Revist&üelTeatr
N°23
Mayo-Julio 2006
L
EL TÚNEL
Héctor Alterio se enfrenta
a la locura y a la soledad
SOFÁ PARA DOS
Para sentarse y partirse de risa
LACENA
Flotats y Carmelo Gómez
deciden el destino de Francia
STAATSBALLET BERLÍN
(Solistas del Ballet de la Ópera de Berlín)
Constelación de estrellas de la danza
sobre el escenario
^K^^^S^vi^éMpm^^^p.M: ■ WjM'
Wft
■ "---.i
^B
SOFÁ PARA DOS
Una disparatada comedia de enredo de Marc Camoletti que
habla de la conveniencia y las apariencias
ENTREVISTA A SEVERIANO GARCÍA
El director de Sofá pan
rio de un teatro comp
cree que el desarrollo necesastido
debe ir de la mano de una
08
LACENA
■ ■ Josep María Flotats y Carmelo Gome
intenso duelo interpretativo en la obra de Jean Claude
Brisville
I
STAATSBALLET BERLÍN
SOLISTAS DEL BALLET DE LA ÓPERA DE BERLÍN
s principales artistas de una de la
compañías europeas llenan el escenario del le
las órdenes de Vladir
u
EL TÚNEL
Héctor Alte rio encarna al atormentado pintor homicida de
la novela homónima de Ernesto Sábato, para descubrirnos
los oscuros vericuetos del alma humana
HORARIOS Y PRECIOS
LA PAGINA DEL CUYAS
■
■ ■
S^SíyS'F
■
SOFÁ PARA DOS
¡TOMEN ASIENTO!
El Teatro Cuyas estrena otra delirante comedia de Marc Camoletti,
en donde sus cinco personajes están obligados a vivir un sinfín
de desatinadas situaciones en un apartamento dividido
Muchos de los espectadores del Teatro Cuyas
recordarán la divertida puesta en escena que
Producciones del Mar realizó en 2003 del
clásico de Marc Camoletti titulado Boeing-
Boeing. Si en aquella ocasión solicitábamos al
respetable que se abrocharan los cinturones,
ahora les pedimos que se acomoden en este
peculiar Sofá para dos en el que prometemos
un saludable revolcón a base de carcajadas y
relajante humor. Originariamente titulada
por el autor suizo Marc Camoletti, Sofá para
dos, esta comedia que será estrenada en el
Cuyas dirigida por el tinerfeño Severiano
García, puede definirse como un vodevil
liviano pero efectista, de situaciones y
equívocos hilarantes. La nueva producción
de la factoría que dirige Mario Vega, cuenta
con los cinco actores Carmelo Alcántara
(Profetas de Mueble Bar), la explosiva
cubana Yanet Sierra, Soraya del Rosario, José
Carlos Campos y Paloma Fuentes, para
poner en escena Sofá para dos, en donde
Camoletti despliega, según señala Severiano
García, toda su sabiduría invitándonos a
presenciar un baile de máscaras ridículo y
grotesco, repleto de humor, donde sus protago
nistas tratan de aparentar algo que realmente
no son o no desean.
Según el director, autor y actor Severiano
García, Marc Camoletti es sin duda uno de
esos grandes dramaturgos dotados para
manejar con pulso maestro el complejo arte de
la comedia. No en vano su inmediata compli
cidad con el público, planteando las más
disparatadas situaciones de enredo, pero sin
perder ni un ápice de credibilidad, lo
convierten en uno de los autores más
queridos y representados en el mundo.
Conoce muy bien todas las claves, el ritmo, el
juego de los diálogos, para que las situacio
nes en las que se ven inmersos sus personajes
consigan que el público se parta de risa. Nos
va llevando poco a poco hasta donde él
quiere, haciéndonos cómplices de esa suerte
de delirio cómico que viven sus personajes.
Situaciones desatinadas en su punto de
arranque pero que llegan a convertirse en
verosímiles utilizando por contra precisa
mente a unos personajes que nos resultan
muy cercanos, provistos de todas las dudas e
■
inseguridades que los convierten en personajes
de carne y hueso, indispensables para que se dé
ese imperioso juego identificatorio de espejos,
tan necesario en el teatro como lo es el oxígeno
a la vida.
Sofá para dos es la historia de un matrimonio
de mediana edad en crisis. Eternas crisis
comunes que van y vienen, y que todos pensa
mos, como en este caso, poder sortear
volviendo atrás en el camino, tratando de
repetir comportamientos que fueron un día
lógicos porque formaban parte de ese esplen
doroso período de la vida llamado juventud,
pero que traídos de nuevo ya no funcionan,
explica García. Nuestros protagonistas, por
una especie de despecho, se lían con personas
mucho más jóvenes que ellos, y tratando de
adaptarse, no sin dificultad, a los nuevos
acontecimientos, pretenden vivir todos en la
misma casa como si no pasara nada. Es por
ello que las situaciones lógicamente se les
escapen de las manos, haciendo el ridículo y
consiguiendo que el respetable, ustedes y yo,
nos partamos de risa. Qué le vamos a hacer,
los humanos somos así.
í
\
'-aíF
UNA
'COMPROMETIDA
IDIVISIÓN
La dentista Marta Quintana y el
abogado Fernando Cariñena, ambos
de mediana edad, forman un matri
monio que atraviesa una grave crisis.
Con los trámites de divorcio ya en
curso, y por temor a perder clientes,
deciden continuar conviviendo y
trabajando, como hasta ahora, en el
mismo apartamento; ella en su
consulta y él en su despacho. Sólo que
para evitar roces, dividen el espacio
en dos con una línea roja que
atraviesa incluso por encima del sofá.
Todo se complicará aún más cuando
ambos deciden llevar a vivir a la casa
a sus respectivos amantes: la modelo
Luvna y el actor Diego Valdepeñas
"Walker" ambos mucho más jóvenes
que ellos. En medio de todo está
Jumilla, la espabilada asistenta que
continúa prestando sus servicios al
matrimonio por igual. Con este
panorama, las situaciones de enredo
disparatadas se suceden a lo largo de
la representación.
ENTREVISTA
CARMELO ALCÁNTARA
"EL amor siempre triunfa"
El actor y director, miembro de la Compañía
Profetas de Mueble Bar, Carmelo Alcántara,
representa en esta comedia al abogado
Fernando Cariñena, un ser extraviado que
intentará por todos los medios recuperar el
amor de su mujer. A través de la bella Luvna,
este abogado alimentará su débil ego. Alcán
tara, fundador en Madrid de la compañía
Farirorafaifo, también ha realizado algunas
incursiones en el mundo del cine.
Háblenos de su personaje, Fernando
Cariñena, en este montaje de Camoletti
¿Cómo es; cómo siente; cómo padece y de
qué?
Éste es un personaje que cumple todos los
parámetros de un vodevil; para un actor
permite desarrollar todos los recursos del
género, que en este caso se acerca mucho a la
alta comedia. Cariñena es un abogado bien
colocado en la vida con su negocio, pero que
tiene conflictos con su mujer. De ideas
pasadas de moda, es tierno, duro, bruto,
sensible, un ser contradictorio y capaz de
todo por llegar a ganarse el amor de su mujer
otra vez, lo cual le lleva a inventar mil
situaciones en el transcurso de la historia.
Usted acaba de concluir la interpretación
en el montaje La loca amarilla, otro
concepto de espectáculo muy diferente al
de esta comedia. ¿Esos cambios de registro
son difíciles para un actor? ¿En qué
montaje se está sintiendo más cómodo?
Precisamente uno de los mayores alicientes
de esta profesión es la oportunidad de
trabajar muy diferentes registros; ésa es la
labor del actor. Estoy igual de cómodo. Es
parte de mi trabajo, además, el reparto es
ideal para esta función y el resto de actores
son compañeros de profesión que me encan
tan, y cuyos trabajos he aplaudido muchas
A su juicio, ¿en dónde radica la reserva
moral de esta comedia de Camoletti?
En el amor, que siempre triunfa.
¿La comedia es siempre una apuesta
segura o un confortable riesgo?
La comedia es una fórmula de lenguaje que
exige sus reglas. En absoluto es un género
menor, sino que es un arma lúcida. En
realidad, cualquier género es un riesgo y la
comedia es un gran riesgo.
ll
a>~
ENTREVISTA
SEYERIANO GARCI
"EL enredo inteligente, los diálogos chispeantes y los giro
en la trama definen el teatro de Camoletti"
El autor, actor y director de Sofá para dos,
Severiano García, estima que la calidad no
tiene por qué estar reñida con la comercialidad.
Miembro fundador de una de las
compañías tinerfeñas más notables,
Delirium Teatro, cree que aún siguen
existiendo ciertos prejuicios hacia el teatro
comercial. De hecho pienso que el desarrollo
necesario de un teatro comprometido debe ir
de la mano de una buena oferta comercial.
Según García, que estrenó en 2003 en el
Teatro Cuyas el montaje de Claudio de la
Torre, Tic-Tac y Boeing-Boeing, también de
Camoletti, ha realizado en esta producción
un trabajo muy exigente, profundo e intenso
con los actores, para que sus interpretaciones
resulten memorables. Sobre los cinco que
interpretan este vodevil advierte que no me
cabe la menor duda de que cuento con los
Para el director, el teatro de Camoletti basa
su estrategia en EL JUEGO (con mayúscu
las). El enredo inteligente, los giros en la
diálogos chispeantes, las interpretaciones
siempre al borde de un ataque de nervios...
En Boeing-Boeing se utilizaba a menudo el
recurso de las entradas y salidas de los
personajes por las puertas para atizar el
ritmo escénico. En Sofá para dos ese juego no
es tan recurrente, por lo que los actores deben
suplirlo con un pulso cómico interno mucho
más vertiginoso, en unas situaciones deliran
tes, sustentadas en la pura interpretación.
Sobre la situación general de la escena,
Severiano García piensa que el problema
principal ahora mismo es la escasa asistencia
de público al teatro, y no creo que sea un
problema que ataña sólo a Canarias. Esto se
debe a muchas razones que sería imperioso
debatir en un marco específico: Promoción y
espacios adecuados, circuitos y programacio
nes estables, intercambios culturales, exigencia
artística en las propuestas, etcétera. En este
sentido la labor que hace Producciones del
Mar para captar al gran público me parece
mas que loable. Sin embargo, para la política
programadora del Cuyas, el director solo
avanza elogios: El Cuvás es la excepción
que confirma la regla. Es un teatro con nivel
europeo, que ha venido a demostrar que en la
variedad está el éxito, así como en la estabili
dad de la programación. Por supuesto con
mucho trabajo y una dirección seria. Los
miembros de Delirium viajamos mucho a la
capitalgrancanaria para ver espectáculos en el
Teatro Cuyas. Es una referencia y un privilegio
disponer de un teatro así.
No hace mucho asistió a la ultima conferen
cia que ofreció el periodista y crítico teatral
Haro Tecglen, antes de dejarnos definitiva
mente. Después de formular una valoración
pesimista sobre la situación política mundial,
Severiano García se atrevió a preguntarle al
intelectual que si su visión afectaba al teatro.
Tecglen respondió que por supuesto. Luego se
auedó pensando v me dijo... El teatro es una
§Bb-
7
I
SÉII ■■
LA CENA
PERVERSA ELEGÍA SOBRE LA CONSPIRACIÓN Y LA TIRANÍA
Flotats y Carmelo Gómez protagonizan un duelo escénico en este montaje
de referencias históricas, que denuncia la ambición del poder político en
nombre de las razones de Estado
I
09
La obra La cena parte de un hecho real: el
encuentro secreto que mantuvieron el 6 de
julio de 1815 en un palacio de la calle
Saint-Florentine el maestro de la política
Maurice de Talleyrand y el jacobino sangui
nario Joseph Fouché, dos piezas clave en
medio de una convulsa Francia invadida
por los ejércitos de Inglaterra, Prusia y
Rusia, tras la sangrienta derrota de Waterloo,
y justo antes de que Luis XVIII
accediera al trono y ambos le juraran
fidelidad. En torno a una cena de alta
gastronomía, preparada por Antoine
Caréme, los dos hombres, conscientes de
que nada se puede hacer sin ellos, libran un
duelo implacable en el que la diplomacia
cede ante la desfachatez más perversa de
pactos dudosos para beneficios personales...
Lo que estos personajes se dijeron esa noche
es algo que no consta en los manuales de
historia pero que, sin embargo, el octoge
nario dramaturgo francés dedicado al teatro
histórico Jean Claude Brisville imaginó de
forma brillante, y que ahora Josep María
Flotats ha sabido adaptar a nuestros días en
esta versión en la que comparte escenario
con otro grande de la escena española,
Carmelo Gómez, quien reaparece en una
producción teatral tras nueve años de
ausencia. Gómez encarna al que fuera
conocido como el carnicero de Lyon, un ser
despreciable que cambió de bando tantas
veces como una serpiente muda de piel:
Fouché ayudó a Napoleón a dar el golpe de
Estado y fue el fundador de una policía que
basó su éxito en mantener a la población
archivada y espiada; más tarde encabezó el
gobierno provisional tras la derrota de
Napoleón y contribuyó a la restauración de
los Borbones, explica el actor al que
pudimos admirar hace unos años en el
Teatro Cuyas en el montaje París 1940.
Su antagonista, Talleyrand, era un liberal de
origen aristocrático, amante de la buena
vida, sin delitos de sangre aparentemente,
del que se decía que era una mierda en una
media de seda. Al igual que Fouché, fue
un superviviente de la política que sirvió
también a la Revolución, a Napoleón y a los
Borbones; formó parte de doce gobiernos y
su labor como jefe de la diplomacia gala
sigue despertando la curiosidad de
infinidad de estudiosos e historiadores. Es la
primera vez que hago un personaje con el que
a nivel moral estoy en profundo desacuerdo y
eso, sin embargo, lo hace más excitante para
un actor. La construcción del personaje me
exige un control de los sentimientos, de decir
lo contrario de lo que pienso. Es un ejercicio
colosal de hipocresía, y en este sentido, es un
ejemplo de arte interpretativo, pero
también de diplomacia, comenta Josep
María Flotats. El montaje, que se completa
con las interpretaciones de Daniel Muriel,
como el sirviente de Talleyrand; Bruno
Ciordia, que encarna al sirviente de
Fouché, y la voz en off de Abel Folk, que
encarna el eco de Chateaubriand.
Estrenada en el teatro parisino de
Montparnasse en 1989, La cena fue
llevada posteriormente al cine. La
versión que dirige Flotats, cuya traduc
ción al castellano firma Mauro Armiño,
obtuvo el Premio Max a la Mejor Direc
ción de Escena en la edición de 2005. Como
director -avanza Flotats- tenía muy claro que
en esta función el enfrentamiento entre los
personaje debía estar muy bien definido. No se
podía bajar nunca la tensión, incluso en los
momentos más amables. La tensión se percibe
en cómo se habla, en los ritmos que se
imponen Fouché y Talleyrand, en sus
movimientos, en los tempos, en los silencios
que se pueden cortar y son peores que un grito.
He montado la obra con la estética de la época,
pero con voluntad de que el espectador vea
cómo proceden estos dos personajes y se
pregunte hasta qué punto resultan contem
poráneos.
Talleyrand sabe medir las distancias, los pasos, incluso
ayudado del singular movimiento de su pierna
renqueante. Sabe apelar a las emociones, convencer
al contrincante. Ofrece y sugiere con arte, con
inteligencia. Y sabe agredir verbalmente
para marcar la superioridad de su origen
noble o recordar tiempos pretéritos pese a
que el pretendido pacto entre él y Fouché
debe extenderse hacia una connivencia
orientada hacia el pasado. Pero también
sufre reveses y debe sobreponerse a la
derrota cuando Fouché le ataca.
Por otra parte, el jefe de policía y Duque de
Obrante, Joseph Fouché contraataca de
igual a igual a Talleyrand. Es capaz de
mostrar todas las vilezas que encierra su
alma. Define con realismo y exactitud
verdaderamente asombrosos su concepto
de Estado de represión, sus métodos
coercitivos para erradicar la violencia.
Muestra la rudeza de sus modales de clase
baja; los andares toscos, desafiantes. Y
sucumbe a los placeres de la buena mesa, al
reconocimiento de la necesidad del otro,
de Talleyrand, para salir a flote e impune de
los crímenes cometidos por él. Hay una
rotunda contemporaneidad en las motiva
ciones políticas de baja estofa de estos dos
personajes; dos tipos totalmente corruptos,
sin ninguna clase de moral, que piensan
únicamente en el poder y en su propio
interés. Si tenemos en cuenta que Tayllerand
estuvo en doce regímenes y Fouché en ocho,
explica el talante negociador y la capacidad
de estos dos para navegar en aguas turbias.
En este sentido, son dos ejemplos de transfuguismo,
advierte el actor y director.
En opinión de Flotats, La cena no es una
obra de teatro político en el sentido
brechtiano, aquí no hay denuncia, ni
pedagogía, lo que el autor nos enseña es
una verdad humana y sangrienta sobre dos
personajes históricos importantísimos,
hombres que pseden verse como los
constructores de una primera Europa. El
actor catalán se declara militante a favor
del teatro del arte y de la creación literaria
y reivindica el teatro como un arte mayor.
No trato de hacer un teatro político ni de
discurso para convencer, pero sí para abrir
puertas al diálogo.
EL PODER SEGÚN FOUCHÉ
La Monarquía ya no es de derecho divino, es sólo una solución más entre varias; una
solución frágil y, hoy por hoy, impopular.
El poder será de la Policía, de los espías, de los delatores. Eso será el orden.
La política no existe, existe la vida. Y la vida no es más que el nombre que adopta la
política cuando pasa por nuestras venas.
Sus modales [los de Talleyrand] huelen a mierda; nosotros no somos de la misma clase.
(...) Huele mal; peor que yo, que sólo huelo a sangre.
EL PODER SEGÚN TALLEYRAND
Reconozco como lo más prudente que nosotros mismos nos demos un amo: un amo al
que conozcamos y que nos necesite.
Ganemos la paz, ganemos la guerra; pero ganemos dinero.
Con una buena Policía sólo puede haber un buen Gobierno, porque nadie podrá decir
que es malo.
¿Sabe por qué mi dossier secreto no es un peligro para mí? Porque es de notoriedad
pública: soy un prevaricador y un depravado. Mas de todo me protege mi talento. Hay
en mí algo inexplicable que acarrea la desgracia de quienes me ignoran.
LA VERDAD NEGRA Y LLENA
DE SANGRE DE DOS HOMBRES -
J.C. BRISVILLE
Talleyrand y Fouché, que han entrado en nuestras memorias como el vicio apoyado en
el brazo del crimen, forman una de esas parejas infernales que de vez en cuando la
historia se complace en sacar de su caja. Sabiendo hacerse indispensables a los sucesivos
gobiernos que emplearon su talento, los dos, odiándose, dominan un cuarto de siglo de
la historia francesa. He querido verlos (en la noche del 6 al 7 de julio de 1815) en el
momento en que la coyuntura política los obliga a la negociación. ¿Alianza provisional
o último combate? En cualquier caso, un momento excepcional para el destino de su
país y de su futuro personal. Pero más allá de los personajes hundidos en las sedas y los
dorados de los honores, es a la verdad negra y llena de sangre de estos dos hombres a lo
que en La Cena he intentado acercarme.
im
■ ■■■■■-■--■■ -i- ■-■ --■■■■■-—-
STAATSBALLET BERLÍN
(Solistas del Ballet de la Ópera de Berlín)
GALÁCTICOS DE LA DANZA CLÁSICA
Una selección de solistas de la compañía alemana que dirige el genial bailai
Vladimir Malakhov, ofrece un programa integrado por una decena de coreog
Una selección de los principales solistas de
una de las más prestigiosas compañías de
danza de Europa, el Staatsballet Berlín (Ballet
de la Opera de Berlín), ofrecerá en sus
actuaciones previstas en el Teatro Cuyas un
variado y amplio programa, integrado por un
total de una decena de coreografías de distin
tos autores como Marius Petipa, Fedor W.
Lopuchov, LJwe Scholz, George Balanchine,
Vassily Vainonen, Mikhail Fokine o Kenneth
MacMillan, entre otros. La constelación de
excelentes bailarines que integra el elenco
artístico del Staatsballel Berlín, esta coman
dada por el considerado por muchos críticos
especializados como el bailarín ¡leí siglo,
Vladimir Malakhov, que bailará en dos de las
obras programadas, Apollon Musagéte (junto
a Polina Semionova, Corinne Ver
y Elena Pris) y Aria, en esta última
solitario.
El programa escogido por la compañía berlinesa
contempla en su primera mitad la interpretación
ele las obras La Esmeralda (pas de deux), con
coreografía de Petipa y música de Riccardo
Drigo; Gopak (solo),de Lopuchow, con música
de Wassali Solowjow-Sedoi; Mozart (F.in
Lindentraum) (pas de deux), de Scholz, con
música de Mozart; y Apollon Musagéte, con
coreografía de Balanchine y música de Igor
Stravinsky. Tras un descanso de veinte
minutos aproximadamente, dará comienzo
la segunda parte del programa, que estara
integrada por las piezas Le Corsaire (pas de
deux), con coreografía de Marius Petipa v
música de Minkus; La muerte del cisne, de
Fokine y música de Saint-Saéns; Flamme von
París con coreografía de Wainonen y música
de Assaliev, Manon (pas de deux), con
coreografía de Kenneth MacMillan y músic
de [ules Massenet y, finalmente, Aria (solo), á
Val Camparoli y música de Háendel. Todos lo
bailarines de Staatsballet Berlín interpretara!
la pieza Graud filíale a la conclusión.
Los solistas de la compañía que se trasladan
para la ocasión a la isla de Gran Canaria son
Vladimir Malakhov, lana Salenko, Manan
Walter, Dinu Tamazlakaru, Beatrice Knop
Artem Shpilevsky, Polina Semionova. Corinn
Verdeil v Elena Pris.
RDIMIR MALAKI
BAILARÍN DEL SIGLi
'Vladimir Malakhov es reconocido
njundialmente como uno de los grandes
bailarines de su generación. Ganador de
primeros premios en las competiciones
internacionales de Varna, Moscú y París,
y aclamado como Bailarín del Siglo por
críticos europeos, Malakhov ha deslum
hrado al público combinando su
brillante técnica con elocuencia lírica.
Nacido en Ucrania, Malakhov comenzó
a estudiar ballet a los cuatro años en la
escuela local de danza. A los diez años
continuó sus estudios en la Escuela de
Ballet del Bolshoi, en Moscú, bajo la
tutela de Petr Pestov. Después de
graduarse en 1986 entró a formar parte
del Ballet Clásico de Moscú como el
bailarín principal más joven de la
compañía. En 1992 se une al Ballet de la
Ópera de Viena como Artista Principal
y al Ballet Nacional de Canadá en 1994.
En la primavera de 1995 debutó con el
American Ballet Theatre en el Metropolitan
Opera de Nueva York. Su reper
torio abarca desde los grandes ballets
clásicos hasta las obras de los coreógra
fos más importantes del siglo XX.
Son numerosos los coreógrafos de gran
renombre que hoy en día han creado
obras para que Vladimir Malakhov las
baile, siendo uno de los artistas más
solicitados del mundo por los teatros
más prestigiosos del planeta con las
compañías de ballet más importantes.
Su personalidad y su clase son tales
que se han producido varios
programas monográficos sobre él:
Bravo Malakhov (Televisión Rusa),
Narcisse. Ihe Dancer Malakhov
(European Cultural Network), True
Prince (CBC), y Searchfor zero-gravity
- Auf der Suche nach Schwerelosigkeit
(Arte).
La primera obra que coreografió Vladimir
Malakhov fue La Bayadére, según la obra de
Marius Petisa, con música de Ludwig Minkus,
en la Opera Estatal de Viena, en 1999, y en la
Staatsoper Unter den Linden en Berlín, en el
2002. También coreografió Verdi-Ballett: Ein
Maskenball con música de Giuseppe Verdi,
para el Ballet Estatal de la Ópera de Viena en
2001, y Cinderella en 2003 y Sleeping Beauty
en 2005 para el Staatsballet Berlin.
Al año siguiente, Vladimir Malakhov fue
nombrado Director Artístico y Bailarín
Principal del Ballet de la Deutsche Staatsoper
Berlin. Asimismo, es Bailarín Principal en el
American Ballet Theatre y Artista Invitado
Principal de la Opera Estatal de Viena.
Después de haber fundado el Staatsballett
Berlin dentro de la estructura del Stiftung
Oper en Berlín, Vladimir Malakhov fue
nombrado Director Artístico de dicha
compañía.
—■p— ■
STAATSBALLET BERLÍN
Desde el 1 de enero del 2004 Berlín tiene
de nuevo una gran institución de ballet
independiente: El Ballet Estatal de
Berlín. Esta nueva compañía de ballet
emana de la Stiftung Oper de Berlín,
fundación creada por el Estado de Berlín
con el propósito de modernizar las
estructuras de las tres casas de ópera
estatales de la ciudad, y construir un
espacio para el desarrollo artístico y
creativo. Siguiendo esta idea, las compa
ñías de ballet de las tres antiguas casas de
ópera se unieron en una sola institución:
el Staatsballet Berlin.
Desde entones, el Ballet Estatal de Berlín
ha transformado su emblemático
nombre en un ambicioso proposito:
proclamar Berlín como el centro
europeo de la danza, e irradiar hacia el
resto del mundo desde la citada capital
alemana, el ballet como manifestación
cultural y artística de primer orden. A su
Director Artístico, Vladimir Malakhov,
uno de los más famosos y reconocidos
artistas del mundo de la danza, se le ha
confiado un rico legado que se enraiza
en la propia historia de la danza en
Berlín, como signo de una identidad
ballet en Berlín tue fundada en 1794 por
Federico el Grande para su ópera de
corte. El tercer rey de Prusia, conocido
como el rey filósofo, contrató a grandes
artistas internacionales y nombró coreó
grafo a Étienne Lauchery, a quien
solicitó que crease obras de larga
duración. Berlín no tardó mucho en
convertirse en uno de los centros de la
danza en el mundo germano parlante.
Obras clave de la historia del ballet
fueron puestas en escena durante la
época Biedermeier. Hasta el final de la
Primera Guerra Mundial la compañía
contaba con 140 bailarines. Un publico
de ballet entusiasta pudo ver bailar a la
familia Taglioni, Fanny Elfier, Isadora
Duncan o Anna Pavlova. La danza
institucionalizada asimilo corrientes de
la danza libre alemana, cultivó el ballet
clásico y se abrió a estilos y personali
dades internacionales.
Con Vladimir Malakhov como Director
Artístico, la política futura de la compa
ñía está claramente definida: como
trente de una compañía clásica bien
entrenada, formada por 88 bailarines y
dos aprendices, y que hace del Ballet
Estatal de Berlín la compañía de ballet
Vladimir Malakhov es crear una
compañía distintiva con los ya
excelentemente educados bailarines con
que cuenta y formar y hacer mas fuerte el
espíritu de dicho equipo de profesionales.
El énfasis del repertorio del Ballet
Estatal de Berlín es, primeramente, el
repertorio clásico, que a su vez es
complementado con obras neoclásicas.
Para que el estilo individual de la
compañía evolucione, los responsables
del Staatsballet Berlin no solo se han
fijado trabajar con célebres coreógrafos
contemporáneos, sino que han poten
ciado la posibilidad de que miembros de
la compañía con ambiciones coreográfi
cas, disfruten de una plataforma experi
mental en el Magazing.-
Staatsoper. El Ballet Estatal de Berlín ha
estrenado sus obras sobre los escenarios
de la ciudad que considera su casa: los
espacios escénicos han seguido siendo
hasta la fecha la Deutsche Oper y la
Staatsoper Unter den Linden, y en
menor medida, la Komische Oper.
V
i
EL TÚNEL
LO OSCURO DEL ALMA
Héctor Alteno regresa al Cuyas para interpretar la encrucijada vital y la complicada
personalidad del protagonista de una de las novelas más significativas de Sábato
Quienes hace unos meses aplaudieron a
Héctor Alterio debatiéndose en la historia y
los dilemas del emperador Claudio, no
dejarán de acudir ahora para verle enfren
tarse a la confesión desganada del pintor,
Juan Pablo Castel, recluido por el asesinato
de la única mujer que había llegado a
comprenderle. Daniel Veronese, uno de los
directores y creadores más destacados del
nuevo teatro argentino, firma la dirección de
¡a acertada adaptación escénica de Diego
Curatella de la novela escrita por Ernesto
Sábato en 1948, El túnel, una historia que
Albert Camus admiro por su dureza e
intensidad, y que nos entrega tras su pertur
badora trama, los elementos básicos de la
visión metafísica de Sábalo sobre la existen
cia humana. 1.a citada novela, que ha sido en
tres ocasiones llevada al cine por los directo
res León Klimovsky, lose Luis Cuerda y
Antonio Drove, puede ser considerado un
relato sobre la paranoia, sobre la incomuni
cación y sobre la conversión del amor en
odio.
Esta versión teatral, que interpretan en sus
papeles principales los actores Héctor
Alterio (luán Pablo Castel) y Rosa Manteiga
(María Iribarne), y a los que acompañan
Paco Casares (Allende llunter) y Pilar
Bavona ÍMimi Allende), también esta
plagada de subjetividades, como señala el
propio Veronese: a través del teatro tenemos
la posibilidad de reflejar el pasado desde un
presente escénico concreto en donde los
actores son impulsados a llevar adelante la
tragedia que representa El túnel. Veronese,
recuerda la dificultad que supone llevar al
escenario una novela tan compleja como El
túnel, indicando que literatura y teatro son
mundos distintos y nosotros no hemos
querido repetir un discurso literario en
escena, sino hacer teatro, buscando la esencia
teatral del texto original, ¡le modo que se ha
descartado la idea del monólogo para
introducir escenas en las que los personajes
del rehilo de Castel cobran corporeidad.
Daniel veronese, que fue uno de los funda
dores de la célebre compañía argentina El
Periférico de Objetos, recientemente dirigió
en Argentina El Método Gró'nholm, de Jordi
Galcerán. Su voluntad dentro del teatro es la
de encontrarse con zonas sin explorar, con
miradas desconocidas. El teatro es el lugar
donde deben producirse esos encuentros. )' la
gente ilebe salir modificada. Un lugar que no
tiene representatividad en la vida cotidiana.
Cada función debería plantear una puerta
abierta a una nueva experiencia. Y eso es lo
que ha pretendido en esta nueva produc
ción. Para el director argentino su técnica
consiste en mirar el espacio, los actores,
el tema. Y dentro de ese entrecruce
de fuerzas pedir, elegir, seleccionar, abortar,
añadir. La cabeza del director funciona como
una gran máquina de coser delicadamente
hombres y sucesos.
El túnel habla de lo personal, de nuestra
esencia, de lo humano. Sábato articula su
novela a modo de radiografía que resalta
aquello que lo externo oculta. Tal vez por
ello es que el relato se estructura a partir de
la narración que el pintor Juan Pablo Castel
realiza en primera persona, con su confesión
responsabilizándose de la muerte de su
mujer, María Iribarne. Castel habla acerca
de lo que piensa de los hombres. Cree que
todos, aunque traten de ser modestos,
actúan por vanidad. A él no le interesa lo
que piense la gente; él se decide a escribir la
historia de su crimen con la esperanza de
que al menos una persona pueda compren
der sus razones. Se queja de que nadie lo
entiende y que la única persona que podría
llegar a hacerlo fue la mujer a la que mató.
Dura y directa forma tiene El túnel de
remitirnos a la propia experiencia, esa de la
irracionalidad momentánea que ha
desencadenado la peor de nuestras reaccio
nes posibles, para la que el arrepentimiento
Frente a la novela original de Sábato en la
que la historia sucede en tiempo real, en esta
adaptación teatral que dirige Yeronese,
Alterio narra los recuerdos de Castel y,
mientras, éstos van escenificándose por el
resto de los actores. El espacio y el tiempo
del dramaturgo, por lo tanto, se desdoblan
en una obra que resulta arriesgada, por
encontrarse abierta a muchas interpretacio
nes. Y es que, al tratarse de la adaptación de
una novela muy conocida, las comparacio
nes son casi siempre recurrentes y fáciles.
Héctor Alterio define a Castel como un
personaje conjlictivo, neurótico, rayando en
la locura, cuyas sensaciones ¡as transmite al
límite. Yo como ser humano me siento
reflejado en sus actitudes y situaciones. Mi
personaje tiene unas características atracti
vas para cualquier actor y a la par son la
mínima expresión del carácter de Ernesto
Sábato, impresas en la puesta en escena, lo
cual provoca humor a veces, y la hace
entretenida.
T
LA ATRACTIVA
TRAMPA DE UNA
GENIAL NOVELA
DANIEL VERONESE
E! arte se injerta fatalmente en esas zonas en
dónde no siempre habitan la piedad, la
compasión o la lástima. De todas formas para
llegar a ser un verdadero artista, para lograr
que la obra incluso trascienda su propia
voluntad, el creador deberá sumergir su
cabeza en la problemática que sutre. Aceptar y
ahondar la grieta y a riesgo de ser condenado
exponerse en la escena cada noche. No hay
otra salida para las circunstancias trágicas.
Este es el caso que nos lleva a presenciar esta
historia: Un pintor, recluido por el asesinato
de la única mujer que había llegado a
comprenderlo, rememora la cadena de
acontecimientos que lo llevaron a perder el
control de su vida. Toda persona que haya
amado alguna vez seguramente se ha
asomado -o al menos ha tenido posibilidad
de asomarse- al mundo que recrea este
personaje. Esta es la atractiva trampa de la
genial novela de Ernesto Sábato.
En este relato plagado de subjetividades el
artista Castel nos abre su cabeza para que
nos asomemos dentro. La dramática
problemática del personaje se nos acerca y
se nos aleja como un misterioso oleaje
amenazándonos con ahogarnos por el solo
hecho de conocer los sucesos. Y es esta
situación privilegiada de conocer a personajes
y sucesos a través de la experiencia del
propio narrador homicida lo que enfatiza
su condición dramática.
De la misma forma que en la novela de
Ernesto Sábato, quizás nunca conozcamos
con certeza la veracidad de esos hechos.
Aquí estamos obligados a compartir junto a
Castel un oscuro túnel donde su pedido de
comprensión y, por qué no, de perdón
nunca va a abandonarnos. El autor nos dice
los seres humanos no pueden representar
nunca las angustias metafísicas al estado de
puras ideas, sino que lo hacen encarnándo
las. Es entonces a través del teatro que
tenemos la posibilidad de reflejar el pasado
desde un presente escénico concreto en
dónde los actores son impulsados a llevar
adelante la tragedia. Castel, como ejecutor
del acto del crimen, intenta con vehemen
cia dejar un profundo testimonio de este
trance. Pero también es la intención de
explicar las causas lo que lo condena inexo
rablemente a convertirse en un hombre
oscuro. Y quizá en ese último acto de su
compleja crisis se halle sintetizado lo inexohombre
pretenden conocer como la verdad.
1
■£«■
■wv.m
Si*
SÁBATO,
HOMBRE Y ESCRITOR
fenómeno niuv
particular a nivel humano y literario.
Formado desde muyjoven en el ámbito de las
Ciencias Duras (la Matemática y la Física) ha
estado signado por una constante búsqueda y
revisión crítica de su propia postura política
y de vida, revisión que marcó el profundo y
haya sido invitado a disertar en Universi
dades de América y Europa. Más aún, el
público que lo sigue está formado princi
palmente por jóvenes. Quizás la razón de
este seguimiento se encuentre en el testimoha
defendido ferozmente, más allá de
partidismos y posturas políticas, valores
éticos como la dignidad del hombre, la
libertad de expresión, la democracia. No ha
pertenecido ni pertenece a escuela estética o
literaria alguna. Se ha mantenido ajeno a
todo tipo de afiliaciones artísticas. Puede
resultar sorprendente, entonces, que Ernesto
Sábato congregue a un público amplio y
fervoroso en la Argentina, que sus obras
estén traducidas a casi veinte idiomas y que
respuestas a los interrogantes sobre la vida,
la muerte, la soledad y la esperanza,
sobre la angustia y la
desesperación, sobre todos aquellos
interrogantes que acompañan a la vida
zar su angustia, sus interrogantes. Escribe para
continuar vivo, para no morir.
En el Arte, particularmente en la Literatura, ha
encontrado un espacio de expresión y de
denuncia de lo que considera la escisión del
hombre contemporáneo. Así mismo, su
Hombre y escritor constituyen una unidad
indisoluble en Sábato. En innumerables ocasio
nes, sobre todo en reportajes, ha aclarado su no
filiación a la categoría de "literato", hombre de
letras. Se identifica como un hombre que ha
encontrado en la escritura una vía para canali -
críticos y detractores. Esta conjunción de
Literatura y vida está presente en sus textos,
entre los que se encuentran novelas, ensayos,
numerosísimos artículos, entrevistas y memo
rias. Día a día, en ámbitos diversos y hasta
opuestos, la obra de Sábato sigue siendo
discutida, analizada, confrontada. Es que
Sábato integra en la actualidad, sin duda
alguna, esa posmodernidad americana que,
lejos de ser deconstructiva es instauradora de
sentidos.
.----■-.---.
"Fue una espera interminable. No sé cuanto
tiempo pasó en los relojes, de ese tiempo
anónimo y universal de los relojes, que es
ajeno a nuestros sentimientos, a nuestros
destinos, a la formación o al derrumbe de un
amor, a la espera de una muerte. Pero de mi
propio tiempo fue una cantidad inmensa y
complicada, lleno de cosas y vueltas atrás, un
río oscuro y tumultuoso a veces, y a veces
extrañamente calmo y casi mar inmóvil y
perpetuo donde María y yo estábamos frente
a frente contemplándonos estáticamente, y
otras veces volvía a ser río y nos arrastraba
como en un sueño a tiempos de infancia y yo
la veía correr desenfrenadamente en su
caballo, con los cabellos al viento y los ojos
alucinados, y yo me veía en mi pueblo del sur,
en mi pieza de enfermo, con la cara pegada al
vidrio de la ventana, mirando la nieve con
ojos también alucinados.
A veces volvía a ser piedra negra y entonces yo
no sabía qué pasaba del otro lado, qué era de
ella en esos intervalos anónimos, qué extraños
sucesos acontecían; y hasta pensaba que en
esos momentos su rostro cambiaba y que una
mueca de burla lo deformaba y que quizá
había risas cruzadas con otro y que toda la
historia de los pasadizos era una ridicula
invención o creencia mía y que en todo caso
había un solo túnel, oscuro y solitario: el mío,
el túnel en que había transcurrido mi
infancia, mi juventud, toda mi vida. Y en uno
de esos trozos transparentes del muro de
piedra yo había visto a esta muchacha y había
creído ingenuamente que venía por otro túnel
paralelo al mío, cuando en realidad
pertenecía al ancho mundo, al mundo sin
límites de los que no viven en túneles; y quizá
extrañas ventanas y había entrevisto el
espectáculo de mi insalvable soledad.
Yo no decía nada. Hermosos sentimientos y
sombrías ideas daban vueltas en mi cabeza,
mientras oía su voz, su maravillosa voz. Fui
cayendo en una especie de encantamiento. La
caída del sol iba encendiendo una fundición
gigantesca entre las nubes del poniente. Sentí
que ese momento mágico no se volvería a
repetir nunca. -Nunca más, nunca máspensé,
mientras empecé a experimentar el
vértigo del acantilado y a pensar qué fácil
sería arrastrarla al abismo, conmigo".
054)6
SOFÁ PARA DOS
de Marc Camoletti
PRODUCCIONES DEL MAR
Dirección: Severiano García
PRECIOS EN € INICIAL BONO 10
PATIO DE BUTACAS 18 16
1er. ANFITEATRO BAJO 15 13.50
1er. ANFITEATRO ALTO 13 12
2do. ANFITEATRO 11 10
TARJETA 20
15
12
11
9
MAYO
DÍAS: 25 [20
26(20
27(19
28(20
TARJETA 30 TARJETA 50
13
11
9
8
9
7.50
6.50
5.50
2006
.30h.]
.30h.)
.OOh.)
.30h.)
LA CENA
de Claude Brisville
con Carmelo Gómez y Josep María
Dirección: Josep María Flotats
Premio Max 2005 al mejor director
Flotats
de escena
PRECIOSENC INICIAL BONO10 TARJETA20 TARJETA30
PATIO DE BUTACAS 18 16 15
1er. ANFITEATRO BAJO 15 13.50 12
1er. ANFITEATRO ALTO 13 12 11
2do. ANFITEATRO 11 10 9
13
11
9
8
JUNIO 2006
DÍAS: 23(20.30h.)
24(20.30h.)
25(20.30h.)
TARJETA 50
9
7.50
6.50
5.50
Solistas del Ballet de la Ópera de Berlín
STAATSBALLET BERLÍN
Director artístico: Vladimir Malakhov
JUNIO-JULIO 2006
DÍAS: 30 (20.30h.|
1 (20.30h.)
2(20.30h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
ÚNICO SIN DESCUENTOS
36
30
25
20
EL TÚNEL
de Ernesto Sábato
con Héctor Alterio
Dirección: Daniel Veronese
PRECIOS EN € INICIAL
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO 15
1er. ANFITEATRO ALTO 13
2do. ANFITEATRO 11
BONO 10
16
13.50
12
10
TARJETA 20
15
12
11
9
TARJETA 30
13
11
9
8
JULIO
DÍAS: 7 (20
8(20
9(20
TARJETA 50
9
7.50
6.50
5.50
2006
30h.)
.30h.)
.30h.)
LA PAGINA DEL CUYAS
TARJETAS DEL TEATRO
10 20 3° 5°
Si usted compra simultáneamente tres
entradas para tres espectáculos diferentes,
se le aplicará el BONO 10, por lo que se
beneficiará de un descuento del 10%. El
Bono 10 se podrá renovar cada vez que
se compren simultáneamente entradas
para otros tres espectáculos diferentes.
Para ser titular de la TARJETA 20 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 20% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá
adquirir posteriormente entradas con el
mismo tipo de descuento a lo largo de la
temporada vigente. Disfrutará además de
un período prioritario de compra que será
anunciado convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 30 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de ocho entradas para diez
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 30% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá adquirir
posteriormente entradas con el mismo tipo
de descuento a lo largo de la temporada
vigente. Disfrutará además de un período
prioritario de compra que será anunciado
convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 50 es necesario
acreditar que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 arios y que sus ingresos
mensuales no son superiores al salario
mínimo interprofesional.
La TARJETA 50 supone un descuento
aproximado del 50% sobre la tarifa inicial.
CONDICIONES DE USO
Tienen carácter personal e intransferible. Su vigencia es anual (de temporada en temporada). Deberán mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a estos
descuentos. Los descuentos serán aplicados en el momento de efectuarse la compra. En ningún caso después de haberse emitido la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
OTROS DESCUENTOS
CARNE JOVEN EURO 26
Presentando el carné joven Euro 26 junto
con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
MENORES DEUANOS
Presentando el DNI o el libro de familia,
podrá adquirir automáticamente la
tarjeta 30.
CARNE UNIVERSITARIO
Presentando el Carné de Estudiante
Universitario de la ULPGC, junto con
el DNI, podrá adquirir automáticamente
la tarjeta 30.
DESEMPLEADOS
Presentando la tarjeta de desempleo de
la ACE junto con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 50.
PENSIONSITAS 0 JUBILADOS,
MAYORES DE 65 AÑOS
Acreditando que es jubilado o pensionista
mayor de 65 años, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
Para beneficiarse de estos descuentos ,
tanto a la hora de adquirir localidades
como para acceder a la sala, deberá
presentar los documentos pertinentes.
PRECIOS DE GRUPOS
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas.
DISCAPACITADOS EN SILLA DE
RUEDAS
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento
aproximado del 40% sobre el precio de
la localidad de patio de butacas.
VENTA DE LOCALIDADES
HORARIO DE TAQUILLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 920 432101
Oficinas: 928 432100
Venta telefónica de entradas
902 405 504
Los días de espectáculo la taquilla
permanecerá abierta hasta la hora
de comienzo del mismo.
Una hora antes del inicio de
cada función no habrá venta
anticipada.
Los días de función, a partir de las
18:30, no se expedirán tarjetas del
teatro.
Sólo se aplicarán descuentos a tarjetas
que hayan sido actualizadas.
■ En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
■ No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
■ El Teatro no garantiza la autenticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
localidades por persona y espectáculo.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
modificar el aforo en virtud del tipo de
espectáculo programado.
■ Las entradas de foso (filas Ay B) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
sin la anticipación del resto de localidades,
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
■ Las localidades del Teatro Cuyas están
subvencionadas por el Cabildo de Gran
Canaria. Ninguna reventa de las mismas
está autorizada por el Teatro.
■ Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD. ■ En atención a los artistas y al público,
Una vez comenzada la representación, y se ruega eviten cualquier tipo de ruido
en función de sus características, el Teatro durante la representación, tanto en el
se reserva la posibilidad de retrasar o interior de la sala como en los vestíbulos,
prohibir la entrada en la sala. pasillos y escaleras.
■ Se prohibe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
■ No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
■ Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
■ Se prohibe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso.
■ Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
■ En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
■ El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
butacas.
■ Existen hojas de reclamaciones a
disposición de los espectadores.
VENTA ONUNE
www.generaltickets.com/lacajadecanarias
www.teatrocuyas.com
Deseamos que nuestra dirección electrónica info(ateatrocuyas.com se convierta en un instrumento en el que queden reflejadas cuantas sugerencias y comentarios
desee formular a este teatro. No dude en transmitirnos sus inquietudes sobre nuestra programación, servicios, modalidades de tarjetas, sistema de venta de
localidades, etcétera. Esperamos su colaboración.
Por medio del presente boletín de suscripción, autorizo el envío de cualquier tipo de información de tas actividades del Teatro Cuyas así como la revista La Luna del
Cuyas. Asimismo, en cualquier momento podré solicitar la modificación de los datos o la baja de la suscripción mediante solicitud debidamente firmada.
El Teatro Cuyas se compromete a la utilización de los datos personales con los únicos fines expresados en el presente documento, en cumplimiento de la L.O. 15/1999,
de 13 de diciembre, de Protección de Datos de Carácter Personal.
PRIMER APELLIDO:
PROFESIÓN:
POBLACIÓN:
TELÉFONO:
SEGUNDO APELLIDO:
DIRECCIÓN:
C.P.:
MÓVIL:
NOMBRE:
DNI:
E-MAIL:
FIRMA:
www.teatrocuyas.com
TEMPORADA
2006/2007
UN ESCENARIO
DE SENSACIONES
EDWARD ALBEE
JOSEPMaPOU
QUERIDO NÉSTOR II
FRANZ KAFKA
LA FURA DELS BAUS
JOSÉ LUIS GÓMEZ
EL MIKADO
TEATRO DE LA ABADÍA
LA DUDA
ÁLEX RIGOLA
LA CABRA
EL MÉTODOGRONHOLM
ELSJOGLARS
DAGOLL DAGOM
MARÍA PAGÉS
CABARET
COMPAÑÍA NACIONAL
DE TEATRO CLÁSICO
EL ALCALDE DE ZALAMEA
EL FLORIDO PENSIL
AY CARMELA
VERÓNICA FORQUÉ
2RC PRODUCCIONES
LARGO VIAJE
HACIA LA NOCHE
ALBERTBOADELLA
PLAYSTRINDBERG
NURIA ESPERT
ZALAKADULA
LLUIS HOMAR
EDUARDO VASCO
LA CASA
DE BERNARDA ALBA
TANTTAKA TEATROA
NATI MISTRAL
CYRANO DE BERGERAC
FEDERICO GARCÍA LORCA
MIGUEL NARROS
EDMOND ROSTAND
BENITO PÉREZ GALDÓS
V