N°21
Diciembre 2005 - Enero 200
¥
SOBRE HORAtlOS
^QJRIACIOS
El montaje del ano llega al Teatro Cuyas
MARÍA PAGES
Renovadoras y aperturistas
fusiones flamencas
LA EXTRAÑA PAREJA
Joaquín Kremel y Pedro Osinaga
deciden vivir juntos
EL LAGO DE LOS CISNES
El Ballet Estatal de Perm revisa la
imperecedera obra de Tchaikovsky
CUENTOS DE GALDOS
Profetas de Mueble Bar
y la narrativa
del canario universal
PAPARRUCHAS PARK
Otra Navidad con Zalakadula
SALOMÉ
Miguel Narros dirige el clásico de
Wilde a ritmo de hip-hop
COMPAÑÍA NACIONAL
DE DANZA
El Ímpetu de Nacho Duato
SOL PICÓ
Provocadora danza que rastrea
las fronteras femeninas
A RAS DE SUELO
Otras experiencias
del movimiento
Cabildo de
Gran Canaria
CULTURA
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La Luna del Cuyas
Edita Teatro Cuyas
Calle Viera y Clavijo s/n
35002 Las Palmas de Gran Canana
Tel 928 43 21 80 Fax 928 43 21 82
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CULTURA
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SUMARIO
04
EL PERRO ANDALUZ/FLAMENCO REPUBLIC
La bailaora María Pagés abre nuevos
caminos para el futuro de la danza flamenca
06
SOBRE HORACIOS Y CURIACIOS
La Abadía recluta a un ejército de clowns
para interpretar la guerra según Brecht
07
HERNÁN GENE
Habla de sus clowns de cabecera
09
LA EXTRAÑA PAREJA
Una comedia a la medida de
Joaquín Kremely Pedro Osinaga
11
EL LAGO DE LOS CISNES
El Ballet Estatal de Perm fascina con el
clásico más célebre del repertorio mundial
U
CUENTOS DE GALDÓS
Profetas de Mueble Bar muestra a los más
pequeños la magia que se esconde
tras las palabras del novelista
16
PAPARRUCHAS PARK
Un canto Zalakadula; un musical para la Navidad;
un espectáculo para toda la familia
18
SALOMÉ
María Adánez, Millán Salcedo y Elisa Matilla
encabezan la moderna revisión
que Miguel Narros realiza de la obra de Wilde
22
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Nacho Duato presenta las tres coreografías
Castrati, Prototype hiero y Por vos muero
25
LA MUJER MANCA 0 BARBISUPERESTAR
Sol Picó y su visceral universo femenino
al descubierto en un espectáculo
premiado con el Max al mejor montaje
de danza y a la mejor coreografía en 2004
28
A RAS DE SUELO
Los creadores catalanes Beatriz Fernández
y Sergi Faustino presentan dos solos
de danza en el patio del Cuyas
30
HORARIOS Y PRECIOS
31
LA PÁGINA DEL CUYAS
32
AVANCE DE PROGRAMACIÓN
EL PERRO ANDALUZ/FLAMENCO REPUBLIC
María Pagés. la plenitud del flamenco
I .1 ( ompañía de la bailaora sevillana presenta un repertorio que apela a la
evolución del baile español, en el que se mezcla a Tom Waits con Camarón
»( uyas dos de Lis
ih's l'illow .le
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FLAMENCO PERMEABLE
El universo complejo de Pagés es un mundo
de contrastes donde el compás hace trente al
latido del corazón a través de la alegría, la
tristeza, el rigor, la elegancia, la nostalgia y la
ironía. María Pagés comenzó su carrera
profesional con la compañía de Antonio
Gades, interviniendo en Carmen y Bodas de
Sangre. Ella ha sido la primera bailarina de
En 1990 fundó la Compañía María Pagés,
debutando en Sevilla con el espectáculo Sol
y Sombra. Desde 1995 encabeza como
cía el cariel de
Riverdance. 'Ihe Show, obra representada en
sus colaboraciones cinematográficas destaca
la participación en Carinen, El Amor Brujo y
Flamenco de Carlos Saura, así como en l.a
Bella Otero y Hemingway, Fiesta y Muerte,
girado por Alemania, Estados Unidos,
Japón, Francia, ('bina, Italia y, reciente
mente, Israel.
Con el lenguaje flamenco como único
código, investiga dentro y fuera de este
arte capaz de superar diferencias, pues
cree María Pagés que la necesidad social
de comunicación genera permeabilidad
en la cultura. Para la bailaora el ¡himeneo
es uno ile los claros ejemplos de que la
unión de culturas, de religiones... es capaz
de crear un himno común. Nosotros podemos
decir que en el flamenco, a pesar de que
dentro existan diferencias, payos y gitanos
compartimos una cosa y creamos una cosa. Y
es nuestro eco y es nuestra estética. Están los
árabes, están los judíos y están tantas culturas
que han pasado por Andalucía... Y lodo eso,
puesto en común, es capaz de crear un
lenguaje. Es verdad que el flamenco es uno de
los claros ejemplos de que la unión de
culturas, de razas o de religiones puede crear
algo en común que compartir.
El único lenguaje que tengo es el flamenco, no
es que juegue con distintos lenguajes. El único
lenguaje común, el que quizás me hace ser
seria, es el flamenco, confiesa la artista
sevillana. Luego se traía de que, como
cualquier lenguaje, pueda rodearse,
enriquecerse, contagiarse, dejarse influir, de
otras arles, de otras culturas... Pero, en
realidad, mi lenguaje de expresión es siempre
el mismo, soy muy fiel. No hay mas vuelta de
hoja ¡¡lie el baile flamenco. Yo no creo que
haya ¡¡miles. El arle encierra en si mismo la
expresión no límites. No existe un arle con
límites, siempre que ese trabajo esté tratado
seriamente, honestamente y con
conocimiento, es decir, ése es el único límite
no ¡iteran Iralh
forma seria v tic ¡orina li
intención que
EL CAUDAL INAGOTABLE DEL RÍO FLAMENCO
Del balbuceo de las lenguas, al universo de Shakespeare; del monotipo de la caverna, a la
prodiga riqueza de Picasso; del grito gutural, a los prodigiosos refinamientos de Mozart; de
las venus calipigias, a la ingravidez de Giacometti... En el paisaje del arte todo Huye, lodo
cambia, nadie se baña dos veces en el mismo río heraclitano, aunque el río siga siendo río.
Sólo el flamenco -en opinión de sus carceleros, los puristas se remite una y otra vez a las
fuentes, cegándole así todos los caminos. Pero ahí llega María Pagés: hinca los tacones en la
tradición, alza los brazos, convoca en escena a la libertad, al mestizaje y al humor, y una luz
deslumbrante saca de las tinieblas el caudal fresco e inagotable del río flamenco.
Rafael Azcona
06
SOBRE HORACIOS Y CURÍANOS
La guerra según Bertolt Brecht
Teatro de La Abadía presenta una transgresora versión de la obra
homónima del autor alemán, que reflexiona sobre la impotencia del hombre
ante los horrores de las contiendas bélicas
Las producciones que el Teatro de La Abadía
ha acometido en sus diez años de existencia,
han dado cuenta del compromiso de esta
peculiar factoría teatral con las complejas
incertidumbres del espíritu del hombre, con
el teatro de texto y las propuestas escénicas
innovadoras. El montaje que dirige el
maestro argentino de la técnica de clown
Hernán Gene, Sobre Horacios y Curiados, es
una dinámica, humorística y transgresora
propuesta sobre la obra escrita en 1934 por
Bertolt Brecht, en la que la compañía que
dirige José Luis Gómez reflexiona acerca de
la impotencia del hombre común ante los
horrores de la guerra.
En la mencionada producción, el último
ejemplo de ese lúcido compromiso con la
celebración de la verdad y el teatro indepen
diente (reconocido unánimemente en la
edición 2005 de los Premios Max con el
galardón al Mejor Espectáculo de Teatro),
La Abadía llena el escenario de un auténtico
ejército de downs, que se enfrentará con
sus narices, guantes e instrumentos
musicales a la barbarie, la sinrazón y la
violencia desde la más absoluta inocencia e
impunidad. Si para Brecht el teatro tiene que
comprometerse con la realidad, una máxima
asumida en todos los montajes del Teatro de
La Abadía, en la obra Sobre Horacios y Curia
dos se reafirma con el placer inteligente y la
entusiasta capacidad de provocación de los
clowns. Sin duda, un eficaz método para
conjurar el miedo, para preguntarnos sobre
nuestro lugar en el mundo, haciendo valer la
vida.
Los Horacios y los Curiados es la segunda
pieza de Brecht inspirada en la lucha contra
el nazismo. Perteneciente a la serie de piezas
didácticas (Lehrstücke), no se propone sólo
como una alusión a los peligros del
imperialismo de la Alemania nazi, sino
también un intento de revelar al público, a
través de una historia conocida, los mecanis
mos de la guerra en general. En el montaje
de La Abadía un grupo de actores clowns
intenta desesperadamente representar el
espectáculo de Brecht, pero les resulta
imposible ante la realidad imperante y la
fuerza de la guerra. Entre las risas y los
golpes de humor, los clowns nos muestran
nuestro presente a través de un juego
metateatral en el que no falta la reflexión.
Mientras el tiroteo y las bombas se suceden,
¿qué solución puede existir ante un conflicto
tan cruel como incomprensible? La batalla
real avanza y está cada vez más cerca, en
contraste con las fantasías de los clowns, que
van cada vez más lejos, lo más lejos posible
de una realidad imposible de transformar.
Luis Bermejo (Amaro), Julio Cortázar
(Uno), David Luque (Aurelio), Markos
Marín (Mórtimer), Daniel Moreno
(Alcestes) y Fernando Soto (Ferdinando),
son los seis actores que dan vida a la trouppe
de clowns de esta acida e irónica parodia
sobre la guerra adaptada también por
Hernán Gene. El espectáculo se inicia con
una orquestina que interpreta la Canción de
los cañones, de la Ópera de cuatro cuartos, y
se desarrolla entre ingenuos y caóticos
combates entre los Horacios y los Curiacios,
la reiterada utilización de temas de los
Beatles y Kurt Weill, cortinillas y sonidos de
corte publicitario, y un sinfín de delirantes
sketches en los que no faltan guiños al
público. El instinto, la sorpresa, la indefen
sión, el horror envuelto en ternura, se
muestran descarnadamente sobre la arena
del circo en el que tiene lugar la acción. Sobre
Horacios y Curiacios no tiene desenlace. Los
seis clowns declaran la guerra para conseguir
la paz. Una misión imposible que nos hace
confrontarnos, a través de la sonrisa y la
carcajada, con nuestras miserias y alegrías.
El texto de Brecht encierra una moraleja: aún
en inferioridad de condiciones, quien resiste
acaba ganando si consigue oponer su punto
fuerte al punto débil del otro. El dramaturgo
alemán concibió la pieza como un
muestrario de lo que significa el drama de la
guerra, enseñando al público las causas
ocultas de las contiendas bélicas, los motivos
reales que están tras las bambalinas y todo lo
que aparece después del inicio de las hostili
dades.
ENTREVISTA
HERNÁN GENE
RECLUTO CLOWNS PARA DEFENDER LA DIGNIDAD DEL SER HUMANO
El actor, director, dramaturgo, pedagogo y
productor argentino Hernán Gene, asegura
que Sobre Horacios y Curiados es una obra
poco conocida en España, aunque ya fuera
interpretada en la década de los setenta. Eso
alentó a Gene a trabajar con La Abadía sobre
las claves del conflicto simple que desarrolla
el texto de Brecht: un pueblo es invadido por
otro y esa circunstancia provoca una guerra.
La guerra es un tema candente que ha
acompañado al hombre a lo largo de toda su
existencia y todo su trasiego por la historia.
Da vueltas alrededor nuestro en cada
momento, y cuando nosotros propusimos esta
producción estaba muy reciente la invasión
americana de Irak. El clown es el espejo de las
personas comunes, de a pie. Y lo que sucede a
los actores mientras representan el espectáculo
es lo que vive el público desde su butaca: la
sensación de perplejidad y de impotencia que
se despierta ante la barbarie y la sinrazón de
los gobiernos que invaden pueblos soberanos.
Si hay ejércitos que arrasan naciones y pueblos
en nombre del nuevo orden mundial, nosotros
construiremos nuestro propio ejército para
defendernos: un ejército de clowns. Puede
decirse que recluto clowns para defender la
divinidad humana a través de este maravilloso
texto de Brecht.
Si tuviera que definir Sobre Horacios y Curia
dos, Gene lo haría con una frase: Una obra
que hay que ir a ver. Que depende del espíritu
con el que el espectador la reciba... para
algunos será divertida, para otros será angus
tiante, reflexiva o frivola. Alguien nos ha
dicho que nunca había visto un Brecht tan
bien producido.
Para Gene, que actualmente desarrolla una
labor pedagógica en la Escuela Municipal
de Circo de Alcorcón y en la Escuela de
Circo Carampa, de la que además es su
director artístico, que se aborde en clave de
humor un tema doloroso como lo es la
guerra, no necesariamente impide al público
una reflexión sosegada sobre la violencia. El
espectador asume lo terrible que hay detrás
de esa risa. Al mismo tiempo puede sentirse
relajado como conmovido por los sentimien
tos que se exponen en la acción dramática de
la obra. Gene confiesa que siempre vuelve al
clown porque encuentra en él muchas
resonancias internas y cercanas. Es un tipo
de teatro muy humano y sensible,
recomendable para cualquier actor. Quien
desee dedicarse al clown como profesional
tiene que saber que el nivel de exigencia es
muy grande. Debes tener conocimientos
técnicos de acrobacia, malabares, mimo,
baile, canción... Un clown es un actor
integral muy preparado y de una formación
muy completa.
Hernán Gene comenta que sus clowns de
cabecera han sido Buster Keaton, Chaplin,
Harold Lloyd, los Hermanos Marx, Laurel y
Hardy, Woody Alien y Jerry Lewis. Reside
en España desde hace nueve años, en donde
ha escrito, dirigido y montado algunos
espectáculos entre los que destacan Hamlet
¿eres o te apetece?, Algodoau, Odiosos dioses,
Con una sola mano, La sombra negra o My one
and only love.
Que un teatro de la envergadura de La Abadía
se arriesgue con una producción de estas
características me parece meritorio, porque los
espectáculos de clown lamentablemente
siempre han ingresado en circuitos escénicos
marginales. La Abadía es un teatro de referen
cia en España. Tiene un sello particular que
permite a cualquier espectador comprometerse
con su programación porque es sinónimo de
calidad. Es muy difícil programar en una sala
todo el año y mantener un nivel digno como
hace esta entidad que dirige José Luis Gómez.
-*W^5-
08
¿ES LÍCITO TOMAR EL ARTE COMO
UN NARCÓTICO ANTI-REALIDAD?
HERNÁN GENE/Director
Mientras decidíamos montar el espectá
culo Sobre Horacios y Curiados, a
comienzos del verano de 2003, los
periódicos y noticiarios nos ahogaban en
la barbarie: Corea del Norte, el ejército
israelí, Hamas, EE.UU, Sadam Hussein...
El día que comenzamos los ensayos, casi
en primavera de 2004..., ya sabes. ¿Qué
podíamos hacer? No es éste un interro
gante nuevo, pero a pesar de ello nos
sorprendía como una revelación. ¿Qué
podíamos decir que no estuviera dicho?
¿Acaso tú, querido/a espectador/a, no
conoces ya, y de sobra, lo que intentamos
decir? ¿Tienes necesidad de oírlo nueva
mente?
Los clowns, seres anónimos y esperanza
dos, se ven de buenas a primeras vapulea
dos por la realidad que los circunda y
amenaza de manera ominosa. Resignarse a
que no pueden hacer nada es morir en
vida, pero ante tamaño enemigo no hay
fuerza ni razón para combatir. ¿Qué es,
entonces, lo que está en sus manos? ¿Hacer
reír, hacer olvidar un poco tanto dolor?
¿Será esto suficiente? ¿Es lícito tomar el
arte como un narcótico anti-realidad? ¿No
es esto evasión? Evadirse o morir, ¿es ésta
la consigna? ¡No tenemos respuestas!
Estamos llenos de preguntas, los clowns. Y
así, nuestra pregunta cobró su propia vida,
tomó su rumbo y nosotros sólo
pudimos aceptar lo que ella nos pedía,
intentando no poner trabas a lo que surgía
y dejarlo vivir.
El equipo del Teatro de La Abadía creyó en
este proyecto y lo apoyó, y debes saber,
querido/a espectador/a, que este espectá
culo nació de un gesto de amor, como una
manera de dar antes que de recibir, y como
tal hemos tratado de conservarlo. Una vez
más, el teatro crea vínculos entre las perso
nas que lo hacen y las que lo disfrutan. Pero
claro, ¿quién en su sano juicio es capaz de
dar la responsabilidad de la creación de un
espectáculo a unos payasos?
DEL CABARET ALEMÁN DE ENTREGUERRAS
A LA TRADICIÓN DEL CIRCO EUROPEO
Hernán Gene ha preparado un artefacto teatral primoroso que
conjuga música, canciones, pantomima, elementos escenográfi
cos muy ingeniosos y unos payasos estupendos en gesto, voz,
intención. [...] Es un formidable espectáculo, muy bien hecho,
de neta intención pacifista [...] colocando la sonrisa donde tal
vez debería campear el inquietante estupor.
Juan Ignacio García Garzón, ABC
De palabra inteligible y clara, con trucos de circo esbozados, y
con unos actores muy bien ensayados y muy justos en la
dicción, en el trabajo conjunto y en los gestos y movimientos.
Eduardo Haro Tecglen, EL PAÍS
Hay que ver esta función [...] Es un espectáculo gozoso y de un
antibelicismo radical que seis payasos llevan a la cumbre de la
carcajada y del sentimiento político profundo: la manipulación
que de palabras como guerra y paz hacen todos los poderes.
Javier Villán, EL MUNDO
Brillante montaje que va desde el cabaret alemán de
entreguerras hasta la tradición del circo europeo. [...] Una
parodia de mucha altura estética y de lenguaje muy eficaz, que
llega a toda clase de públicos. [...] Una hora intensa del mejor
teatro. Comprometido y veraz, astuto y exacto. Un humor que,
de manera deliberada, pone los pelos de punta. Una ironía que
desmonta como si nada la propensión guerrera que nos invade.
Julio A. Máñez, EL PAÍS
Un montaje de una absoluta eficacia, en el que todo funciona
armónicamente. Un magnífico espectáculo que nos devuelve
un Brecht fresco e imaginativo desde la risa dialéctica.
Fernando Herrero, EL NORTE DE CASTILLA
Manual pacifista para indiferentes. [...] Vestidos de clowns,
actuando, cantando y tocando como clowns, los seis actores
fueron capaces de insuflar en el ánimo de quienes se acercaron
a contemplar sus disparates, la semilla de la reflexión, que supo
abrirse camino entre la coraza de la indiferencia.
Susana Caballero, EL DÍA
Un ejercicio rotundo de dignidad en el que los payasos afrontan
la barbarie de la contienda con ingenuidad y con la ilusión de
que las balas y las bombas no acaben aplastando para siempre
su espectáculo.
Josu García, EL CORREO (País Vasco)
09
LA EXTRAÑA PAREJA
Tan insoportable como el peor de los matrimonios
Regresan al Cuyas Joaquín Kremel y Pedro Osinaga para interpretar la divertida come
dia de Neil Simón que llevaron al cine los inolvidables Jack Lemmon y Walter Matthau
Pedro Osinaga y Joaquín Kremel regresan
al Teatro Cuyas para representar sobre su
escenario una de las comedias más diverti
das del autor norteamericano Neil Simón,
La extraña pareja, cuya versión
cinematográfica, dirigida por Gene Saks,
interpretaran en 1968 los actores Jack
Lemmon y Walter Matthau. Dirigida por
el tinerfeño Juan José Afonso, la obra en
cuyo reparto también intervienen Julia
Torres, Fernando Lage, José Luis Santar,
Antonio Cifo y Lola Velacoracho, narra la
historia de Óscar y Félix, dos divorciados
que deciden vivir juntos para paliar la
soledad. En el espacio de un piso compar
tido, la convivencia entre los dos hombres
(una especie de remedo caricaturesco del
matrimonio) pronto dará paso a situacio
nes divertidas y comprometidas, gracias a
la habilidad argumental de un texto lleno
de peripecias singulares e hilarantes y
domésticas situaciones. Las escenas y
conflictos habituales de los matrimonios
irán formando parte de la vida en común
de estos dos divorciados que, en el fondo,
buscan el uno en el otro la imagen de la
esposa perdida.
Osinaga (Ós<|6f) y Kremel (Félix) son en
realidad dos hombres incompatibles^
se refugia» en un piso en el que c^
ban qudfsufíórmula de convivencia
termínalo por convertirse justamente en
lo que siempre han tratado de evitar en sus
respectivos matrimonios. La obra es, entre
otras cosas, una reflexión sobre la vida en
pareja y las dificultades de la convivencia
humana. La vieja amistad que les une y
una semanal partida de poker parece que
es todo lo que comparten los dos divorcia
dos, porque ambos en realidad son tan
dispares en sus maneras de entender la
vida como lo son el agua y el aceite.
Todo se complica desde el mismo instante
en que Óscar decide convencer a Félix
para que vaya a vivirse con él a su casa tras
su divorcio. Félix es un verdadero
neurótico, un depresivo, lleno de alergias
y dudas, una de esas personas que pueden
llegar a amargarte la vida y que se
aprovechan de su falsa debilidad para
pegarse al prójimo y chuparle la energía.
Óscar es todo lo contrario. Con ese paisaje
humano era muy raro que la convivencia
funcionara entre ambos amigos. A fin de
cuentas, cada uno repite exactamente las
mismas pautas de comportamiento que
los Uevá^al divorcio con sus- respectivas
mujeres. Lo mejor de esta comedia es el
• mal, inesperado y planteado para el
público como una sorpresa.
Este montaje necesita dos actores que se
complementen y que controlen los
recursos de la comedia. Kremel y Osinaga
demuestran, en esta pieza de Neil Simón,
que son dos de los grandes. Esta obra es
una verdadera lección de convivencia,
señala Osinaga. Enseña que en la vida hay
que saber transigir con las personas que
viven con nosotros, que nos rodean. Se trata
de llegar a una fórmula intermedia. Si a mí
me gusta dormir con la persiana cerrada y
a ti abierta, pues la dejamos a medias.
Joaquín Kremel recomienda al espectador
esta obra sobre todo para reír y reír durante
dos horas sin parar. La risoterapia es algo
que debería imponerse como forma de
mantener la salud. Reír una hora al día
como mínimo, es una excelente manera de
estar mejor. Tenemos la experiencia de que
cuando el público sale del teatro se siente
más animado para hacer un esfuerzo en sus
relaciones con los demás.
EL ÉXITO DE LA
FÓRMULA SIMÓN
UNA COMEDIA
DE LAS DE ANTES
Sorprende en la biografía de Neil Simón la
cantidad de premios y nominaciones que
recibe desde su comienzo en 1956 como
guionista en televisión, hasta su última
obra teatral, Perdidos en Yonkers,
estrenada en 1991 y premiada con el
Pulitzer. No ha habido un solo trabajo de
Simón que haya pasado desapercibido, y a
su peculiar manera de entender un género
tan delicado y sutil como el de la comedia,
se añaden sus relevantes observaciones
sobre el comportamiento humano, o su
capacidad para distanciarse del conflicto,
lo que le permite reflejar con objetividad
el color de la vida.
Como señala el propio dramaturgo
norteamericano nacido en el Bronx en
1927, la vida es triste y divertida a la
vez. No puedo imaginar una situación
cómica sin que sea al mismo tiempo
dolorosa. Antes me preguntaba ¿qué es
una situación humorística? Ahora me
pregunto ¿qué es una situación triste y
cómo puedo contarla con humor? A
comienzos de los años cincuenta, Neil
Simón entró a formar parte del equipo de
escritores de la serie de humor más
relevante de la historia de la televisión
Your shows of Shows, en cuya plantilla
figuraban mentes cómicas como Mel
Brooks, Woody Alien, Larry Gelbart o
Cari Reinen Desde 1960 se concentra en
escribir obras de teatro y comienza su
etapa de éxitos encadenados que lo han
convertido en el autor más representado
en Broadway. En sus cuarenta años como
autor, Neil Simón ha avivado la escena
con historias conmovedoras y personajes
divertidos, pero posiblemente su gran
contribución al mundo del teatro haya
sido el enorme talento para crear humor
de la vida y los problemas que azotan a la
gente común y corriente.
El actor Jack Lemmon dijo de Simón tiene
la capacidad de crear personajes, absoluta
mente imperfectos, cargados de manías, de
defectos pero... humanos. No son sólo o
buenos o malos. Son gente que conocemos.
Grandes personajes que hacen grande al
actor que los representa.
Kremel y Osinaga, al revés la enunciación
si se quiere, se convierten en dos sólidas
razones para decir que la obra concluye en
triunfo. Las situaciones son razonable
mente excéntricas y se nos explican con
auténtica maestría.
Carlos Bacigalupe, El Mundo
Osinaga y Kremel componen el primer
embrión de la dialéctica teatral, el dúo.
Osinaga es resuelto, todo le vale, y es un
cara de palo siempre sorprendido. Kremel
es en cambio la inseguridad, la mueca
imprevisible, el exceso de reflexión.
Pedro Barea, El Correo
Una comedia clásica de las de antes, bien
resuelta y alegremente recuperada, donde
las situaciones son más importantes que
los chistes.
Roberto Herrero, El Diario Vasco
EL LAGO DE LOS CISNES
La leyenda del ballet más imperecedero
del repertorio mundial
EL Ballet Estatal de Perm presenta La monumentaL
obra de Tchaikovsky, a La que añade fragmentos de
coreografías de Frederik Ashton
El Ballet Estatal de Perm afronta una de las obras más representadas del repertorio
clásico mundial, El lago de los cisnes, bajo la dirección de Natalia Makarova. La historia
del príncipe Sigfrido y la reina de los cisnes ha maravillado a generaciones enteras
mientras ha evolucionado a través del tiempo. Cada época ha visto variaciones e
interpretaciones diferentes de los personajes, los cuales han sido encarnados por los
más notables bailarines de la historia. Las coreografías inspiradas en la original de
Petipa e Ivánov, se han sucedido en diferentes países, con la firma de coreógrafos
como Alexander Gorsky, Mijaíl Fokín, Mijaíl Mordkin, Agripina Vagánova, Nicolai
Sergueiev y George Balanchine, así como de otros más recientes.
El lago de los cisnes es el primero de los tres ballets que escribió el compositor ruso
P.I.Tchaikovsky (1840-1893). Originalmente encargado al maestro por la Ópera de
Moscú, sin duda este ballet es el más conocido y popular del mundo por su concep
ción, su admirable coreografía y la maravillosa música de Tchaikovsky. Se estrenó en
el Teatro Bolshoi de Moscú en 1877 y, paradójicamente, no fue muy aceptado. Sin
embargo, en 1895, con la nueva coreografía de Marius Petipa, logró un gran éxito en
el Teatro Marinski de San Petersburgo.
Con fragmentos de coreografías de Frederik Ashton y diseño escenográfico del
británico Piter Farmer, el Ballet Estatal de Perm afrontará en dos horas y cuarenta y
cinco minutos esta bella obra planteada en tres actos. Los dos ballets de Tchaikovsky
El lago de los cisnes y La Bella Durmiente, fueron compuestos en estrecha colaboración
con el coreógrafo Marius Petipa, y representan el primer intento de utilizar música
dramática para danza, después de! ballet operístico del compositor alemán Christoph
Willibald Gluck. Muchos son los que opinan que todavía no han sido superados en su
intensidad melódica y en su brillo instrumental.
12
UNA HISTORIA DE AM
Acto Primero
Primer cuadro: Tiene lugar en el jardín del
castillo del Príncipe Sigfrido. Se celebra la
fiesta de su XXI cumpleaños. Su madre, la
reina, le recuerda que ha llegado el momento
de que escoja esposa, lo que va a hacer entre
las jóvenes que al día siguiente van a partici
par en el baile de la Corte. Pero, ni las adver
tencias de su madre ni las alegres danzas
festivas logran distraerle la profunda melan
colía que le invade.
Segundo cuadro: Bosque misterioso, al
borde de un lago, a la pálida luz del claro de
luna. Es el lugar donde evolucionan las
jóvenes-cisnes víctimas del sortilegio del
brujo Rothbart. Hasta allí llega Sigfrido y
ante él aparece la princesa Odette, también
convertida en cisne quien explica a
Sigfrido, prendado de su belleza, que el
sortilegio no podrá romperlo más que
aquel que le jure amor eterno. Sigue una
etérea y fascinante escena de amor que
interrumpe Rothbart amenazante, recor
dando a los cisnes que están bajo su poder.
Sigfrido jura a Odette amor eterno y le
invita al baile que se celebrará en su palacio
al día siguiente. Despunta el alba y Odette,
de nuevo convertida en cisne, debe seguir
su destino.
¿mu
Acto Segundo
Se celebra el gran baile anunciado. Sigfrido
participa en las danzas, pero se desentiende
de las pretendientes que le son presentadas;
su pensamiento está puesto en Odette.
Repentinamente llega un caballero descono
cido en compañía de su hija: se trata en
realidad de Rothbart y de su hija Odile
transformada en el doble de Odette. Sigfrido
cae en la trampa, hasta el punto de que en
medio de las danzas no duda en escogerla
por esposa jurándole amor eterno ante su
madre. Aparece a lo lejos la figura dolorida
de Odette, la verdadera. Sigfrido descubre el
engaño y desesperado huye del palacio,
dirigiéndose al lago.
Acto Tercero
De nuevo el bosque, el lago, el lago y la
noche. Los cisnes se entregan a una danza
melancólica esperando a Odette, que aparece
llorosa y desesperada: entiende que la espera
la trágica suerte que pensaba ya cambiada
por la promesa de Sigfrido. Éste, según todas
las apariencias, la ha traicionado. Pero llega
Sigfrido, quien suplica su perdón, reniega del
juramento que engañado hizo a Odile y
afronta y desafía el maleficio de Rothbart, a
quien logra vencer, renovando el juramento
de amor a Odette. Con ello los jóvenes han
salvado su felicidad y roto el negro sortilegio
que pesaba sobre Odette y los cisnes.
MÁS DE UN CENTENAR
DE TEMPORADAS DEL BALLET
ESTATAL DE PERM
u
CUENTOS DE GALDÓS
Una propuesta para descubrir la capacidad imaginativa de nuestros hijos
Profetas de Mueble Bar acerca a los niños la magia narrativa del universal
novelista canario a través de los dos cuentos La conjuración de las palabras y
La princesa y el granuja
La iniciativa del Teatro Cuyas Cuentos desde
la Luna, orientada al público infantil,
constituye otro de los logros del citado
espacio escénico dependiente del Cabildo
grancanario, en su empeño de promoción y
divulgación del teatro como instrumento de
conocimiento y relación del niño con su
entorno y su contexto histórico. La compa
ñía Profetas de Mueble Bar contribuye con
sus propuestas a que dicho programa que el
pasado año convocó a casi siete mil niños de
los ciclos de Infantil y Primaria, cumpla con
su objetivo: la iniciación en la edad
temprana al mundo del teatro a través de la
magia contenida en los cuentos de los
grandes autores del repertorio universal. En
esta ocasión, la compañía ha escogido dos
cuentos de Benito Pérez Galdós para acercar
a los más pequeños sus poderosas imágenes
y su capacidad narrativa. ¡
Cuentos de Galdós es un espectáculo
integrado por las dos obras La conjuración
de las palabras (1868) y La princesa y el
granuja (1877), que se desarrollará en la
carpa exterior instalada como cada Navidad
en el patio del Teatro Cuyas. Como señala
Juan Ramón Fernández, miembro de
Profetas de Mueble Bar, Don Benito Pérez
Galdós, como canario universal y por ser uno
de los grandes la literatura, merece ocupar un
lugar destacado en nuestro proyecto. O quizá
sea al revés, Cuentos desde la Luna quiere
ocupar un lugar, trabajando humildemente,
en el inmenso e inagotable mundo imagina
tivo de Galdós.
Para Fernández, en los cuentos de Galdós
se encuentran los elementos característicos
que definen el género. El primero de todos
ellos y el fundamental es el fantástico al que
se unen lo maravilloso, alegórico y extraño,
pues son muy pocos los relatos que escapan
a la presencia de la fantasía. Se trata en
Galdós de una inclinación congénita, que irá
incrementándose con el correr de sus escritos,
hasta el punto de que algunos estudiosos
afirman que lo permanente en el autor
canario es la fantasía y no la realidad, por
más que ésta ocupe mayor espacio en su
producción. De otra manera: el realismo es en
Galdós especialmente intenso en buena parte
de su obra, mientras que el elemento
fantástico es más extenso, pues no falta a lo
largo de toda su creación.
La prolija narrativa de Galdós no está reñida
con las posibilidades lúdicas de la escena,
avanza Fernando Navas, también miembro
de la compañía. Galdós contribuyó a
engrandecer el cuento como instrumento y
recurso literario. El cuento como tal se define
en el siglo XIX. El novelista canario es autor
de unos trece cuentos poco conocidos para el
gran público, alguno de ellos indicados
para el público infantil. Hay muchos
15
estudios que consideran que Galdós no era un
escritor realista, sino simbolista, que usaba la
fantasía para desarrollar su obra a través de
la forma imperante en la época, que era el
realismo.
Para los integrantes de Profetas de Mueble
Bar los dos cuentos seleccionados recrean
mundos lúdicos muy adecuados para el
imaginario de los niños. La conjuración de
las palabras da cuenta de una singular
rebelión de palabras ante el mal uso de las
mismas. La peculiar revolución encabezada
por adjetivos, nombres y adverbios concluye
en una divertida asamblea en la que deberá
adoptarse una decisión ante la nefasta e
indignante utilización del lenguaje
castellano. Por su parte, La princesa y el
granuja, puede considerarse el cuento de
Pinocho al revés. Un niño travieso se
enamora de una muñeca y termina convirtién
dose en muñeco. Con estos dos cuentos queremos
1
1
mk
^3
cumplir dos objetivos: que los niños terminen
sabiendo quién era Pérez Galdós, y destacar
la importancia del buen uso del lenguaje, que
es nuestra manera de comunicarnos y
expresarnos, explica Navas.
Vamos a teatralizar los textos con la ayuda de
los tres personajes que ya conocen los niños
por experiencias en años anteriores. Claudio,
Expósito y Don Polito ofician de maestros de
ceremonias en la función de cincuenta
minutos que interpretan Profetas. A través de
estos personajes el niño comprende los
mecanismos que convierten la materia
literaria en materia escénica. Galdós fue
también un autor teatral, y por ello maneja
tan adecuadamente la técnica y los resortes
dramatúrgicos. Eso nos ha facilitado mucho
el trabajo.
Según Juan Ramón Fernández nuestra
propuesta es diáfana en sus contenidos y en su
formalidad. No hay dobleces en la comunicación,
MmiíiFT T mi —
aunque los textos sean complejos. En la
amplia nevera de Profetas hay congelados
otros autores como Coüodi, Lewis Carroll o
Poe, que sustentarán otros proyectos en el
futuro. Muchos niños reclaman obras en las
que el miedo marque el pulso dramático de
la historia. Según los Profetas los niños
también desean experimentar otras sensacio
nes, quieren conocer qué hay detrás de ese
abismo. La demanda del joven actual de
cuentos de miedo no es ninguna novedad.
Siempre los niños han querido enfrentarse a
esos miedos. El concepto de vida y muerte lo
percibimos desde una temprana edad, y
obviarlo sería infantilizar ese proceso
cognitivo natural que experimentan. Los
niños lo que desean es crecer cuanto antes y
tener las herramientas para entender su
tránsito al mundo adulto.
Jl-
*
16
PAPARRUCHAS PARK
En Tamarania también existe lá Navidad
El Teatro Cuyas estre*na en Víspera efe Reyes'el último musicaTde la
compañía Zalakadula, inspirado en un cuento de Charles Dickens
Una docena de optimistas y divertidas cancio
nes integran el nuevo espectáculo de la
compañía Zalakadula, Paparruchas Park, un
musical inspirado en Canción de Navidad, de
Charles Dickens, y que el Teatro Cuyas estrena
como en otras ocasiones erMa víspera del Día
de Reyes. La citada coproducción entreJSl
Teatro Cuyas y la Concejalía de Cultura: y
Festejos del Ayuntamiento de Las Palmas'de
Gran Canaria, cuenta con el equipo habitijal
que ha permitido'a la mencionadafcoMpSíiía
canaria impulsar con éxito desde ""nace una
década, distintos musicales injírililes. Pero
que nadie se lleve a engaño. Zalakadula ha
evitado en esta ocasión trabajar con los
materiales sonoros de la marca Disney, y ha
creado un espectáculo personal. Una nueva
etapa entraña nuevos riesgos que asumimos
con la mayor de las ilusiones porque la"
madurez artística del proyecto nos empuja con
todas nuestras fuerzas a,tratar de consolidar a
la compañía en el ámbito de los espectáculos
musicales para toda la familia, hechos en
Canarias y para el mundo, apunta el actor y
director Luifer Rodríguez, uno de los respon
sables del proyecto.
Con libreto de Alexis Ravelo, banda sonora
original de Germán G. Arias, coreografías de
Natalia Medina, iluminación y espacio
escénico de Hamid Blell, vestuario de Paqui
Benavides, producción ejecutiva de Antonio
Lorenzo y • dirección de Luifer Rodríguez,
Paparruchas Park cuenta además en su
reparto con lá actriz y directora de actores
Carmen Sánchez, cantantes como Elena
Álvarez y Elu Arroyo, y músicos de la talla de
Héctor Salazar o el guitarrista Carlos Oramas.
Creemos que 'es el momento óptimo para
mostrar al público que nos conoce y al descono
cido, otro modo de imaginar nuestro mundo,
nuestro espectáculo, nuestras historias, las del
barrio, las de la calle de al lado. Ser originales y
volar por los rincones de nuestra propia
imaginación pata .hacerles llegar lo que de
alguna Manera nuestro corazón hace tiempo
sueña. Esperamos que el público se deje seducir,
acepte la nueva propuesta y que podamos llegar
a sus sonrisas para seguir disfrutando en
familia de todo lo que queda por venir, apunta
Rodríguez.
Por eso es inevitable preguntar a la compañía
si el público se encontrará ante un musical
radicalmente diferente: Sí y no al mismo
tiempo. Se encontrará un, Zalakadula más
maduro pero no por ello menos divertido. Con
Paparruchas Park iniciamos unajiueva etapa
creativa. La idea es la de consolidarnos en la
. producción de musicales de creación propia.
Con nuestra propia música y nuestras propias
historias. Nos distanciamos quizá un poco de
la idea del Zalakadula Show en > directo o
Concierto animado y nos adentramos más en
' el mundo del musical propiamente dicho,
donde las canciones están enfundan de la obra
y no al revés. Evidentemente nos mantenemos
fieles a nuestro sello: humor, magia, diversión.
Quizá el hecho de que exista un equilibrio
mayor entre el teapcC lo que se cuenta, y la
música, lo que se canta, sea la diferencia
principal. Aunque precisamente el seducir al
público a disfrutar de esta nueva aventura es lo
que hace de este reto un sueño de esos de los
que no quiere uno despertar. Y, por supuesto,
habrá momentos dedicados a la participación
del público y, cómo no, el bis de siempre... Si
nos lo piden, claro.
Luifer Rodríguez explica que el alma, que
recrea el cuento Canción de Navidad de
Dickens es tan vigente que, ciertamente, hoy
permite nuevas lecturas y propuestas para
acercar el fondo y jd mensaje de esperanza que
hacej/a tantos años nos legó el genial escritor.
Recreamos la historia', nuestro cuento, con el
espíritu que Zalakadula siempre ha tenidjo a la
hora de presentar sus juguetes: el humor, la
fantasía, la participación y las canciones.
La compañía ha situado la trama de su nuevo
musical en un lugar que nos recuerda a una
isla llamada Tamarania, en donde la malvada í*"
Emeteria Monopolia, más conocida como La '
Paparruchas, persigue convertir el parque
municipal en un ciber, el Scrooge Statiot}. La
pandilla de amigos del pajKjue sé "rebela -e
inicia una lucha por conservar el espacio y
mantener su tradicional festival de Navidfd
en dicho parque, que ha sido la fuente de sus
juegos e ilusiones. Según Luifer Rodríguez, sjn
duda élpersonaje más fantástico y divéftidfiMs
el Espíritu de la Navidad, que sustiltjjfe en esta
versión a los fantasmas del tiernto (pasado,
presente y futuro) a la. vez que Mantiene una
relación con la realidad de los personajes
materializándose en la piel de los desfavoreci
dos: una gitana que le echa la maldición del
tiempo, a Monopolia, un. vagabundo que
provocará en la pandilla las ganas de luchar por .
sus sueños, y un sinpapeles llamado Mohamed
Negrín, que con algún truco y mucha cara,
entrará en el mundo inhóspito de la malvada,
transportándola a través del tiempo por los
vericuetos de su vida. Y es a través de esos
personajes que se van generando supuestas
casualidades que cambiarán el curso de las
La compañía Zalakadula ha querido en esta
ocasión acercar la historia de su nuevo
musical a la. problemática del siglo XXI. La
lucha entre los juegos tradicionales,^ la infancia
comunicativa y creativa contra el futuro que
depara un mal uso de la tecnología creando de
lareálidad virtnql un futuro tan real como tan
real corn£ desierto de emociones, avanza el
director artístico de Paparruchas Park. Enten
demos que la adaptación es un canto a la
inocencia frente a la avaricia, a la ilusión
contra la desesperanza, a la niñez ante la vida,
al amor frente a la guerra y ala amistad en el
tiempo. Un canto Zalakadula.
Alexis Ravelo, autor del libreto de Paparru
chas Park ha variado la dimensión de algunos
personajes de la obra original y ha situado la
acción en la era digital que ha imbuido a
muchos de los niños de la sociedad global. El
espíritu de Dickens, sin embargo, está presente
en esta producción cuya moraleja nos avanza
que el mal uso de las nuevas tecnologías nos
conduce a la deshumanización, señala Ravelo.
Lo . qug importan son las personas y los
sentimientos. Ha sido muy divertido trabajar y
construir los personajes .principales y
secundarios, dice el escritor que viene colabo
rando con Zalakadula desde la producción El
laberinto de los sueños. Este año nos separamos
de la línea Disney y presentamos un musical
original. La magia de Paparruchas Park radica
ént el juego continuo que se plantea con el
tiempo al espectador. Querer es poder en este
musical.
Fantasías musicales de ayer y hoy, Había una
vez otro circo, Erbosque animado, Magia
Potagia, El laberinto de los sueños y Cumplea
ños Feliz, además del montaje Zalakadula en
Concierto, son los títulos que completan el
repertorio de esta compañía que nace en la
década de los noventa del siglo pasado. Desde
entonces casi 200 artistas de las más variadas
disciplinas han participado en los diferentes
espectáculos estrenados desde esa fecha.
SALOME
La destructora fuerza del deseo
Miguel Narros dirige una versión contemporáneo d i iumu ut mjj-tiup ue id
tragedia brutal y refinada escrita por Osear Wilde, en cuyo reparto figuran
María Adánez, Millán Salcedo o Elisa Matilla
Tragedia brutal y refinada, Salomé encarna,
partiendo de la tradición evangélica y la
bíblica ha obsesionado al arte y la literatura:
cuando pide a su padrastro Herodes la cabeza
de Juan el Bautista como premio a su baile
lujurioso, Salomé convierte su nombre en
metáfora de la belleza destructora, y, en
manos de Osear Wilde, en símbolo de
independencia y de placer prohibido.
Uno de los grandes directores de la escena
española, Miguel Narros, dirige esta versión
del escritor, periodista y crítico teatral, Mauro
Armiño, coproducida por el Teatro Cuyas, la
Comunidad de Madrid y el Ministerio de
Cultura, cuyo amplio reparto encabezan
actores de la talla de María Adánez, Millán
Salcedo o Elisa Matilla. Escrita en 1881 por
Wilde para la actriz Sara Bernhardt y
prohibida en Inglaterra por abordar temas
bíblicos, el montaje de Narros está ambien
tado en el actual Oriente Próximo, con el
petróleo de fondo y un hip-hop como danza
protagonista. Esta Salomé nos descubre a un
poeta trágico que lo mismo narra de manera
intimista su estancia en la cárcel acusado de
homosexualidad, que ahonda en las pasiones
más desgarradoras, como la que siente el rey
Herodes (Salcedo) por Salomé (Adánez), una
Lolita bíblica presentada aquí más juvenil e
inmadura; como el capricho virginal de un
hombre poderoso. La popular actriz, a la que
el público del Teatro Cuyas recordará por sus
papeles en los montajes El príncipe y la corista
o La tienda de la esquina, encarna a la más
joven de las Salomés españolas que en otros
trabajos escénicos afrontaron desde
Margarita Xirgu y Nuria Espert, a la bailarina
Aída Gómez, pasando por Montserrat
Caballé. La orgullosa y perversa Salomé
danza a ritmo de hip-hop en una coreografía
compuesta por Víctor Ullate. Baila hasta que
el histriónico asesino Herodes accede a que le
sirvan en bandeja la cabeza de Juan Bautista
(Chema León), bajo la atenta mirada de
Herodías (Elisa Matilla), madre de la criatura
danzarina y amante del rey déspota.
Hasta el poeta inglés, la hija de Herodías sólo
había obrado para satisfacer el deseo de
venganza de su madre, maldecida por el
profeta. Osear Wilde es el primero en dotarla
de unos sentimientos propios en los que
brota, en medio de una inocencia desconcer
tante y una virginidad que se declara de hielo,
se detendrá siquiera con la muerte, y que
extenderá su apasionamiento hasta la cabeza
cortada del Bautista, que recibe en una
bandeja de plata.
provocó el escándalo e hizo que la obra de
Wilde fuera prohibida o furiosamente
criticada en las primeras décadas del siglo
XX: el escándalo nacía de la diferencia entre
Ja¿ demás historias de mujeres fatales o
degolladoras de hombres -Helena de Troya o
Dalila, Judith o la reina de Saba, Cleopatra o
Lucrecia Borgia-, y una Salomé que, por
primera y última vez en la historia bíblica,
exige, a cambio de sus favores, una cabeza casi
divina, la del precursor del Mesías, hijo del
Dios de la Biblia.
Transgresora de leyes bíblicas, Salomé
simboliza sobre los escenarios la violación de
lo sagrado, una lubricidad ardiente, una
inocencia astuta y desconcertante que la
convertirían en una de las interpretaciones
femeninas más fuertes de la historia de la
literatura. Por eso no pudo representarse
libremente en los escenarios ingleses hasta
más de medio siglo después de la muerte de
Wilde, que tuvo noticia de su estreno en
Francia cuando estaba preso en la cárcel de
Reading, y que nunca llegó a verla sobre un
Junto a los actores anteriormente citados
figuran Chema León, Álex García, Raúl
Prieto, Domingo Cruz, Néstor Lahuerta,
Óscar Ortiz, Paco Blázquez, David Sánchez,
Toni Márquez, Sergio Sánchez, Emilio Gómez
y Abdoulaye Dieng. Firman la coreografía de
esta producción el bailarín Víctor Ullate,
mientras que la escenografía la ha diseñado
Andrea Dbdorico. Además la producción
cuenta con vestuario de Sonia Grande (Mar
Adentro, Hable con ella, Los otros). La música
es de José Nieto, poseedor de media docena
de Goyas y autor de bandas sonoras de las
películas El Bosque animado, El maestro de
esgrima, El perro del hortelano, El rey
pasmado, La pasión turca, y la iluminación es
de Juan Gómez Cornejo {El Verdugo,
Panorama desde el puente, Muerte de un
viajante, El tío Vania).
LA LUNA. LA SANGRE Y LA MUERTE
MIGUEL NARROS
de una noche, en qi
s tres símbolos: la Luna, la sangre
e La obre transcurren de noche; disti
la Luna meqa un papel importante.
Ia Luna
Blanca y fría, como una princesa, como el
reflejo de una rosa blanca en un espejo de
plata. El joven sirio enamorado de Salomé,
con la sombra del paje de Herodías
acechando sus movimientos. El joven sirio
obsesionado en ser el hombre que todos los
demás ven y del que todos hablan, y que él
ignora.
2a Luna
Una luna extraña, parecida a una mujer
muerta que saliese de su tumba en busca de
muertos.
3a Luna
Una luna Blanca para Salomé, diminuta
como una moneda de plata. Una luna que
aisla a la virgen de las miradas del Tetrarca.
Una luna para respirar,
Una luna para amar
Una luna que impide ver el amor
Una luna que ilumina y deforma los
sentimientos
Una luna virgen
Que nunca se ha mancillado
Que nunca se ha entregado a los homb,
como las otras diosa.
Soy la herida y el cuchillo
La víctima y el verdugo
Baudelaire)
Hacer sufrir es posseer y crear, tanto como
destruir.
4a Luna
Una luna ausente. E
Yokanaán...
A pesar de los arrebatos de melancolía, lejos de
las olas depresivas, el hombre (el actor) piensa:
Estamos hechos para entendernos.
Tan estúpidos y brutos como nosotros, pero con
la misma sangre; sangre de hombres...
...Vamos a luchar a matarnos un poco, a
cortarnos los cojones y a torturarnos una
pizca. Y después empezaremos a vivir como
5a Luna
Una luna roja. Apocalíptica, amenazante.
Cuando los personajes se manifiestan, se hacen
verdaderos, empiezan a vomitar la verdad
enterrada durante una vida... Deseo de
muerte que cambia el pensamiento del
Y tu estas vacio ...
.... Se ayuda más a un ser dándole una imagen
favorable de sí mismo, que enfrentándolo sin
cesar con sus defectos....
... Un hombre juzgando a otro es un espectá
culo que me haría morir de risa si no me diera
6a Luna
Una luna negra, escondida, para impedirnos
ver la última danza la muerte de Salomé.
20
ENTREVISTA
MIGUEL NARROS
La poesía ha estado muy alejada del teatro
El director de la Salomé que se presenta en el
Teatro Cuyas nunca antes había afrontado la
producción de un Wilde. Miguel Narros está
muy satisfecho del resultado y del solvente
reparto coral que interpreta esta tragedia
reactualizada y situada en un país de Oriente
Próximo. ¿Sería posible resucitarla?, se
preguntó. No sólo fue posible sino que me la
encontré llena de belleza, poesía, crueldad y
salvajismo. Por ello pensé que podría conectar
con el espectador de hoy. Narros, uno de los
más grandes directores de escena españoles,
opina que la poesía ha estado muy alejada del
teatro. Se está produciendo un fenómeno cort
Salomé que todos estamos experimentando en
cada una de las funciones: es el silencio que se
produce y la atención que el público presta a un
lenguaje poético que tiene una calidad y una
categoría. La clave de la Salomé que soñó
Osear Wilde se encierra, según Narros más en
lo que sugiere que en lo que muestra.
El director madrileño de 77 años, que dirigió
también en el Teatro Cuyas El sueño de una
noche de verano o Tío Vania, estima que su.
Salomé se aventura sobre tres símbolos: la
luna cambiante expresa lo que le sucede a los
seres humanos; la muerte siempre la llevamos
con nosotros, y la sangre es lo que une al cuerpo
con la vida. El director no ha tocado ni una
coma ni una frase del texto del escritor /
irlandés. La traslado a un país del Oriente^
Próximo en donde viven los grandes magnates
del petróleo y donde puede existir una forma de
vida en la que se mezcla lo moderno con lo
ancestral. Al referirse a la traslación sufrida
por la obra y al empleo de lenguajes urbanos
vinculados a la modernidad, afirma que el ser
humano no cambia, lo que cambia es su
destino, las formas, las costumbres, su
educación... Da lo mismo disfrazarlo de una
época o de otra. Esta Salomé no va dirigida
expresamente a un hipotético público joven:
simplemente he partido de una idea concreta
de montaje para lograr una comunicación
directa con el espectador que se desenvuelve en
el mundo de hoy.
Así, el director apunta que su intención no es
contar la historia como lo hizo Wilde, sino
llevarla a otros contextos para comunicar algo
distinto. La producción se mueve en paisajes
que conducen a Oriente Próximo y Estados
Unidos con la crisis petrolífera como marco
de acción, aunque la versión del texto original
a cargo de Mauro Armiño mantiene intacta
toda la poética de Osear Wilde; más aún,
^%/iemuestra que ésta puede adaptarse a cuantas
' .des se quiera trasladar sin perder un
ice de su intensidad dramática, señala el
ireator.
La lectura de Narros lleva el romanticismo
isabdino con el que el autor recreó el mito de
ié a unas coordenadas mucho más
irectas y eficaces, repletas de ritmo frenético,
'ension sexual y sobre todo danza como
summum de la poderosa expresión corporal.
Salomé consiguió para su madre la cabeza de
San Juan Bautista de manos de Herodes gracias
al baile, así que la danza aparece aquí como
elemento seductor defuerza irresistible, explica
Narros, quien subraya que la protagonista
sustituye la danza de los siete velos por un baile
mucho más fuerte, casi diabólico. Tanto ésta
como el resto de coreografías han sido diseña
das por Víctor Ullate.
Con respecto al nutrido reparto de la obra,
Miguel Narros sólo tiene halagos para sus
actores, entre los que destaca a María Adánez,
que tiene la capacidad de transformarse en una
Salomé en cuya interpretación alcanza dos
grados de representación altísimos: el de una
Salomé Lolita y otra terrible y cruel; Millán
Salcedo, que encarna al enloquecido y
torturado por su pasado y presente que es
Herodes, proviene de la escena cómica lo que le
ha permitido dotar a su personaje de un
histrionismo equilibrado; la brillante trayecto
ria de Elisa Matilla (Herodías) es bien
conocida; Chema León (Yokannán) ha iniciado
su carrera en el teatro de una forma muy seria
y profesional; Álex García (El joven sirio) y
Raúl Prieto (Paje de Herodías), también consti
tuyen dos sorpresas muy gratificantes para mí.
&MA
Nacido en Dublín, Osear Wilde
(1854-1900) encarna el esteticismo inglés
de las dos últimas décadas del siglo XIX, a
través de sus cuentos, poemas y ensayos.
Defensor del arte por el arte, sobre todo en
su novela El retrato de Dorian Gray,
fascinado por la paradoja, la máscara y la
ambigüedad, es también un dramaturgo
brillante que, en apenas tres años, de 1892
a 1895, estrena o publica cinco obras que
pertenecen por derecho propio a la
historia del teatro: Salomé, El abanico de ¡
Lady Windertnere, Una mujer sin impor
tando, Un marido ideal y La importancia de
llamarse Ernesto; en las cuatro últimas se
entrega a una sátira de la alta sociedad
londinense, a la que reprende con un
moralismo que pone de relieve el valor de la
indulgencia y del perdón; sus protagonistas
son siempre mujeres que, en el filo de lo que
para la hipocresía puritana de la época era la
virtud, demuestran una fidelidad profunda
a valores individuales que están por encima
dé los que impone la sociedad.
Socialmente, en su vida personal Osear
Wilde cultivó la provocación y la extrava
gancia desde sus años de estudiante en
Oxford; la sociedad victorjana, hipócrita y
puritana, se lo haría pagar tras un proceso
por homosexualidad del que resultó
condenado a dos años de trabajos
forzados. Si su estancia en la prisión de
Reading le permitió escribir dos obras
maestras, De profundis y Balada de la
cárcel de Reading, también es cierto que
ésta es su última obra; la cárcel había
acabado con el poeta; cuando recobra la
libertad, le quedan poco más de dos años
de vida, con unas fuerzas físicas debilitadas
por la dureza del régimen carcelario; sus
obras, que antes del proceso eran éxito
permanente en los escenarios londinenses,
están ahora prohibidas; arruinado y
señalado, Wilde tendrá que marcharse de
Inglaterra y sobrevivir en Francia, para
terminar muriendo en una pensión barata
de París, solo y abandonado.
compañía nacional de danza
Nacho Duatojmpulsos vitales alrededor de la belleza
"ector d' :ND rearma ,al Cuyas con dos coreografías
« L^
■ _'a*.'E ■
Regresa Nacho Duato al Teatro Cuyas como
director artístico de la Compañía Nacional
de Danza, con dos coreografías personales,
Castrati (2002) y Por vos muero (1996), y
una de Jacopo Godani, Prototype Hero
(2005). La primera de ellas, estrenada en el
Palacio de Festivales de Cantabria, en
Santander, tiene música de Vivaldi y Karl
Jenkins, mientras que la segunda, estrenada
en el Teatro de Madrid, cuenta con música
antigua española de los siglos XV y XVI, y
textos de Garcilaso de la Vega recitados por
el cantante Miguel Bosé. La propuesta de
Godani fue estrenada en el ¿teatro de la
Zarzuela.
Castrati, que cuenta con figurines del
diseñador Francis Montesinos y esceno
grafía del arquitecto irakí Jaílar Chalabi,
hace alusión a los cantantes masculinos
castrados antes de la pubertad con el fin de
preservar su voz de soprano o contralto. Así,
se mantenía el timbre infantil intacto,
permitiendo, gracias al desarrollo normal de
Godani posee un estilo impí
forma inusitada. Eran mucho más comunes
dentro de las instituciones eclesiásticas,
donde las mujeres tenían prohibido cantar o
en los teatros durante los siglos XVI, XVII y
XVIII. Chalabi ha establecido desde 1999
una colaboración regular con Nacho Duato,
para el que ha diseñado las escenografías de
distintas obras como Multiplicidad. Formas
de Silencio y Vacío (1999), Ofrenda de
Sombras (2000), Txalaparta (2001), White
Darkness (2001), Castrati (2002) y Herrum-
Siglo de Oro, que junto con los bellísimos
versos de Garcilaso de la Vega sirven al
coreógrafo como hilo conductor entre la
lógica contemporaneidad de la danza en Por
Vos Muero y su relerencia histórica. En los
siglos XV y XVI las danzas formaban parte
de la expresión del pueblo, en todos sus
estratos, lo cual redundaba en que
supusieran realmente el reflejo de la
cultura de su tiempo. Por Vos Muero quiereser
un homenaje a ese papel fundamental
que la danza ocupaba entonces en nuestra
lente, Protolvpe llero, con coreoni
v música ue
grafía, escenografía, diseño de ilumi
y figurines de Jacopo (lortañT y mu
.i Mackey, estrenada por la Co
Nacional de Danza en el Teatro de la Z;
el 28 de octubre de 2005.
erado uno de los
momento. A sus 38 anos tiene ya a sus
espaldas una carrera importante y una
agenda repleta para los próximos tres años.
Reconoce la importancia que tuvieron los
diez años que pasó ¡unto a William Forsythe
en el Ballet de Iranklurl. No puedo
olvidarme de aquel periodo. Bailábamos con
unas ganas tremendas y un espíritu libre.
Sobre la escena nos comíamos el mundo. Más
tarde comencé mi labor coreográfica para
Forsythe, firmando al principio sesiones
culeras de sus ballets para pasar después a
crear mis propias piezas para el Ballet de
l-rcink/url, así como para olías compañías.
un espíritu ¡rredento y anticonformista propio
de un rebelde con causa. Mi ideal sería ejercer
como portavoz de las nuevas generaciones para
combatir la mediocridad y el conformismo y
luchar en contra de este mundo horrible que
estamos construyendo a nuestro alrededor. El
mismo espíritu que reconoce tener cuando
trabaja en la preparación de un ballet,
motivando a los bailarines para que se superen a
sí mismos, para que se escuchen, se descubran y
puedan entonces moverse libremente, por
encima de los vínculos con la técnica, con
intensidad pero s¡
jugar al artista' suifl
me_j;usla hacerlo tóate animas ae aisenar la
s vcsiuaftos me ocupo también
ae las nicesy, en ocasiones, monto la música en
un estudio de grabación. Me encantaría tener mi
propia compañía, que Juera como un comando,
un grupo de asalto, más^allá de un mero
espectáculo de danza. Mt
con un grupo de prodúcela
ado su carrera como
kprcógrafo creando piezas originales para un
butn número de compañías de prestigio
internacional como son el NDT, Het Nationale
Milán, AtcrBalletto, Les Ballets de Montecarlo,
Royal Ralle!, Ballet du Rhin, NDT2, Ballet de
I orniinp/Sfancv, Gotebunio Ballet o el Roya!
NACHO DUATO. TODO POR LA DANZA
El Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza llegó hace 15 años desde el
Nederlans Dans Theater, la compañía más famosa de danza contemporánea, modificando
las líneas anteriormente planteadas por Víctor Ullate, María de Ávila y Maya Plisetskaya,
que habían trabajado hasta entonces en la consecución de un cuerpo de ballet eminente
mente clásico. Nacho Duato nació en Valencia, comenzó su formación profesional en la
Rambert School de Londres, y amplió sus estudios en la Mudra School de Maurice Béjart
en Bruselas, completando más tarde su formación en Nueva York, en The Alvin Ailey
American Dance Centre.
En 1980 Nacho Duato firma su primer contrato profesional con el Cullberg Ballet de
Estocolmo y, un año después, de la mano de Jirí Kylián, ingresa en el Nederlands Dans
Theater, compañía de la que es nombrado coreógrafo estable, junto a Hans van Manen y Jirí
Kylián, en 1988. Por sus éxitos como bailarín recibe en 1987 el VSCD Gouden Dansprijs
(Premio de Oro de la Danza). Su primera coreografía, Jardí Tancat (1983), con música de
María del Mar Bonet, gana el primer premio en el Internationaler Choreographischer
Wettbewerb (Concurso Coreográfico Internacional) de Colonia.
Sus ballets forman parte del repertorio de las más prestigiosas compañías de todo el
mundo, entre las que se encuentran el Cullberg Ballet, Nederlands Dans Theater, Les
Grands Ballets Canadiens, Ballet de la Ópera de Berlín, Australian Ballet, Stuttgart Ballet,
Ballet Gulbenkian, Finnish Opera Ballet, San Francisco Ballet, Royal Ballet y American
Ballet Theatre.
En 1995 recibe el grado de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras que concede la
Embajada de Francia en España. En 1998, el Consejo de Ministros le galardona con la
Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.
En abril de 2000 recibie en la Ópera de Stuttgart uno de los premios internacionales de
coreografía más prestigiosos, el Premio Benois de la Danse, en su IX edición, que otorga la
International Dance Association, por Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío (1999).
Es Premio Nacional de Danza 2003 en la modalidad de Creación. Desde junio de 1990,
invitado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de
Cultura español, Nacho Duato es Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza.
/
iii ■ I i^p,
w
UNA COMPAÑÍA
CON IDENTIDAD
IhI
u
PROPIA
La Compañía Nacional de Danza fue fundada
en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de
España Clásico, y tuvo como primer director a
Víctor Ullate. En febrero de 1983 se hizo cargo
de la dirección de los Ballets Nacionales
-Español y Clásico- María de Ávila, quien
encargó coreografías a Ray Barra, bailarín y
coreógrafo norteamericano residente en
España, ofreciéndole posteriormente el cargo
de director estable, cargo que desempeñó
hasta diciembre de 1990. En diciembre de
1987 fue nombrada como directora artística
La incorporación del renombrado coreógrafo
y bailarín Nacho Duato como director
artístico de la Compañía Nacional de Danza,
en junio de 1990, supuso un giro innovador
en la historia de la formación. Duato estaba
decidido a hacer del ballet una compañía con
identidad propia, en la que, sin olvidar los
preceptos clásicos, se derivara hacia un estilo
más contemporáneo. Con este fin se incluyen
en el repertorio de la compañía nuevas coreo
grafías creadas específicamente para ella,
junto con otras de contrastada calidad
reconocida en numerosas compañías interna
cionales. Asimismo, Nacho Duato aporta a la
Compañía Nacional de Danza su trabajo
como coreógrafo, alabado por la crítica
mundial y premiado por los especialistas.
LA MUJER MANCA O BARBI-SUPERESTAR
Sol Picó explora el universo de la mujer y los planetas femeninos
La premiada coi
más artificial de la opulencia de una sociedad cada dír
La coreógrafa alicantina Sol Picó indaga en
sus inquietantes trabajos en la capacidad de
sugerencia del baile, en los mecanismos
emocionales del espectador, en esa corriente
adversa que contradice su atávico espíritu y
Su danza es una descarga voltaica en la puede
mezclarse desde la vitalidad de la cultura
popular a la violencia primigenia, pero que
siempre reduce su esencia a demostrar la
vulnerabilidad humana. Y cuando todo ello
se hace con exquisita y enérgica inteligencia
no queda otra opción que reconocer las
virtudes de ese intento. En 2002 fue recono
cida por Bésame el cactus con el Max a la
mejor intérprete y a la mejor coreografía,
mientras que en 2004, repitió con el montaje
que ahora llega al Teatro Cuyas, La mujer
manca o Barbi superestar. Pero el suma y
sigue continuó este 2005, ya que su espectá
culo Paella mixta, obtuvo igualmente el
Premio Max de las Artes Escénicas a la mejor
coreografía.
En colaboración con la dramaturga Txiki
Berraondo, Sol Picó aborda en La mujer
manca o Barbi superestar una propuesta que
explora el universo de la mujer. Producido
por el Teatro Nacional de Cataluña, Picó nos
vuelve a pasear por su particular y surreal
mundo de rituales de donde salen como
derramados de una coctelera, lugares imagi
narios, relaciones imposible o situaciones
nunca cotidianas.
Seis bailarinas y tres músicas, durante una
hora, se entregan a la construcción y
reconstrucción del imaginario femenino. Sol
nos vuelve a pasear por su particular mundo
de rituales. Las intérpretes nos transportan al
mundo del subconsciente de Picó, de donde
salen como derramados de una coctelera,
lugares imaginarios y relaciones imposibles.
La cualidades atribuidas históricamente a la
condición femenina -la belleza y la vulnerabi
lidad- chocan con la faceta más dura, enérgica
y combativa que asume la mujer en la vida
Como siempre, en ese espacio cerrado de
accesos imposibles, la seducción, lo amargo,
lo impactante, el miedo y sobre todo la
belleza, se acumulan en La mujer manca o
Barbi superestar. La riqueza del mundo
femenino, su entereza y fragilidad, y en
definitiva, sus sinrazones. Con su
movimiento cada vez mas personalmente
definido, Sol Picó es capaz de traducir la
tuerza y el dinamismo.
Bailarinas, poetisas, pintoras, amas de casa...
atrapadas en la trampa del espejo, se
convierten en relieves de azúcar, en estatuas
de sal, en heroínas de historias y leyendas. En
esta vertiginosa transición al absurdo se
género: la mujer es masculina, la danza se
convierte en teatro y la música clásica en
samba, canción francesa y tecno-sardana, sin
olvidar los tradicionales pasos de Semana Santa
del febril sábado noche. Ana Criado, Iva
Horvat, Lola López Luna, Maribel Martínez,
Anna Robles y Maria Stamenkovic Herranz
son las bailarinas que intervienen en el
montaje de Picó. Mireia Tejero se ocupa de la
dirección musical y Dácil López pone voz a
los pasajes sonoros. Los músicos mezclan en
directo instrumentos tradicionales como el
acordeón, la voz y el saxofón con ritmos
eléctricos, sirviéndose de este instrumento
aglutinado para terminar de dar un sentido a
la sinrazón.
habla de mujeres porque es mujer,
trabaja sobre lo que desea contar, su esencia y
sus connotaciones. Proporciono las ideas a los
bailarines partiendo de las imágenes que me
sugieren posibilidades, y a partir de ahí surgen
acciones y movimientos, explica la coreógrafa
nacida hace 38 años. Les sugiero, por ejemplo,
trabajar un dúo, o la idea de la manipulación,
o ver qué podemos hacer sobre una cinta
mecánica, o una escalerilla de avión que se
mueve por el escenario. Para Picó, el trabajo
de Txiki Berraondo es muy importante: la
y añade matices, añadiendo efectos sugerentes
que reinterpretan y dan otra vuelta de tuerca a
las ideas iniciales en muchas ocasiones.Txiki
proviene del mundo del teatro y habla otro
lenguaje, pero asume de lleno nuestra
borrachera creativa, concediéndonos una
libertad total ñi añadiendo equilibrio y
limpieza. ^|
PODÉRSELO PERMITIR
TODO HASTA EL FINAL
No debería extrañarnos que, al entrar aquí alguien nos
recordara las palabras de aquel vicio maestro: No existe La
Mujer. Existe la persona humana caída del lado Mujer.
¿Magia? ¿Retórica?
En cualquier caso, material sin duda imprescindible para
Sol Picó a la hora de abordar lo Mujeril. Pocas entradas le
interesan. Pero si hay una por la que muestra especial
debilidad (en todos los sentidos de la palabra), es aquélla
que le conduce directamente a la ratonera de lo bárbaro, lo
salvaje, el podérselo permitir todo basta el final, hasta
Mentira, era solo mi sueno, un ¡arol del mundo pieotmiio,
un guiño grotesco sobre lo propio y lo ajeno. Y sin
embargo... Asi habla ella a la hora de contaminar la escena
y de habitarla con unos seres que desde el extrarradio de su
propio exilio (¡que ya es estar exiliada!), aceptan reconver
tir sus obsesiones en trabajo y en plato de nuestro disfrute.
Txiki Berraondo
CONTRARIAR
LOS TÓPICOS VIGENTES
DEL MUNDO FEMENINO
El universo femenino de Sol Picó no termina nunca. Es como un agujero negro que permite
ahondar en sí mismo hasta la eternidad. Por eso, la coreógrafa y bailarina ha querido, a pesar
del riesgo de no poder terminar jamás de proponer arquetipos, meterse en el inquietante e
incitante mundo de la mujer, el suyo, ese que cada una de nosotras llevamos dentro, y del que
según los hombres y también nosotras mismas, no hay dos iguales. En La mujer manca qi
demostrada la tuerza plástica y conceptual de Sol Picó.
Marta Carrasco, ABC
Mujer Manca es un fruto artístico que va más allá de la mera cuestión ortográfica: tiene
discurso propio y enjundioso, además de nivel coreográfico e interpretativo superior, y
enormes dosis de imaginación y auténtico riesgo creativo. ¿Qué más se puede pedir? Con un
equipo forjado con extremada complicidad, Sol Picó y sus secuaces nos lanzan, con bravura
e intensidad, un chorro de imágenes a presión, a cuál más sugerente y provocadora: imágenes
que chocan frontalmente con los mitos y tópicos vigentes del mundo femenino.
Rosli Ayuso, El Mundo
Con la energía aplastante con que Sol Picó nos tiene acostumbrados, La mujer manca utiliza
todos los miembros para mostrar su feminidad a prueba de bombas y con bombas escénicas
que rompe con los estereotipos melodramáticos (...). Estos elementos forman parte de su
lenguaje, que se diferencia del resto de contemporáneos sobre todo por una energía
imparable, que demuestra que el espectáculo ha sido absolutamente pensado, ya que a la hora
de actuar no hay ni un segundo dejado a la reflexión, y los 60 minutos que dura el espectáculo
son exprimidos hasta la última gota de sudor, como si se tratara del ritual de alguna tribu
matriarcal.
Bárbara Raubert, Avui
La dualidad de la mujer, es decir, su lado femenino y masculino, llevan a Picó a encender la
mecha de la locura, invitándonos a una borrachera surrealista creada desde lo visceral, y sin
escatimar el humor y una desbordante fuerza tísica. Hábil en el manejo de diferentes discipli
nas, Picó utiliza el baile desde técnicas tan dispares como son el flamenco, la danza clásica y
contemporánea, así como la música en vivo, para construir un espectáculo ameno y convul-
Montse G. Otzet, El periódico
Entre el escaparate de la mujer glamourosa y la realidad de la marujona de a pie que sueña
con su realización desde el vértigo de sus miedos, carencias y necesidades, pero también con
toda su capacidad de fuerza y pasión intactas, se mueve el torbellino de imágenes de La mujer
manca. La coreógrafa no sólo aprovecha la capacidad técnica y la limpieza y amplitud de
movimientos de sus bailarinas, sino que también explora la vertiente más feísta que es capaz
de extraerles, la dislocación de sus gestos más desgarrados, la visceralidad a la que cada uno
de ellos nos remite. (...)
Joaquín Noguero, La Vanguardia
A RAS DE SUELO
Danza para reinterpretar
el movimiento y sus abismos
Los coreógrafos Beatriz Fernández y Sergi Faustino
presentan en el patio del Teatro Cuyas sus dos solos
Escorzo y Nutritivo
Dos coreógrafos y bailarines catalanes,
Beatriz Fernández y Sergi Faustino, presen
tan sus trabajos en una nueva edición de la
iniciativa A ras de suelo, surgida hace unos
años en el seno del Teatro Cuyas e impul
sada por los miembros de El Ojo de7 la
Faraona. Los dos solos, Escorzo y Nutritivo,
ofrecen dos perspectivas singulares de la
vigencia del movimiento y del espíritu más
combativo de la danza. Fernández
interpreta a lo largo de los 30 minutos que
dura su primera creación en solitario
estrenada en 2003, Escorzo, su visión del
recurso empleado fundamentalmente en la
pintura, trasladando al ámbito de la danza
ángulos torcidos, anatomías extrañas y
dentro de una frecuencia de movimiento
monótono. Escorzo 'está enclavado en el
terreno de la exposición, pues no esconde su
naturaleza artificial de espectáculo y
pretende suscitar más pensamiento que
emoción, señala la bailarina. He vuelto al
cuerpo como cuerpo pensante, como destino
incambiable, como cárcel, como límite. Al
cuerpo no como instrumento para bailar, sino
como sujeto de la danza. Al cuerpo expuesto
id capricho de sus impulsos, dic*
Beatriz Fernández, que ha colaborado con
las coreógrafas independientes Olga Mesa y
Margarita Guergué, forma parle de la
compañía La Vana Gloria con la que
participa en numerosas piezas de pequeño
formato y espectáculos largos. La coreó
gi ala, que actualmente desarrolla un trabajo
independiente como creadora colaborando
en proyectos multidisciplinares, admite tres
hl tiempo escénico es un tiempo real
compartido por lodos los públicos y por el
bailarín actor en este caso. No se busca la
ilusión ni la hipnosis del espectador, aunque
sí podría darse en algún momento, pero
, ionio nielaleiiuuaie.
ciente se refleja en el cuerpo y lo
c- del trabajo está ligada direcl
■oiubni. l'l un
i internado por esas
cado. La manera de usar es
(lies) llevándolos a la repel
u signilic.Klo v imiten su
la transformación como concepto en la
búsqueda del viaje hacia el cuerpo nuevo,
por medio del desgaste, el esfuerzo, la
repetición o la asociación de imágenes
inmediatas. Cuerpo abandonado en el
itci.uutose expuesto al capricho oí
En la necesidad de derribar fronteras artísti
cas y sacar la danza del encasillamiento
teatral, Beatriz Fernández impulsa la
formación del colectivo Las Santas, junto a
las bailarinas Mónica Munlaner y Silvia
Sant. Las Santas dirigen el espacio de danza
v creación 1.a Poderosa. En estos momentos
los espectáculos Ciudades, El salón dorado y
Europea no es una puta, dirigidos por
Carmelo Salazar (La Vana Gloria cía).
'ulrilivo, una coreografía provocadora que
lorda con inteligencia las formas de la
los subjetivos. 50 minutos dura la perfor
mance de Faustino que el propio coreógrafo
catalán define como un solo performance
sobre sangre, morcillas, bkick metal y
tunning. Estrenada en la sala Conservas de
Barcelona en 2002, Nutritivo se estructura a
partir de tres niveles de comunicación: el
directo, a través de la palabra; el sensitivo, a
través del movimiento, y el reflexivo, a
través del significad» de las acciones que se
suceden en la propuesta.
Sergi Faustino nos acerca a distintas
realidades y a como las mismas nos influyen
cuando miramos la vida desde prismas
diferentes: ¿Que es ridiculo para li? ¿Que es
ridículo para mí? ¿Qué esta aceptado como
ridículo? En cuanto al lenguaje escénico
estoy interesado en el transito ¡le lo real a lo
abstracto, v es aquí donde entra cu juego la
danza. Considero la danza como un
lenguaje abstracto y creo que se puede
recibir ¡le una manci\¡ no racional. A través
de la danza intento llegar a las sensaciones
t
en contraposición con el texto que transcurre
por un camino básicamente racional, señala
el creador.
Me quedo con la fuerza que puede tener esa
abstracción para transitar por otros caminos
y explorar otros territorios. La fisicalidad.
que se produzca una reacción pura, un acto
reflejo, una respuesta del cuerpo sin contar
con el control de la mente. Un desequilibrio,
una respiración muy acelerada, un pendular
de brazos, aislar una parte del cuerpo para
poder apreciar todo su rango de
movimiento... ¿Cómo recibe cada persona
estas acciones/movimientos? ¿Qué sensacio
nes le crean? ¿Son las mismas sensaciones que
yo proyecto cuando las hago? Supongo que no
y que no podremos saberlo porque nos
movemos en el campo de la abstracción. Se
transmite algo pei'o no podemos llegar a un
acuerdo sobre lo que es porque depende de
cada uno. Eso es lo que me parece fascinante:
lodos sabemos que hay algo pero no podemos
ponernos de acuerdo en qué.
Una enfermera extrae a Sergi Faustino
sangre con la que ambos se cocinan unas
morcillas. Todo a la vista del público. ¿Es
autocanibalismo o una guarrada? ¿Si la
sangre se regenera podríamos llegar a alimen
tarnos solo con nuestras propias morcillas?
¿Somos lo que comemos?-se pregunta. Estas y
otras muchas reflexiones me vienen a ¡a
cabeza cuando pienso cu lo que pensaría si
fuera a ver un espectáculo y me encontrara a
un tío sacándose sangre y haciendo unas
morcillas, supongo que a las personas que
vean el espectáculo les pasara algo parecido
por la cabeza, concluye.
30
0SO6
Diciembre 2005 Enero 2006
COMPAÑÍA MARÍA PAGÉS
El perro andaluz
Flamenco Republic
Dirección: María Pagés
DÍAS: 2 (20.30h.)
3 (20.30h.)
4(19.00h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BONO 10 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
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12
10.50
9
7.50
SOBRE HORACIOS Y CURIACIOS
TEATRO DE LA ABADÍA
Dramaturgia y dirección: Hernán Gene
Premio Max 2005 al mejor espectáculo
de teatro
DÍAS: 9 (20.30h.)
10 (20.30h.)
11 (19.00h.)
PRECIOS EN «
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BON010 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
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6.50
5.50
LA EXTRAÑA PAREJ/
de Neil Simón
con Joaquín Kremel y Pedro Osinaga
Dirección: Juan José Afonso
DÍAS: 16(20.30h.)
17(18.00h.y 21.00h.)
18 (18.00h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BONO 10 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
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5.50
EL LAGO DE LOS CISNES
de Piotr llich Chaikovsky
BALLET ESTATAL DE PERM
DÍAS: 20l20.30h.)
21 (20.30h.)
22 |20.30h.)
23 (20.30h.)
PRECIOS EN € INICIAL BON010 TARJETA20 TARJETA30 TARJETA 50
PATIO DE BUTACAS 24
1er. ANFITEATRO BAJO 21
1er. ANFITEATRO ALTO 18
2do. ANFITEATRO 15
PROFETAS DE MUEBLE B
CUENTOS DE GALDÓS
Del 26 de Diciembre al 8 de Enero.
Funciones a tas 12.00h. y 18.00h.
(excepto 31 de Diciembre, 1, 5 y 6 de Enero!
Entradas a la venta desde 1 hora antes del comienzo del espectáculo.
Precio: 1€
Aforo máximo de la carpa: 80 personas
Adquisición máxima de 5 entradas por persona
ZALAKADULA
Paparruchas Park
DÍAS: 3|17.00h.y19.30h.)
4l17.00h.y19.30h.)
7l17.00h.y19.30h.)
Coproducción de:
PRECIOS EN € ADULTOS
PATIO DE BUTACAS 15
1er. ANFITEATRO BAJO 12
2do. ANFITEATRO 8
SALOMÉ
de Osear Wilde
Dirección: Miguel Narros
Coproducción de: ^^^ Ara
NIÑOS I HASTA V, AÑOS I
12
10
6
con la colaboración de
DÍAS: 13 l20.30h.)
U|20.30h.)
15|19.00h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BONO10 TARJETA20 TARJETA30 TARJETAS!)
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|i COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
ss, Director Artístico: Nacho Duato
9
7.50
6.50
5.50
DÍAS: 20 (20.30h.)
21 (20.30h.)
22 (19.00h.)
PRECIOS EN €
PATIO DE BUTACAS
1er. ANFITEATRO BAJO
1er. ANFITEATRO ALTO
2do. ANFITEATRO
INICIAL BON010 TARJETA 20 TARJETA 30 TARJETA 50
24
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21.50
19.00
16.00
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10.50
12
10.50
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7.50
LA MUJER MANCA o BARBIE SUPERSTAR
SOL PICÓ COMPAÑÍA DE DANZA
Premios Max 2004 al mejor
espectáculo de danza y mejor coreografía
Precio único sin descuentos: 12€
A RAS DE SUELO
Otras experiencias del cuerpo
Patio del Cuyas
Entrada libre
14y15deEnero,22.00h.
DÍA: 25 (20.30h.)
LA PAGINA DEL CUYAS
TARJETAS DEL TEATRO
10 20
Si usted compra simultáneamente tres
entradas para tres espectáculos diferentes,
se le aplicará el BONO 10, por lo que se
beneficiará de un descuento del 10%. El
Bono 10 se podrá renovar cada vez que
se compren simultáneamente entradas
para otros tres espectáculos diferentes.
Para ser titular de la TARJETA 20 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 20% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá
adquirir posteriormente entradas con el
mismo tipo de descuento a lo largo de la
temporada vigente. Disfrutará además de
un período prioritario de compra que será
anunciado convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 30 es
necesario comprar simultáneamente un
mínimo de ocho entradas para diez
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento aproximado
del 30% con respecto a la tarifa inicial y
recibirá una tarjeta que le permitirá adquirir
posteriormente entradas con el mismo tipo
de descuento a lo largo de la temporada
vigente. Disfrutará además de un período
prioritario de compra que será anunciado
convenientemente.
Para ser titular de la TARJETA 50 es necesario
acreditar que es usted jubilado o pensionista
mayor de 65 años y que sus ingresos
mensuales no son superiores al salario
mínimo interprofesional.
La TARJETA 50 supone un descuento
aproximado del 50% sobre la tarifa inicial.
CONDICIONES DE USO
Tienen carácter personal e intransferible. Su vigencia es anual (de temporada en temporada). Deberán mostrarse en la taquilla en el momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y podrán ser solicitadas en la entrada de los espectáculos. El teatro se reserva el derecho a presentar espectáculos no sujetos a estos
descuentos. Los descuentos serán aplicados en el momento de efectuarse la compra. En ningún caso después de haberse emitido la entrada. No se admitirán cambios ni
devoluciones de las entradas.
OTROS DESCUENTOS
CARNÉ JOVEN EURO 26
Presentando el carné joven Euro 26 junto
con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
MENORES DEUANOS
Presentando el DNI o el libro de familia,
podrá adquirir automáticamente la
tarjeta 30.
CARNÉ UNIVERSITARIO
Presentando el Carné de Estudiante
Universitario de la ULPGC, junto con
el DNI, podrá adquirir automáticamente
la tarjeta 30.
DESEMPLEADOS
Presentando la tarjeta de desempleo de
la ACE junto con el DNI, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 50.
PENSIONSITAS 0 JUBILADOS,
MAYORES DE 65 AÑOS
Acreditando que es jubilado o pensionista
mayor de 65 años, podrá adquirir
automáticamente la tarjeta 30.
Para beneficiarse de estos descuentos,
tanto a la hora de adquirir localidades
como para acceder a la sala, deberá
presentar los documentos pertinentes.
PRECIOS DE GRUPOS
Existen descuentos especiales para grupos
concertados a partir de 14 personas.
DISCAPACITADOS EN SILLA DE
RUEDAS
Los discapacitados en silla de ruedas se
beneficiarán de un descuento
aproximado del 40% sobre el precio de
la localidad de patio de butacas.
VENTA DE LOCALIDADES
HORARIO DE TAQUILLA
de 11.30 h. a 13.30 h.
y de 17.00 h. a 20.30 h.
Teléfono: 928 432181
Oficinas: 928 432180
Venta telefónica de entradas
902 405 506
Los días de espectáculo la taquilla
permanecerá abierta hasta la hora
de comienzo del mismo.
Una hora antes del inicio de
cada función no habrá venta
anticipada.
Los días de función, a partir de las
18:30, no se expedirán tarjetas del
teatro.
Sólo se aplicarán descuentos a tarjetas
que hayan sido actualizadas.
■ En el momento de retirar las entradas,
rogamos compruebe la fecha, hora, importe
y numeración de sus localidades.
■ No se admiten cambios ni devoluciones
de las entradas.
■ El Teatro no garantiza la autenticidad de
las entradas que no hayan sido adquiridas
en los puntos oficiales de venta.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
establecer un cupo máximo de venta de
localidades por persona y espectáculo.
■ El Teatro se reserva la posibilidad de
modificar el aforo en virtud del tipo de
espectáculo programado.
■ Las entradas de foso (filas A y B) se pondrán
a la venta discrecionalmente por el Teatro,
sin la anticipación del resto de localidades,
en función de las características técnicas y
artísticas de cada espectáculo.
■ Las localidades del Teatro Cuyas están
subvencionadas por el Cabildo de Gran
Canaria. Ninguna reventa de las mismas
está autorizada por el Teatro.
■ Se ruega MÁXIMA PUNTUALIDAD. ■ En atención a los artistas y al público,
Una vez comenzada la representación, y se ruega eviten cualquier tipo de ruido
en función de sus características, el Teatro durante la representación, tanto en el
se reserva la posibilidad de retrasar o interior de la sala como en los vestíbulos,
prohibir la entrada en la sala. pasillos y escaleras.
■ Se prohibe entrar con comida y bebida
en la sala, así como con animales, excepto
perros guía. En este caso se aplicará la
normativa vigente.
■ No está permitido fumar en el interior
del Teatro.
■ Está terminantemente prohibido
cualquier tipo de filmación, grabación o
realización de fotografías (con o sin flash)
en el interior de la sala.
■ Se prohibe la entrada en el recinto con
cualquier objeto que la organización
considere peligroso.
■ Se ruega desconectar los teléfonos
móviles, alarmas o cualquier otro tipo de
señal acústica en el interior de la sala.
■ En espectáculos con pausa, conserve la
contraseña.
■ El Teatro dispone de espacios habilitados
para minusválidos, situados en el patio de
butacas.
■ Existen hojas de reclamaciones a
disposición de los espectadores.
VENTA ONLINE
www.generaltickets.com/lacajadecanarias
www.teatrocuyas.com
ejadas cuantas sugerencias y comentarios
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Cuyas. Asimismo, en cualquier momento podré solicitar la modificación de los datos o la baja de la suscripción mediante solicitud debidamente firmada.
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TEMPORADA
LA LOCA AMARILLA
Profetas de Mueble Bar
Coproducción del Teatro Cuyas
Viernes 3 (20.30h.|, Sábado U (19.30h.| y Domingo 5 (19.00h.)
ANTONIA SAN JUAN
Las que faltaban
Jueves 9 (20.30h.), Viernes 10 (20.30h.) y Sábado 11 (19.30h.l
QUEEN, WE WILL ROCK YOU
El musical
Jueves 16(20.30h.)
Viernes 17(19.00h. y22.30h.)
Sábado 18(19.00h. y22.30h.)
Domingo 19 |19.00h.|
Miércoles 22 (20.30h.)
Jueves 23 (20.30h.|
Viernes 24 [19.OOh. y22.30h.|
Sábado 25 (19.OOh. y22.30h.)
Domingo 26 (19.OOh.)
FILOMENA MATURANO
de Eduardo de Filippo
con Concha Velasco
Viernes 3 (20.30h.), Sábado U (20.30h.) y Domingo 5 (19.OOh.)
RICARDO III
de William Shakespeare
TEATRELLIURE
Dirección: Alex Rigola
Viernes 10 (20.30h.), Sábado 11 (20.30h.) y Domingo 12 (19.00h.)