embargo tiene una lógica
curiosa que no puede ser omitida.
Quintett físicamente es muy extrema y habla de la muerte,
aunque lo hace desde la vida. Basada en la inquietante música
de Gavin Bryars, nos permite tomar de nuevo contacto con el
pensamiento coreográfico de Forsythe, el cual ha contribuido
a las corrientes artísticas internacionales más significativas de
nuestros días: desde artes escénicas, artes visuales, a arquitectura
y multimedia interactiva. Forsythe es un artista global cuya
influencia y alcance rebasarán los límites de su tiempo. A lo
largo de los años, Duato ha ido incorporando muchos trabajos
de Forsythe al repertorio de la Compañía Nacional de Danza
(CND), que dirige en Madrid. Forsythe es ya una referencia.
Ha marcado un punto y aparte, entrando en la categoría de
los amados, envidiados, codiciados e imitados. Según los
especialistas, la obra de William Forsythe tiene poder hipnótico.
Es vasta, compleja y está llena de bifurcaciones y referencias
(que pueden ser el teórico de danza Rudolf Laban, el pensador
Roland Barthes, el poético Mishima o coreógrafos tan distintos
como Martha Graham o George Balanchine), pero para acceder
a ella, un poco de sensibilidad basta. Ahí reside su secreto.
11_
El director teatral esloveno Tomaz Pandur dijo en una
ocasión que no había nadie que bailara en el mundo
los pensamientos como Nacho Duato. Como director
artístico de la Compañía Nacional de Danza, ha dotado a
este buque insignia de la cultura española de estabilidad,
personalidad e identidad propia durante los más de
quince años que lleva al frente de la misma. En más de una
ocasión el bailarín y coreógrafo valenciano ha afirmado
que el amor, la danza y la muerte es lo que más le interesa
en la vida. Creo que eso es lo único que me interesa, y por
lo que hago danza: para reflexionar sobre esas dos grandes
incógnitas que para mí son el amor y la muerte. Sus ballets
forman parte del repertorio de las más prestigiosas
compañías de todo el mundo, entre las que se encuentran
el Cullberg Ballet, Nederlands Dans Theater, Les Grands
Ballets Canadiens, Ballet de la Ópera de Berlín, Australian
Ballet, Stuttgart Ballet, Ballet Gulbenkian, Finnish Opera
Ballet, San Francisco Ballet, Royal Ballet y American
Ballet Theatre. Es Premio Nacional de Danza 2003 en la
modalidad de Creación.
Nunca ha sido muy partidario de reconocerse militando
en la vanguardia. ¿La vanguardia? ... Se pasa tan pronto.
Mi mundo siempre ha aspirado a comunicarse con el
público, a emocionarlo, que es lo que sí les asusta realmente,
conmoverlo en lo más hondo. Ser más moderno o sorprender
es lo último que pasa por mi cabeza. Prefiero otros valores
como la honestidad y la coherencia. La preocupación de
Duato es encontrar el equilibrio entre la coreografía, el
ballet y la forma de vivir. Para él la riqueza de la cultura y
el folclore español constituyen un influjo inagotable para
su trabajo.
Sobre las coreografías que la Compañía Nacional de
Danza presenta en el Teatro Cuyás, Nacho Duato señala
que Gnawa es un ballet alegre, divertido y étnico. En ella
prosiguo la línea iniciada con Mediterránea. Gnawa es
el nombre que reciben en Marruecos y otros lugares del
Magreb los miembros de una serie de cofradías místicas
musulmanas, caracterizadas por su origen subsahariano
y el uso de sus cantos espirituales. Es un ballet muy del
Magreb, con música de Egipto, explica Duato, a quien le
gustan los ritmos ancestrales, la música primaria y los
sonidos de intensa base folclórica.
Gilded Goldbergs está escrita por Robin Holloway sobre
su versión de las Variaciones Goldbergs del compositor
alemán Johann Sebastian Bach, avanza Nacho Duato.
Es una transcripción a cuatro manos de este compositor
que siempre me ha causado mucho respeto. Siempre
había oído las transcripciones Holloway pero nunca
me había atrevido a meter mis sucias manos en algo
tan maravilloso como las variaciones de Bach. Sólo me
he atrevido a usar las Goldbergs a través de este nuevo
compositor. De todas las variaciones existentes he escogido
para mi espectáculo las que más me han inspirado,
ya que técnicamente es una coreografía muy exigente.
Finalmente, Duato se refiere a Quintett, basada en la
inquietante música de Gavin Bryars, la cual nos permite
tomar contacto con el pensamiento coreográfico de
Forsythe, quien ha contribuido a las corrientes artísticas
internacionales más significativas de nuestros días: desde
artes escénicas, artes visuales, a arquitectura y multimedia
interactiva. Forsythe es un artista global cuya influencia y
alcance rebasarán los límites de su tiempo.
ENTREVISTA
NACHO
DUATO
“Prefiero otros valores como la honestidad y la coherencia, a ser moderno”
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Foto: Bernardo Doral
La historia de la Compañía Nacional de Danza está firmemente ligada
a la propia historia de los años más recientes de nuestro país, lo que
nos da la seguridad de que esta Compañía no es una especie de bebé
probeta, encerrado en su higiénica campana de cristal, aislado de
virus y gérmenes, sino en contacto con la sociedad, con su sociedad,
para la que trabaja, a la que pertenece y a la que se debe, para lo
bueno y para lo menos bueno, que la vida en comunidad es así y no
de otra manera. Digamos que la Compañía Nacional de Danza, en la
aventura de su consolidación, se ha debatido en un juego pendular
estilístico acorde con los tiempos circundantes. Algo parecido a lo
que pasaba en la sociedad española -en los más diversos campos- en
el aprendizaje y desarrollo de su modernidad. Por otra parte, nuestra
falta de tradición balletística, excepto en el campo de la danza más
étnica -que, por su parte, tanto aportó al acervo de la danza mundialpudo
propiciar un prolongado estado de ambigüedad que llevaría
a la cabeza de la compañía a personajes tan distintos, aunque tan
singularmente cualificados, como Víctor Ullate, María de Ávila,
Ray Barra y Maya Plisetskaya.
Todos ellos supieron dar aire -fresco y prometedor- a una formación
que se debatía en la búsqueda de su propia identidad, pese al trauma
ya enunciado de la falta de una tradición suficiente en la que poder
apoyarse sólidamente. Esa permanente búsqueda de identidad se
vio inevitablemente lastrada por una polémica, hoy superada, entre
clásicos y modernos, que pervive hasta la década de los ochenta,
enfrentando con acritud a los celosos guardianes de la ortodoxia
balletística clásica, simbolizada por los sagrados cánones de las cinco
posiciones, el patriarca Marius Petipa, la esplendorosa escuela rusa
y su eclosión diaghileviana, con los rupturistas que, de la voluble
mano de Isadora Duncan y siguiendo los senderos marcados por
Ruth Saint Denis, Ted Shawn y Doris Humphrey, desembocaron
en el abigarrado jardín de Martha Graham -y su contraparte
europea, Mary Wigman- en cuyas ubérrimas tierras florecerían,
posteriormente, Merce Cunningham, Paul Taylor, Alwin Nikolaïs y
tantos otros.
Sin embargo, en el límite de la década, el debate que opone a unos
y otros va ganando obsolescencia, gracias -fundamentalmente- a
dos hechos: Uno, el tirón del llamado ballet neoclásico, que se
produce al conjuro de ese brujo de la coreografía que es Maurice
Béjart, quien bucea -con tanta versatilidad como éxito- en las
procelosas, pero a la larga agradecidas, aguas de la síntesis. Escribe
Béjart desde la legitimidad que le da el aplauso unánime de sus
multitudinarias audiencias: Se puede mezclar en un todo lo clásico
tradicional, la danza americana post-Graham, la danza folclórica,
las investigaciones sobre el movimiento y el espacio. Y todo esto será
moderno, o no. No es más que una simple cuestión de ingenio. Otro,
directamente referido a la consagración de la postmodernidad
como superación de la santificación de un cúmulo de actitudes que,
por osadas, pueden convertirse en cerriles. Cuando un creador se
descuelga de la obligación de ser moderno -encorsetadora, como
todo imperativo- suele sentir un dilatado alivio que refresca su
creatividad y azuza su inventiva.
El resultado ha sido tan positivo como tranquilizador. Todo
coreógrafo contemporáneo, si le place, puede hoy responder, con
toda naturalidad, como hace algunos años lo hacía Twyla Tharp
cuando le preguntaban en qué estilo coreográfico había que
encasillarla. La contestación era tan breve como definitiva: Bailo.
Nacho Duato, tanto desde su profunda formación escolástica
como desde su generosa apertura a otras figuras de la coreografía
universal (Kylian, Forsythe, van Manen y Mats Ek, entre muchos
más), ha sabido recoger este sentimiento en la Compañía Nacional
de Danza, poniéndola en línea con otras formaciones similares de
su entorno internacional, que practican la saludable fórmula de la
síntesis que admite -en íntima conjugación- técnicas clásicas con
lenguajes modernos, y viceversa. A ello ha sabido añadir algunas de
nuestras esencias que resultan más coreografiables: meridionalidad,
mediterraneidad, naturalidad. Tres elementos que dan sustantividad
y carácter diferencial a una Compañía Nacional de Danza que va
encontrando su puesto, su espacio, en el mundo de la coreografía.
Que va encontrando, en definitiva, su identidad.
Una identidad que -vuelvo a la idea original- tiene mucho que ver
con la del propio país, de cuyas nuevas formas, avatares y desafíos,
la Compañía Nacional de Danza de Nacho Duato sabe ser intérprete
cualificado. Su éxito internacional no puede más que hacernos
sentir el orgullo de esa nueva España en la que todos, incluida esta
Compañía, nos hemos -felizmente- empeñado.
UN SÍMBOLO DE LA CULTURA DE LA NUEVA ESPAÑA
POR DELFÍN COLOMÉ
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EL LEÓN EN INVIERNO
UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO LLENO DE TRAICIÓN, DESEO,
AMBICIÓN Y PODER
Manuel Tejada y Alicia Sánchez encabezan el amplio reparto de esta obra que
dirige Juan Carlos Pérez de la Fuente
El león en invierno es la obra más conocida del
dramaturgo norteamericano James Goldman.
Dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente,
escenografía de Rafael Garrigós y vestuario
de Javier Artiñano, llega al Teatro Cuyás con
un reparto encabezado por dos sólidos actores
como Manuel Tejada (Enrique II, rey de Inglaterra)
y Alicia Sánchez (Leonor de Aquitania,
esposa de Enrique), quienes junto a David Sánchez
(Ricardo Corazón de León e hijo mayor
de Enrique II), Néstor Arnas (Godofredo),
Paco Blázquez (Felipe, rey de Francia), Esther
Gimeno (Alix, hermana del rey de Francia) y
Miguel Ángel Valcárcel (Juan, hijo menor de
Enrique II), interpretan este montaje que cuenta
la historia de Enrique II Plantagenets, rey de
Inglaterra, quien durante las navidades del año
1183, junto a la reina y sus tres hijos, se reúnen
para designar un heredero al trono. La ambición
desaforada, el odio, el miedo, la venganza,
la traición y el amor tejen un intrincado mapa
familiar en el que todos participan en un combate,
ambiguo y devastador.
Al éxito de esta obra contribuyó tanto su estreno
en Broadway en 1967, como su posterior
adaptación al cine en 1968, obteniendo los más
importantes premios de teatro y cine entre los
años 1968 y 1969. El texto, según Pérez de la
Fuente, está plenamente vigente y es fundamental
para el teatro contemporáneo, y precisamente
por ello se sigue representando en cualquier idioma
y en cualquier país del mundo.
Toda la obra de Goldman refleja una evidente
fascinación por la historia: leía, estudiaba y luego
imaginó cómo hablaban, cómo pensaban, qué
querían de sus vidas. Es evidente que es imposible
saber exactamente cómo fueron en realidad:
la verdad de las cosas siempre está debajo de la
apariencia. Por eso hay que imaginarla, señala
Juan Carlos Pérez de la Fuente, director de El
león en invierno.
Enrique II Plantagenets, rey de Inglaterra,
reúne en las navidades de 1183, en el castillo
de Chinon (Francia) a su familia, formada
por Leonor de Aquitania, la reina, a la que
mantiene prisionera desde hace años, y sus
tres hijos vivos, Ricardo, Godofredo y Juan.
Está en juego la sucesión de Enrique y de esa
elección dependerá el equilibrio de fuerzas
entre Inglaterra y Francia. Con motivo de
esta celebración, también se hallan en el
castillo, Felipe Capeto, rey de Francia y su
hermana la princesa Alix, amante de Enrique
y prometida de Juan, el candidato paterno a
la sucesión real. Este explosivo compendio de
relaciones familiares marcadas por las peleas
por la herencia y la ambición de poder, nos irá
revelando insólitos aspectos de las relaciones
humanas.
Las relaciones de familia enfrentadas a la ambición
de poder nos revelan insólitos aspectos
de las relaciones humanas: el amor, el odio, los
celos, la codicia, la maldad..., se muestran en estado
químicamente puro, un torrente incontenible
de sentimientos heridos, deseos insatisfechos,
confesiones humillantes y traiciones manifiestas.
El juego por excelencia es la esgrima verbal, con
un brillante despliegue de estrategias en busca
de la derrota del adversario, dialéctica o real, señala
el director, quien ha sucumbido ante esta
magistral pieza por la que han desfilado una serie
de personajes que todos tenemos asociados
en nuestra memoria a grandes interpretaciones
de nombres como Catherine Hepburn, Peter
O’Toole, Anthony Hopkins, Timothy Dalton
y más recientemente, Glenn Close y Patrick
Stewart, en 2003.
Estamos ante una obra escrita en un lenguaje
moderno con sabor clásico y en la que el siglo XII
deja de ser algo lejano hasta el punto de resultarnos
muy actual, sostiene Pérez de la Fuente,
al que muchos recordarán como director del
Centro Dramático Nacional entre 1996 y 2004,
etapa en la que dirigió montajes de Francisco
Nieva, Max Aub, Friedrich Dürrenmatt, Fernando
Arrabal y Arthur Miller, entre otros.
La música -una obertura de John Williams
creada para los juegos de Atlanta, y un tema
irremisiblemente ligado al recuerdo del 11-M,
El canto de los pájaros de Pau Casals, suenan
en esta obra que conmueve y que conjuga lo
clásico y lo contemporáneo. Lo más importante
no son los acontecimientos históricos que te
trasladan hasta la Edad Media, sino que es una
obra abierta, en la que nos quitamos las máscaras
y nos reconocemos hoy, señala de la Fuente.
La escenografía de Rafael Garrigós ofrece una
atmósfera del Medievo y muestra con claridad
una especie de tablero de ajedrez, en el que cada
movimiento está muy medido y refleja la parte
mental y aritmética de mentes que están creando
y manipulando, explica Pérez de la Fuente.
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Foto: Chicho
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Para el director, buena parte del público de El león en invierno
tiene la referencia de la película que protagonizaron Peter
O’Toole y Katherine Hepburn, o la posterior que interpretó
Glenn Close. El gran texto teatral de James Goldman posee dos
grandes aciertos a juicio de Pérez de la Fuente: por una parte,
nos cuenta una historia de pasiones, muy al estilo shakesperiano
con un importante anclaje histórico y, por otra, está dotada de un
lenguaje muy moderno, cínico e irónico. Ese fino humor hace que
las palabras se conviertan en auténticas dagas, en un estilete con
capacidad para herir, llegando al umbral del abismo, para luego,
desde allí, intentar nuevamente sobrevivir. La obra está vista a
través de los ojos de la familia y muestra hasta dónde es capaz de
llegar el ser humano sumido en el desenfreno y afán por el poder.
Leonor de Aquitania, en este tiempo en el que la mujer sigue ocupando
cuotas de poder, se convierte en un icono moderno. La obra
empieza y termina con la relación entre Enrique II y Leonor de
Aquitania y su tragedia de no ser finalmente dioses. Ellos que lo
tuvieron todo se morirán sin ser inmortales.
El director explica que le interesaba explotar los códigos mentales
que se ocultan tras los personajes de la obra. He creado una
atmósfera de reyes que explota los juegos maquiavélicos que convierten
esta pieza en una gran partida de ajedrez cuyas piezas
están dispuestas a devorarse. Hay que volver al actor y a su interpretación,
en comunión con la palabra, dice.
En este montaje, Juan Carlos Pérez de la Fuente ha logrado
unificar varias escuelas y generaciones del teatro nacional,
personalizadas una en los señeros Manuel Tejada y Alicia
Sánchez, y otra en los jóvenes que forman parte del amplio
elenco de El león en invierno. Es un reto de los directores unificar
sensibilidades, escuelas y aprendizajes muy distintos. Aquí hay
actores de toda la vida, como Tejada y Sánchez, que tienen las
suelas de sus zapatos desgastadas de tanto pisar los escenarios, y
otros que pertenecen a las nuevas generaciones de actores.
El director se encuentra ahora mismo involucrado en varios
proyectos importantes. La vida es sueño es uno de ellos, y se trata
de un encargo de la Comunidad de Madrid que se estrenará
en junio próximo. Todos los directores queremos medirnos con
este complejo texto barroco de Calderón de la Barca. Si hay una
obra que esté coronando con sus paradojas toda la dramaturgia
española es ésta, señala de la Fuente. En septiembre también dirigirá
en el Teatro Albéniz la dramatización del tercer episodio
nacional de Galdós, que se llevará por primera vez a la escena
con sesenta actores y 150 personajes, para conmemorar el 200
Aniversario de la Guerra de la Independencia.
Sobre la realidad de la escena española, Juan Carlos Pérez de la
Fuente avanza que las cifras de ocupación de los teatros te dejan
un poco deprimido. Hay que apostar definitivamente por el teatro
de autor y del director en perfecta comunión. Los textos hay que
interpretarlos a la luz de nuestro tiempo. Los textos dramáticos
tienen una importancia capital y el teatro se produce cuando la
palabra impresa se desprende del papel para pronunciarla sobre
el escenario. El teatro, como no pasa por televisión, parece que
no existe. ¿Cuándo ha abierto un estreno teatral de envergadura
un boletín de noticias? El teatro no desaparecerá jamás, pero sí
hace falta en este mundo globalizado una apuesta definitiva de los
gobiernos sin medias tintas por el teatro de cada país. Así, de una
vez por todas, los creadores sentiremos que en nuestro país, nuestro
teatro se está haciendo y se hace bien. Cuando Alfonso Sastre
sigue mendigando el lugar que le corresponde en los escenarios de
España o Arrabal sigue en París porque en España no se le hace
el caso que se merece, o Paco Nieva prosigue sin estrenar muchos
de sus textos, me da la impresión que algo falla. Nos falta esa normalización
en donde los jóvenes aprendamos de los maestros y
donde cada uno ocupe el lugar que le corresponde.
ENTREVISTA
JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE
“Hay que volver al actor y a su interpretación, en comunión con la palabra”
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ENTREVISTA
MANUEL TEJADA
“El teatro es un espejo en el que debe reflejarse la sociedad”
Manuel Tejada pertenece a esa gran tradición de actores españoles de
larga y consolidada trayectoria. Su carrera contempla más de cuarenta
estrenos de obras teatrales de autores que van desde Shakespeare, Pérez
Galdós o Chéjov a Vargas Llosa, Arrabal, Ibsen, Ionesco o Leonidas
Andreyev. También ha sido intérprete en más de una quincena de
películas a las órdenes de Pedro Masó, Álex de la Iglesia, José Luis Garci
o José María Forqué, entre otros. Y en televisión su rostro también lo
hemos reconocido en series tan populares como El comisario, Hospital
Central, Siete Vidas, Anillos de Oro o Cañas y Barro. El jienense Manuel
Tejada encarna al Rey Enrique II en esta obra de Goldman, que pone al
límite la capacidad de los actores.
Para Tejada, uno de los atractivos más importante de El león en
invierno que se desarrolla en 1183, durante el reinado de Enrique II de
Inglaterra, es el tratamiento de los temas que han fijado a lo largo de la
historia el rumbo del hombre, desde la codicia al amor, pasando por la
violencia o el odio. Son las aspiraciones que el ser humano alberga en lo
más recóndito de su alma, dice. Los juegos al borde del precipicio siempre
han existido en todas las familias. ¿Cuántas disputas conocemos por
herencias? ¿Cuántas relaciones turbias no conocemos entre padres e hijos?
Otro de los aspectos destacables para Tejada es el lenguaje coloquial,
asequible para cualquier tipo de espectador, muy directo y preciso, rico
en su articulación. Los personajes de esta manera parece que conviven
con nosotros en este momento. Goldman, utilizando personajes y hechos
históricos, los hace desenvolverse con naturalidad para acercarlos al
público.
Su personaje es grandioso, juega con ironía, cinismo y sentido del humor
con el resto de los miembros de la familia que se devoran para sucederle
en el trono. Para un actor interpretar a Enrique II es poder gozar de tener
unas ganas enormes de acudir al teatro todos los días para representarlo,
porque cada vez le encuentras en sus pliegues matices que aún no habías
explotado sobre el escenario. Así, el personaje crece en cada función. Según
el actor, su personaje no tiene recovecos, el amor mueve la mitad de su vida
y posee un fino olfato para descubrir toda la serie de conspiraciones que se
traman a su alrededor. Agrietado por las circunstancias de la vida, es poseedor
del imperio más grande existente en aquella época sobre la tierra.
Manuel Tejada destaca asimismo la puesta en escena funcional y
bella de El león en invierno que firma Javier Garrigós, así como el
vestuario espectacular y plástico de Javier Artiñano, la música y la
iluminación, que se convierte casi en un actor más. Manuel Tejada
compagina en la actualidad varios trabajos: la gira de esta obra de
James Goldman que dirige Juan Carlos Pérez de la Fuente, y el rodaje
para Globomedia de una serie de televisión. Además acaba de concluir
el rodaje de la próxima película de José Luis Garci, Dos de Mayo,
en la que interpreta a Manuel Godoy, la mano derecha de Carlos IV.
Tengo que organizarme el cerebro para saber si estoy de pronto en la
Inglaterra de 1183 o en la España revolucionaria de 1808, o pertenezco
a una unidad de la policía científica.
Reconoce que el teatro se lo ha dado todo en esta vida. El teatro me
ha compensado con creces todo el esfuerzo inicial que me vi obligado
a realizar cuando llegué a Madrid de Andalucía. No se me permitía
ni siquiera tener mi acento para poder trabajar en teatro. Al teatro le
tengo cariño y respeto. No siempre hace uno todos los proyectos con
los que ha soñado, pero puedo indicar que en términos generales, sólo
cuatro o cinco son los que borraría de mi historial como actor.
Manuel Tejada, cuando se le pregunta sobre la tan cacareada crisis
del teatro en España, responde que si tuviera una respuesta probablemente
muchos de los problemas que padece el teatro ya hubiesen estado
solventados. Los desajustes no responden a una sola causa. El teatro
es un espejo en el que debe reflejarse la sociedad. No se trata de que los
autores no escriban textos que le interesen al público, de que nuestra
escena no aborde el teatro político como una forma de manifestación
legítima; tampoco se trata de echarle la culpa a los directores o los actores,
empresarios o directores de teatros. A pesar de todo el teatro tiene
una salud de hierro, porque se repone con bastante facilidad después
de atravesar alguna pequeña crisis. Lo importante en cualquiera de
los casos es seguir disponiendo de unos programadores de teatro serios
y que el público termine de acostumbrarse a vivir el teatro como un
acontecimiento irrepetible.
Foto: Chicho
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DANZA EN EL PARAJE DE LOS SUCESOS
EXTRAORDINARIOS
PEQUEÑOS
PARAÍSOS
La compañía madrileña Aracaladanza obtuvo en la
última edición, tres premios Max con este espectáculo
concebido para toda la familia a partir del cuadro de
El Bosco, El jardín de las delicias
Hace 500 años, Hyeronimus Van Aken, apodado como El Bosco, plasmó
en una tabla un universo lleno de pequeñas figuritas, de extraños
animales, objetos y frutos bajo el título El jardín de las delicias. Ahora,
ese universo perdido sale del Museo del Prado y algunos de sus elementos
se llenan de vida, a través del trabajo de las cinco bailarinas de
la compañía Aracaladanza.
Con esta idea se presenta en el Teatro Cuyás el montaje Pequeños Paraísos
(Ganador de tres Premios Max 2008 al mejor Espectáculo Infantil,
Mejor Vestuario y Mejor Espacio Escénico), un espectáculo de
danza que, bajo la dirección de Enrique Cabrera, e inspirado en el célebre
tríptico del pintor holandés, recrea un mundo propio de ilusión
en el que a través de fresas, flores, trapecistas, lámparas, globos y miles
de detalles, invita al público a recordar sus sueños y perderse en un
peculiar jardín.
Tras sus anteriores éxitos Visto y no visto, Maletas, y ¡Nada... nada...!,
Pequeños Paraísos intenta devolver al espectador pequeños instantes
de felicidad a través de la danza y las marionetas, a la vez que sugiere
alegría, ternura, emoción e incluso lleva a la risa y a la diversión. Se
trata de un espectáculo familiar (recomendado para edades a partir de
los cuatro años) que trata de rescatar el niño que todo el mundo lleva
dentro. En este espectáculo las bailarinas de Aracaladanza (Carolina
Arija, Gemma Galera, Noelia Pérez, Raquel de la Plaza y Natalí Camolez)
comparten escenario con fantásticos animales y personajes creados
por la compañía argentina El Nudo y diseñados por Ricardo Vergne.
Además, la música, compuesta especialmente por Mariano Lozano P.
Ramos, no funciona como banda sonora, sino como parte integrante
del trabajo general. Enrique Cabrera, director artístico y creador de esta
idea, es el responsable de fundir danza y teatro de marionetas con uno
de los principios que siempre ha defendido: el mantenimiento del espíritu
artesanal de todo el proceso.
Pequeños Paraísos son fugaces píldoras de alegría que, sin tener relación,
contagian dicha, prometen sonrisas e irradian paz. Este espectáculo
rebosante de luz, rezuma cuidado preciso por el detalle, y acoge
criaturas desmedidas, atendiendo deseos íntimos. Aracaladanza ofrece
un trabajo depurado en Pequeños Paraísos insistiendo en el protagonismo
de los objetos y las marionetas, convertidas por derecho propio en
la sexta bailarina. El Bosco inspira así una alocada carrera sin fin hacia
la imaginación y ofrece su caos como punto de partida. Las bailarinas
conforman un auténtico organismo que además de bailar, interpretan,
mueven muñecos y títeres de diversos tamaños, y se apoyan en un espléndido
vestuario y en un despliegue de recursos visuales asombrosos,
a través de once pequeñas coreografías que tienen lugar sobre el escenario
con un ritmo trepidante.
Pequeños Paraísos es una producción de Aracaladanza, en coproducción
con el Ministerio de Cultura (Instituto Nacional de las Artes Escénicas
y de la Música), la Comunidad de Madrid (Consejería de Cultura
y Deportes) y el Teatro de la Abadía de Madrid.
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ARACALADANZA, UNA COMPAÑÍA PIONERA EN ESPAÑA
JUGAR CON EL NIÑO Y LA NIÑA QUE NUNCA MUERE
POR ENRIQUE CABRERA
No sé hablar francés, ni ruso, ni chino, ni japonés. Me expreso con dificultad en inglés.
Hablo español y no siempre bien. Sin embargo, he bailado. Y me han entendido en
todo el mundo. Sobre todo, aquellos que no han tenido problema en reconocerse, que
se han permitido jugar con el niño y la niña que nunca muere.
Pequeños Paraísos vuelve a estar dedicado a ellos: a los que aún piensan que el mundo
es un juego. A los que tienen cuatro años y a los que tienen cien. A los adolescentes
rebeldes y a los adultos responsables. A los niños españoles y a los argentinos. A los
habilidosos de la Play y a los torpes de los móviles. A los que toman bollycaos y a los
que beben cervezas.
Pequeños Paraísos no tiene espacio ni tiempo. Podría ser Madrid, pero también Buenos
Aires. Podría ser 2006 ó 1576. Dice la Real Academia Española, la de la Lengua, que
paraíso es, entre otras cosas, cualquier lugar muy ameno. A mí me gusta la definición
que hace uniendo la palabra con tres más: Paraíso de los bobos: Figurado y familiar,
afirma el diccionario. Y añade: Imaginaciones alegres con que cada uno se finge a su
arbitrio conveniencias o gustos. ¡Qué le voy a hacer: seré bobo!
DIMINUTOS ESTADOS DE FELICIDAD
El mundo reducido a un jardín. Y en él, fresas y trapecistas,
y lámparas, y globos, y flores, y… joyas brillantes
encerradas en cajitas; diminutos tesoros que al abrirse regalan
aire. Aparecen y desaparecen.
Diminutos estados de felicidad; píldoras absurdas que
ofrecen alegría. Y ternura y emoción. Y risa y diversión.
Paraíso soñado por todos. O mejor: paraísos inventados
a ritmo de vals o incluso de silencios. Gozosas piezas que
traen recuerdos lejanos de otro paraíso: El de El jardín de
las delicias.
El Bosco inspira una alocada carrera hacia la imaginación
y ofrece su caos como punto de partida. Con marionetas o
con globos. Con papel o con jabón. Como antes, todo sirve…
como siempre, todo baila… como nunca, todo brilla,
son Pequeños Paraísos.
Fantasía, imaginación y magia. Estos son los ingredientes esenciales del
trabajo de Aracaladanza, compañía de danza contemporánea madrileña,
conocida por sus propuestas serias, rigurosas, sin concesiones y de
alta calidad. El trabajo pionero realizado en España por la compañía
dirigida por Enrique Cabrera se ha convertido en referente nacional e
internacional.
Premiados con asiduidad en FETEN, la principal feria del teatro infantil
y juvenil que tiene lugar en España, invitados en festivales nacionales e
internacionales, el colectivo escénico destaca por su inusual manera de
trabajar, proyectando nuevas formas de representar visiones de la imaginación,
y por sus exquisitos espectáculos dirigidos al público infantil
y adolescente; historias sencillas que a través del vestuario, la música, el
ritmo, el movimiento, también saben involucrar al espectador adulto en
un mundo fantástico.
Pero el reconocimiento que más interesa a Aracaladanza es el privilegio
de fascinar a un público esencial para el presente y el futuro de la danza
española. Lo ha hecho, a lo largo de su historia, con tres piezas de corta
duración; ocho producciones de mediano formato; cuatro espectáculos
pensados para ser representados en calles y espacios no convencionales, y
cinco encargos coreográficos nacionales e internacionales. En los cuatro
últimos años, la compañía ha levantado el telón en más de 600 ocasiones.
En el Reino Unido son muchas las entidades y festivales que han mostrado
un especial interés por el compromiso desarrollado por Aracaladanza
en los últimos doce años de su existencia (apoyo a la nueva creación;
formación profesional y artística; fomento de nuevos públicos; creación
independiente, artesanal y precisa; desarrollo de equipos artísticos…).
De hecho, Aracaladanza colabora de manera estrecha con las experiencias
impulsadas por el DanceEast, DancexChange y con el Lakeside Arts
Centre de la Universidad de Nottingham.
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“En los espectáculos de Aracaladanza no existen las franjas
pedagógicas, porque los universos son siempre franqueables”
El coreógrafo, bailarín y director argentino Enrique Cabrera reside
en España desde 1989. Su compañía se ha convertido en una referencia
artística pionera no sólo en nuestro país sino en el resto de
Europa. Cabrera es el alma de Aracaladanza, con una formación
ecléctica, ha desarrollado un imaginativo mundo donde la danza
se convierte en el vehículo para acercar la magia y la fantasía a los
escenarios.
Era la primera vez en la historia de los Premios Max que un espectáculo
infantil competía por el preciado galardón en otras categorías
artísticas. Pequeños Paraísos no sólo se hizo con el premio al
Mejor Espectáculo Infantil, sino que obtuvo otros dos. Un premio
te empuja y te confirma que el camino que has iniciado es correcto,
porque los creadores somos algo inseguros. Pero no mucho más. Cada
producción es empezar de nuevo, y nuestro próximo montaje no sólo
puede ser que sea premiado, sino que no guste. Por eso hay que tomar
este Max múltiple como lo que es, un premio a Pequeños Paraísos,
señala Cabrera.
Aracaladanza posee una imagen de marca. No contamos historias
porque nuestras propuestas carecen de una dramaturgia narrativa.
Siempre nos pareció difícil atrapar a un niño con el lenguaje de la
danza. Por eso nos propusimos incorporar los objetos al movimiento
de los bailarines. El objeto se ha convertido en un bailarín más. Pequeños
Paraísos además tiene un vestuario bellísimo, unas bailarinas
entregadas, una luz mágica y una música que te transporta a un
lugar sugerente, señala el coreógrafo.
En todos mis montajes existen recreaciones y referencias de artistas
plásticos. El cuadro de El Bosco, El jardín de las delicias, me atrapó
desde que lo contemplé en el Museo del Prado. Hace dos años empecé
a trabajar con Elisa Sanz sobre esta pieza y su posible discurso
adaptado a una coreografía. Era una puerta que debimos atravesar
para empezar de cero en una nueva creación. Nos dejamos empapar
por colores, texturas, personajes y objetos y lo mezclamos para hacer
nuestro propio Jardín de las delicias llevado a un escenario para niños
y con el lenguaje de la danza. Me gusta hablar de espectáculos
destinados a un público familiar, más que para niños en su delimitada
y estricta acepción.
Enrique Cabrera explica su particular visión del mundo infantil:
Nuestra primera producción desde la creación de la compañía, Catalina
y el cubo mágico, fue para niños. Siempre me ha interesado
el discurso y los códigos empleados por los niños. No creo que
pueda dejar de hacerlo porque cada vez me siento más cómodo con
los retos que me impone ese universo. Para el coreógrafo argentino
los códigos empleados para cautivar al público adulto y al infantil
no deben diferenciarse en absoluto. Desde hace más de veinte años
coreografío y bailo. Hace trece que constituimos la compañía Aracaladanza,
y debo admitir francamente que no encuentro diferencia
alguna entre trabajar para adultos y para niños. Las franjas pedagógicas
no existen y son franqueables; por eso Pequeños Paraísos está
concebida para niños desde cuatro años hasta abuelos de noventa.
Desde la experiencia que me otorga la respuesta que hemos recibido
del público puedo indicar que no hay ninguna diferencia. Trabajamos
rigurosamente la producción con los niveles de calidad propios
como si lo hiciéramos para adultos, y en algunas ocasiones incluso
desde unos niveles de exigencia aún mayores. Es importante que el
niño, a pesar de que no perciba puntualmente cada detalle, tenga
una visión global totalmente depurada. Estamos hablando de danza
y no de texto, y no contamos historias con un principio y un final,
con un bueno y un malo; sin una estructura narrativa que desarrolle
personajes…, eso nos facilita llegar a todo tipo de públicos. El niño
es un ser muy cercano al movimiento, más que al texto. El niño no
tiene prejuicios y va a ver un espectáculo sin plantearse si es de circo,
de texto, de mimo… Está abierto a recibir siempre, aunque tiene entidad
propia y luego juzga si le ha gustado o no.
Aracaladanza tiene actualmente tres espectáculos en gira, Pequeños
Paraísos, otro que lleva por título el sonido onomatopéyico del
corazón y que está recién estrenado, Tac Tac, destinado a bebés de
12 a 24 meses y, ¡Nada... Nada!, que culmina gira en Honk Kong
en julio.
ENTREVISTA
ENRIQUE
CABRERA
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TEATRO QUE PERSIGUE
FORMAR SERES CRÍTICOS Y LIBRES
Miles de alumnos de la gran mayoría de los centros docentes de la Isla acuden desde hace tres
temporadas al Cuyás para disfrutar de sus obras
El Teatro Cuyás, espacio escénico dependiente del Cabildo de Gran Canaria, viene desde hace tres temporadas impulsando
un programa específico destinado a los escolares de la Isla que coordina el Departamento de Educación y Acción Cultural que
gestiona Inmaculada Hernández, con la clara vocación de potenciar una atención más personalizada a los colegios de la Isla, y
fomentar en todos ellos la creación y afición de los alumnos hacia el mundo teatral, desde todos sus vértices y vertientes, señala
Hernández. Hay que destacar que el teatro como lenguaje artístico, metafórico y simbólico, es un fenómeno cultural, social y a
la vez comunicacional, es decir un hecho esencialmente relacional.
La programación escolar se propone ofrecer tres espectáculos por temporada, dos de ellos destinados a los ciclos de Secundaria
y Bachillerato y otro para Infantil y Primaria. En estas tres temporadas pasadas han sido diversas las compañías y obras que los
escolares de la Isla han podido disfrutar en el Teatro Cuyás acompañados de sus profesores, habiéndose producido un incremento
constante de público en cada una de ellas. Desde las propuestas producidas en Canarias por Profetas de Mueble Bar o
la Compañía 2RC Teatro Compañía de Repertorio, pasando por otras llegadas desde la península, como la de UROC Teatro o
Aracaladanza.
Pero este departamento también ha promovido otras actividades complementarias, para hacer del Teatro Cuyás una especie de
Escuela Viva donde los escolares han podido participar en Talleres de Teatro, Visitas Guiadas de colegios o la prestación de todo
el material didáctico-pedagógico que nos ha sido posible facilitar en cada uno de los espectáculos en que el Teatro Cuyás ha sido
coproductor, añade Inmaculada Hernández.
Recientemente, el Teatro Cuyás programó cinco funciones destinadas a escolares de toda la Isla del montaje El Sr. Ibrahim y las
flores del Corán, del dramaturgo francés Eric-Emmanuel Schmitt, de la que se beneficiaron unos tres mil alumnos de distintos
centros docentes grancanarios. Con anterioridad también fue programada la obra de Sanchis Sinisterra, El cerco de Leningrado,
una producción canaria de 2RC Teatro Compañía de Repertorio, que es asidua con sus obras en este ciclo que persigue difundir
PROGRAMACIÓN ESCOLAR
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y despertar el interés hacia el teatro y sus cualidades como alimento para el espíritu de aquellos jóvenes que deseen el día de
mañana sentirse ciudadanos más críticos, reflexivos y permeables hacia la cultura y las propuestas escénicas de nuestro siglo.
Para Inmaculada Hernández, el teatro debería tener una importancia mayor en la formación de nuestros alumnos, no sólo para
fomentar la afición y crear futuros espectadores, sino también para crear ciudadanos críticos. Ciudadanos que participan, que actúan,
que son protagonistas, que se expresan con el cuerpo y con las palabras, que piensan, que leen, que critican y que desarrollan
la iniciativa y la creatividad.
También del montaje infantil La cigarra y la hormiga, de Profetas de Mueble Bar, hay previstas hasta el mes de abril unas cuarenta
funciones para las que ya han reservado localidad nada más y nada menos que nueve mil alumnos de toda la Isla. Pocas ofertas
culturales mueven a tantos escolares.
Inmaculada Hernández avanza que tras El Sr. Ibrahim y las flores del Corán, el Teatro Cuyás programará en funciones escolares
el montaje de danza Pequeños Paraísos, que tantos éxitos está cosechando, desde que fuera premiado como Mejor Espectáculo
Infantil del pasado Festival de Teatro Infantil y Juvenil (FETEN 2007) y obtuviera tres premios al Mejor Espectáculo Infantil,
Mejor Vestuario y Mejor Espacio Escénico en la última edición de los Premios Max de Teatro (2008). Pequeños Paraísos es un
espectáculo de danza de extraordinaria belleza y calidad, que cautivará y dejará boquiabiertos sin duda a todos los públicos, desde
los cuatro años de edad, explica Hernández.
Este programa ha venido funcionando en el Teatro Cuyás con la colaboración de numerosos centros escolares de Gran Canaria,
que han contemplado esta propuesta como un elemento positivo que complementa la enseñanza y la formación integral de sus
alumnos. Uno de los montajes teatrales que mayor seguimiento ha tenido hasta la fecha fue El Alcalde de Zalamea, de Calderón
de la Barca, cuyas funciones escolares fueron seguidas por unos 8.000 alumnos de Secundaria y Bachillerato. El Departamento
de Educación y Acción Cultural se implicó de forma muy activa en esta coproducción, lo que posibilitó la edición de un programa
extenso que se distribuyó tanto al público como a los escolares, que incluyó el texto original de Calderón, con notas anexas
elaboradas por el profesor de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, Eugenio Padorno, entre otros autores, y propició
que se llegara a un acuerdo con la Editorial Castalia para distribuir entre los profesores una guía didáctica elaborada por la
mencionada editorial, con el objeto de fomentar luego en el aula actividades complementarias sobre los contenidos y las claves
literarias y dramáticas de El Alcalde de Zalamea.
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AVANCE MAYO-JUNIO
STRINBERG, MAYORGA, BERGMAN, LOPE DE VEGA Y
SAINT-EXUPÉRY SE ACOMODAN EN EL CUYÁS
Seis grandes montajes teatrales que traerán hasta el
escenario del Teatro Cuyás populares rostros como el
de Marisa Paredes, María Adánez, Juan Luis Galiardo,
Kiti Mánver o Carmen Machi, entre otros, llenan su
cartelera los meses de mayo y junio. Nombres a los que
se suman los de grandes dramaturgos clásicos como
August Strindberg, Ingmar Bergman, Lope de Vega,
Antoine de Saint-Exupéry o el de otros contemporáneos
de la escena nacional, como Juan Mayorga o
Juan Carlos Rubio. Además, el espacio escénico que
depende del Cabildo grancanario, presenta otro gran
musical de éxito, High School Musical, inspirado en la
famosa película de Disney Channel.
Sin lugar a dudas el teatro de texto será el auténtico
protagonista en la oferta que el Cuyás ha reservado a
su público hasta el próximo mes de junio. Los autores
citados nos recordarán que los grandes temas que inquietan
y angustian al hombre apenas se ha modificado
con el paso de los años: las ambiciones de poder, el
amor, las luchas existenciales, la muerte…
En mayo (días 2, 3 y 4) la cartelera la ocupa quizás el
mejor texto de Strindberg y la obra más representativa
del teatro sueco, La señorita Julia, que dirige el veterano
Miguel Narros e interpreta María Adánez, Chusa Barbero
y Raúl Prieto. Este drama del maestro del norte es
una historia de continua lucha de clases, sexos e ideas.
También en mayo (del 8 al 11) se presenta en el Cuyás
el montaje de uno de los autores de la escena española
más prolíficos, Juan Mayorga. La tortuga de Darwin,
que interpreta Carmen Machi bajo la dirección de
Ernesto Caballero, es una sugerente fábula sobre la
historia del devastador siglo XX en la que resuenan
ecos de Kafka, Ionesco y Bulgakov. Harriet, la tortuga
bicentenaria que estudiara el autor de El Origen de las
especies, nos hace emprender un vertiginoso viaje por
el espacio y por el tiempo, como una suerte de chamán
capaz de instalarnos en otro ámbito perceptivo, desde
donde nos es dado contemplar condensados múltiples
LAS BIZARRÍAS DE BELISA SONATA DE OTOÑO LA TORTUGA DE DARWIN
HIGH SCHOOL MUSICAL
HIGH SCHOOL MUSICAL
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y determinantes acontecimientos.
En ese mismo mes resonará el nombre de otro autor
consagrado de la cultura europea, Ingmar Bergman.
Sonata de otoño, con dirección de otro grande del teatro
español, José Carlos Plaza (días 16, 17 y 18), indaga
en la inquietante relación de una madre que interpreta
Marisa Paredes y una hija (Nuria Gallardo) llena de
buenos sentimientos, que no terminan de resolver sus
conflictos de cariños encontrados. Como no podía ser
de otra manera, vuelve a aparecer la alargada sombra
de un clásico de nuestro Siglo de Oro, Lope de Vega,
que en manos de la Joven Compañía Nacional de Teatro
Clásico, se convierte tras dos años de preparación,
en toda una garantía. Las bizarrías de Belisa (23, 24 y
25 de mayo), la última obra escrita por Lope, es una
comedia urbana que insiste en el amor como destino
definitivo del hombre.
Todos conocemos la historia de El principito (29, 30
y 31 de mayo; y 1 de junio), ese ser entrañable que
vivía en el pequeño asteroide que compartía con una
flor y tres volcanes. Pues bien, la celebérrima obra de
Saint-Exupéry llega a finales de mayo al Cuyás en forma
de obra dirigida por Pablo R. Escola. Para cerrar
la programación estrictamente teatral, el Cuyás apuesta
por el montaje Humo, de Juan Carlos Rubio, con
Kiti Mánver y Juan Luis Galiardo como protagonistas.
Humo (27, 28 y 29 de junio) es una comedia de apariencias
y simulacros entre una pareja cuya fórmula
para sobrevivir es reírse de los vicios de cada uno de
sus integrantes.
Antes, del 8 al 22 de junio, el Cuyás programará el otro
gran musical del segundo tramo de su temporada, High
School Musical, inspirado en el exitoso largometraje de
Disney Channel. La película, que ha batido récords
de audiencia entre los adolescentes americanos, se ha
convertido también en España en todo un fenómeno
musical: su banda sonora original ha ganado dos discos
de platino y se han vendido 160 mil copias.
HUMO LA SEÑORITA JULIA EL PRINCIPITO
LA SEÑORITA JULIA
LA SEÑORITA JULIA / LA TORTUGA DE DARWIN / SONATA DE OTOÑO / LAS BIZARRÍAS
DE BELISA / EL PRINCIPITO / LA SEÑORITA JULIA / LA TORTUGA DE DARWIN / SONATA
DE OTOÑO / LAS BIZARRÍAS DE BELISA / EL PRINCIPITO / LA SEÑORITA JULIA / LA TORTUGA
DE DARWIN / SONATA DE OTOÑO / LAS BIZARRÍAS DE BELISA / EL PRINCIPITO /
LA SEÑORITA JULIA / LA TORTUGA DE DARWIN / SONATA DE OTOÑO / LAS BIZARRÍAS DE
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GREASE, EL MUSICAL DE TU VIDA musical
Dirección: Ricard Reguant
Coreografía: Coco Comin
Dirección musical: Manu Guix
MARZO
SÁBADO 22, 22.00 H.
DOMINGO 23, 18.00 Y 22.00 H.
MARTES 25 Y MIÉRCOLES 26, 20.30 H.
JUEVES 27, VIERNES 28 Y SÁBADO 29, 18.30 Y 22.30 H.
DOMINGO 30, 18.00 H.
ABRIL
MARTES 1 Y MIÉRCOLES 2, 20.30 H.
JUEVES 3, VIERNES 4 Y SÁBADO 5, 18.30 Y 22.30 H.
DOMINGO 6, 18.00 H.
Duración: 3 horas con pausa
Precio único sin descuento
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 40.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1er ANFITEATRO BAJO 40.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1er ANFITEATRO ALTO 37.00 16.00 14.00 13.00 09.00
2o ANFITEATRO 27.00 13.50 12.00 10.50 07.50
GNAWA, QUINTET
Y GILDED GOLDBERGS danza contemporánea
Compañía Nacional de Danza
Dirección Artística: Nacho Duato
VIERNES 11 Y SÁBADO 12, 20.30 H.
DOMINGO 13, 19.00 H.
Duración: 2 horas y 15 minutos con pausas
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1er ANFITEATRO BAJO 24.00 21.50 19.00 17.00 12.00
1er ANFITEATRO ALTO 18.00 16.00 14.00 13.00 09.00
2o ANFITEATRO 15.00 13.50 12.00 10.50 07.50
EL LEÓN EN INVIERNO teatro drama
De James Goldman
Versión y Dirección: Juan Carlos Pérez De La Fuente
Con Manuel Tejada y Alicia Sánchez
VIERNES 18 Y SÁBADO 19, 20.30 H.
DOMINGO 20, 19.00 H.
Duración: 2 horas con pausa
P. INICIAL B10 T20 T30 T50
PATIO BUTACAS 18.00 16.00 15.00 13.00 09.00
1er ANFITEATRO BAJO 15.00 13.50 12.00 11.00 07.50
1er ANFITEATRO ALTO 13.00 12.00 11.00 09.00 06.50
2o ANFITEATRO 11.00 10.00 09.00 08.00 05.50
P EQUEÑOS PARAÍSOS danza familiar
Aracaladanza
Dirección: Enrique Cabrera
VIERNES 25, 20.30 H.
SÁBADO 26, 12.00 y 18.00 H.
DOMINGO 27, 19.00 H.
Duración: 50 minutos sin pausa
ADULTOS (+14 AÑOS) NIÑOS (-14 AÑOS)
PATIO BUTACAS 15.00 12.00
1er ANFITEATRO BAJO 12.00 10.00
1er ANFITEATRO ALTO 12.00 10.00
2o ANFITEATRO 08.00 06.00
Los menores deberán ir acompañados de un adulto y las localidades deberán adquirirse en
conjunto (mínimo una entrada de adulto y una de infantil).
MARZO-ABRIL 2008
Abril
Abril
Abril
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BONOS Y DESCUENTOS
CARNÉ UNIVERSITARIO / CARNÉ JOVEN
Presentando el carné de estudiante universitario
(comunidad europea) o el carné joven euro26
junto con el D.N.I., se beneficia de un descuento
de aproximadamente el 30% sobre la tarifa inicial,
en los espectáculos sujetos a descuentos.
Tanto a la hora de adquirir localidades como
para acceder a la sala, deberá presentar dichos
documentos.
Menores de 14 años
Presentando el D.N.I. o libro de familia de los
más jóvenes de la casa, estos automáticamente
son beneficiarios de un descuento del 30%
aproximadamente sobre la tarifa inicial, en los
espectáculos sujetos a descuentos.
Condici one s de los bonos
· Tanto a la hora de adquirir localidades como para acceder a la sala, deberá presentar el D.N.I. y documento acreditativo.
· Tienen carácter personal e intransferible y de vigencia anual (excepto bono senior de vigencia permanente).
· Los descuentos sólo serán aplicables a las compras realizadas por taquilla.
· Los descuentos no son acumulables.
Discapacitados en silla de ruedas
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento equivalente
al precio del 2º anfiteatro en todos los
espectáculos.
Dispondrán de los espacios habilitados para ello
en el patio de butacas.
Deberán presentarse en el teatro 30 minutos
antes del comienzo del espectáculo para una
correcta ubicación.
Precios de grupos
Existen descuentos especiales para grupos concertados
a partir de 14 personas. Consultar en
taquilla.
BONO 10
Por la adquisición de
un mínimo de tres
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 10%
aproximadamente sobre
la tarifa inicial, sólo en
los espectáculos sujetos
a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 10 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 20
Por la adquisición de
un mínimo de cinco
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 20%
aproximadamente
sobre la tarifa inicial,
sólo en los espectáculos
sujetos a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 20 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 30
Por la adquisición de
un mínimo de ocho
espectáculos diferentes
se beneficiará de un
descuento del 30%
aproximadamente
sobre la tarifa inicial,
sólo en los espectáculos
sujetos a descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá
adquirir localidades
con el mismo tipo de
descuento a lo largo de
la temporada vigente.
El Bono 30 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos.
BONO 50
Por la adquisición de un
mínimo de un espectáculo,
acreditando que es
jubilado y con ingresos
inferiores al salario
mínimo interprofesional
(540,90€, fotocopia de:
D.N.I. y acreditación
correspondiente) se
beneficiará de un descuento
del 50% aproximadamente
sobre la tarifa inicial, sólo en
los espectáculos sujetos a
descuentos.
Posteriormente este
bono le permitirá adquirir
localidades con el mismo
tipo de descuento a lo largo
de la temporada vigente.
El Bono 50 es personal
e intransferible y no
acumulable con otros bonos
ni descuentos.
BONO SENIOR
Por la adquisición
de un mínimo de
un espectáculo,
acreditando que es
pensionista mayor
de 65 o jubilado se
beneficiará de un
descuento del 30%
aproximadamente
sobre la tarifa
inicial, sólo en los
espectáculos sujetos a
descuentos.
El Bono Senior
es personal e
intransferible y no
acumulable con otros
bonos ni descuentos
y de vigencia
permanente.
Tanto a la hora de adquirir localidades como para
acceder a la sala, deberá presentar uno de los
dos documentos.
Desempleados
Presentando la tarjeta de desempleo
vigente junto con el D.N.I., se beneficia de un
descuento de aproximadamente del 50% sobre
la tarifa inicial, en los espectáculos sujetos a
descuento.
Sólo se podrán adquirir espectáculos cuyas
funciones coincidan en la fecha con la vigencia
de la tarjeta de desempleo.
Tanto a la hora de adquirir localidades como
para acceder a la sala, deberá presentar dichos
documentos.
Otros de scuen tos
Condici one s GENERALES
· Las entradas no podrán ser cambiadas ni reembolsadas.
· No se harán reservas de entradas si no es para grupos.
· Una hora antes de cada función no habrá venta anticipada.
· Los descuentos sólo serán aplicables a las compras realizadas en taquilla. En ningún caso después de haber sido emitida la entrada.
· Los descuentos no son acumulables.
· Si una vez comenzada la función ésta es cancelada por causas ajenas al teatro, no será posible el reembolso del importe de la entrada.
· La cancelación del espectáculo será la única causa admisible para la devolución del importe de las mismas.
· El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a descuentos.
· Los discapacitados en sillas de ruedas deberán presentarse en el teatro 30 minutos antes del comienzo del espectáculo para una correcta ubicación.
· Las entradas compradas por internet o venta telefónica se recogerán en los cajeros expendedores de entradas situados en el patio del cuyás
o cualquier otro punto de recogida (consultar con la Caja de Canarias).
Rellena la ficha con tus datos personales que encontrarás en la taquilla del teatro o a través de nuestra web en la sección de La Luna del Cuyás, y recibirás en
tu domicilio toda la información sobre los espectáculos programados por el Cuyás. ¡No te la pierdas!.
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PROGRAMACIÓN MAYO JUNIO 2008 TEATRO CUYÁS MAYO 2008: LA
SEÑORITA JULIA / DE AUGUST STRINDBERG / DIRECCIÓN: MIGUEL NARROS
/ CON MARÍA ADÁNEZ, RAÚL PRIETO Y CHUSA BARBERO / V2 Y S3, 20.30
H. / D4, 19.00 H. / DURACIÓN: 1 HORA Y 30 MINUTOS, SIN PAUSA / LA
TORTUGA DE DARWIN / DE JUAN MAYORGA / TEATRO EL CRUCE Y TEATRO
LA ABADÍA / DIRECCIÓN: ERNESTO CABALLERO / CON CARMEN MACHI /
J8, V9 Y S10, 20.30 H. / D11, 19.00 H. / DURACIÓN: 1 HORA Y 40 MINUTOS,
SIN PAUSA / SONATA DE OTOÑO / DE INGMAR BERGMAN / DIRECCIÓN:
JOSÉ CARLOS PLAZA / CON MARISA PAREDES, NURIA GALLARDO Y CHEMA
MUÑOZ / V16 Y S17, 20.30 H. / D18, 19.00 H. / DURACIÓN: 2 HORAS, SIN
PAUSA / LAS BIZARRÍAS DE BELISA / DE FÉLIX LOPE DE VEGA / JOVEN
COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO / DIRECCIÓN: EDUARDO VASCO
/ V23 Y S24, 20.30 H. / D25, 19.00 H. / DURACIÓN, 1 HORA Y 40 MINUTOS,
SIN PAUSA / MAYO-JUNIO 2008: EL PRINCIPITO / DE ANTOINE DE SAINTEXUPÉRY
/ DIRECCIÓN: PABLO R. ESCOLA / CON EDUARDO CASANOVA,
PEP MUNNÉ E ITZIAR MIRANDA / J29, V30 Y S31, 20.30 H. / D1, 19.00
H. / DURACIÓN: 1 HORA Y 15 MINUTOS, SIN PAUSA / JUNIO 2008 / HIGH
SCHOOL MUSICAL / DIRECCIÓN ARTÍSTICA: ARIEL DEL MASTRO / UN
NUEVO MUSICAL BASADO EN LA EXITOSA PELÍCULA DE DISNEY CHANNEL
/ D8, 18.30 Y 21.30 H. / M10 Y X11, 20.00 H. / J12, V13 Y S14, 18.30 Y
21.30 H. / D15, 18.30 H. / M17 Y X18, 20.00 H. / J19, V20 Y S21, 18.30
Y 21.30 H. / D22, 17.30 H. / DURACIÓN: 2 HORAS Y 10 MINUTOS, CON
PAUSA / HUMO / DE JUAN CARLOS RUBIO / DIRECCIÓN: JUAN CARLOS
RUBIO / CON JUAN LUIS GALIARDO Y KITI MÁNVER / V27 Y S28, 20.30
H. / D29, 19.00 H. / DURACIÓN: 1 HORA Y 30 MINUTOS, SIN PAUSA