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Editorial
Cabe pensar que la pena de los verdaderos
lunáticos esté alimentada por un sentimiento
de nostalgia empeñado en habitar
la faz oculta de la Luna. El primer teatro
que alguien recuerda es "su" primer teatro.
En la faz oculta del mío olía a serrín, se
atascaba el telón y una soga gruesa - como
para el ahorcado de un western - pendía
de alturas mitológicas a las que - según
creo - nunca miré, tanto me ocupaba el
suelo en su parodia de ropavejería y chamarileo.
Apenas ciertas semejanzas, traídas por los
pelos, denuncian algún parentesco lejano
entre aquel teatrillo de ninguna monta y
el Pérez Galdós o el Cuyás; sin embargo,
todas las dotaciones escénicas, de todo
lugar, de todo tiempo, sirven a un mismo
Proyecto. Será por eso que cuando una
cierra, siquiera temporalmente, se nota
tanto. Por eso será que, cuando uno sabe
que se están poniendo los medios para
abrir de nuevo el principal teatro del Archipiélago,
encuentra uno espléndidos
motivos para ir enfriando champán.
Jean -Louis Barrault, a quien Albert Camus
dedicó El Estado de Sitio; Barrault, quien
se inspiró en Mientras agonizo, de William
Faulkner, para estrenar su En torno a una
madre llamó a Antonin Artaud "el metafísico
del teatro': Artaud, que trabajó en los
espectáculos de Lugné-Poe y de Charles
Dullin en los años veinte del XX, cuando
murió conservaba abiertos en su piel los
estigmas de psiquiátricos y sanatorios. Fue
precisamente Artaud, y no otro, el que
escribió - y es a lo que iba: "y conviene
que las facilidades demasiado grandes
desaparezcan y que las formas caigan en
el olvido; la cultura sin espacio ni tiempo,
limitada sólo por nuestra capacidad nerviosa,
reaparecerá con energía acrecentada':
Creo, sí, que en cada representación del
Cuyás, entre fantasmales plumas de gallera
que flotan, mirados por el capitán Acab,
asistimos también a otra representación,
que es mágica y reúne algunos de los mejores
momentos de nuestra vida, cuando
- en la faz vista de un teatro o durante la
lectura de un libreto - entendimos la grandeza
que contiene a duras penas nuestra
condición humana, y creemos que cabe
llevar una vida mejor, más culta y plena.
En nuestros tiempos, que son los mejores
aunque sólo fuera por eso, podemos escuchar
diálogos que antes estaban por ser
pronunciados, dar la voz de entrada a un
corifeo de tragedia griega y concluir con
los estilos duros, escépticos y cotidianos
de Hemingway y de Arthur Miller. Empezar
por Esquilo y seguir con Sófocles, Eurípides,
Publio Terencio Afro, Lope de Vega,
Shakespeare, Alfred Jarry, Valle-Inclán,
Pirandello, Camus y Sastre, hasta llegar a
los otros dos: Corifeo.- Hablas ante quienes
aceptan que mueras: hacemos nuestro
ese presagio. Edipo.- ¿y a la muerte de
qué hombre se refiere? Nodriza.- Lo ignoro:
busca sacar de él provecho más que
enterarte. Parmenón (junto a la puerta
de la casa de Fidipo) .- ¡Eh! ¿Qué pasa
aquí? Rodrigo.- ¿Quién es el que con tanta
arrogancia se atreve a hablar? Fantasma
de Rivers.- Soy Rivers, el que murió en
Pornfrest. Padre Ubú.- Mirad qué hermoso
fiambre. Sabelina.- ¡Bórrate, espanto! Doña
Matilde.- ¡Ah, qué horror! ¡Estaba a
mi lado! Le vi entre las patas del caballo,
que se había encabritado ... Diego.- ¡En
medio de los campos de cadáveres! Inés.Estamos
en el infierno. Philip. - Si es inevitable
que tengas sueños diurnos, trata
de mantenerme al margen de ellos, ¿eh?
Happy.- Te dije que estaba pidiendo guerra.
Si al cabo fuera verdad que existe un Gran
Teatro del Mundo, en sentido estricto, me
parece que al Cuyás le corresponde seguir
trabajando en la aleación que le da cuerpo,
para que la cadena no se rompa por el
eslabón que es, para que en ello encuentre
la única Decencia que es propia del Teatro.
Pedro Luis Rosales Pedrero
Consejero de Cultura y Patrimonio Histórico
del Cabildo de Gran Canaria
La Luna del Cuyás
Edita Teatro Cuyás
Calle Vie ra y Clavijo s/n
35002 Las Palmas de Gran Ca na ria
Tel928 43 2180 Fax 928 4321 82 Email
infofateatroc uyas.com
Web www.teatrocuyas.com
Director
Manuel Gutiérrez
Director Adjunto
Gonza lo Ubani
Coordinadora de Redacción
Yo landa Saavedra
Jefe de Redacción
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Productores de espectác ulos
y Archivo del Teatro
Depósito Legal G.C.880-2001
Dirección de arte y Maquetación
~
Imprenta
San Nicolás
t Cabildode
. Gran Canaria
~ORQUESTA
FILARMÓNICA
DE GRAN CANARIA
Sumario
Imagen de portada: Confesiones de Zeno
04 La brisa de la vida
Dos formas antagónicas de entender el amor y la vida
06 Antonio Márquez
Danza flamenca estilizada
08 El sueño de una noche de verano
Shakespeare nos invita a confundir la fantasía y la realidad
10 Boeing Boeing
Abróchense los cinturones que vamos a despegar
12 Qué asco de amor
Hasta que la muerte nos separe
14 Ventura Dance Company
Danza que refleja la condición humana en la era postmoderna
16 Confesiones de Zeno
Teatro multimedia que combina actores, cantantes, músicos y marionetas
18 Historia de las tablas
Profetas de Mueble Bar revisa para los escolares la historia del teatro
20 Ballet de la Ópera de Leipzig
Uwe Scholz coreografía a Beethoven y Bruckner
22 Avance Noviembre-Diciembre
LA BRISA DE LA VIDA
Nuria Espert y Amparo RiveLles
Dos mujeres se consuelan en el purgatorio del recuerdo y protagonizan la obra de David Hare,
que dirige en la versión española, Lluís Pasqual
Amparo Rivelles y Nuria Espert a buen
seguro protagonizarán uno de los duelos
interpretativos más palpitantes de la nueva
temporada. La brisa de la vida, del
dramaturgo británico de moda David Hare,
con dirección de Lluís Pasqual, no sólo
supondrá la primera ocasión en que estas
dos excelsas damas de nuestra escena
nacional trabajen juntas, sino una
oportunidad incontestable para que el
público viva la intensidad de un texto que
dibuja una historia en la que el amor no es
más que una aparición del dolor, la traición,
la culpa o el tiempo. De casi todo aquello,
en definitiva, que suele terminar con el
amor.
El texto de David Hare es divertido,
cruelmente irónico, punzante, poético y
directo. Se manifiesta tanto en el
enfrentamiento de una esposa abandonada
y una amante ya casi olvidada por el mismo
hombre, como en el deseo de venganza de
las protagonistas que se rebelan ante la
desmemoria y la disolución de sus
esperanzas. La producción en castellano de
La brisa de la vida es la primera que se
realiza en el mundo tras su aplaudido
estreno londinense el pasado año, con
adaptación de Nacho Artime, quien también
se atrevió con otros dos textos de Hare, Vía
dolorosa y Lucernario. La crítica británica
ha señalado que este montaje, más que una
obra dramática es una conversación, un
diálogo o una sonata concebida para dos
solistas.
Los diálogos extensos e intensos entre
Rivelles (que encarna a Madeleine Palmer,
una defensora de los derechos civiles ) y
Espert (la conservadora ama de casa que
desea saber lo que ocurrió para plasmarlo
en un libro), entretejen el pulso dramático
de La brisa de la vida, en donde el marido,
que pulula como un fantasma convierte la
obra en un triángulo amoroso. Sobre el
fondo de los tres, este drama parece
incumplir la promesa de su propio título
Nuria Espert, Lluls Pasqual y A mparo Rivelles
para dejarnos en ese amargo purgatorio, un
rastro de desolación, anhelos y tristeza
espiritual.
DOS MUJERES DE MUNDOS
ANTAGÓNICOS
Madeleine Palmer, una activista política en
los años 60, vive retirada en la isla de Wight,
al sur de Inglaterra, en donde recibe la visita
de Frances Beale, una conservadora dama
de clase alta y escritora de éxito de best
sellers, que fue amante de su marido. Las
dos mujeres han compartido, en diferentes
épocas, al mismo hombre, que finalmente
ha abandonado a ambas por otra mujer
más joven. En ese encuentro que se produce
en el transcurso de una larga noche, las dos
mujeres que pertenecen a dos mundos
antagónicos, confrontan sus respectivas
formas de entender el amor y la vida,
reconstruyendo su pasado y su presente y
dibujando el perfil de un amor imposible.
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LIVIANA PERO AUTÉNTICA BRISA
LLUís PASQUAL
Director de La brisa de la vida
La brisa de la vida es un teatro escrito para dos pura sangre, dos actrices de raza, que se
enfrentan a un sutil combate de esgrima, propuesto por David Hare.¿El motivo? El mismo
hombre compartido por las dos durante más de un cuarto de siglo, y por lo tanto un
mundo de sentimientos, nunca expresados antes, de recuerdos, de dudas ... Nada
fundamental en la historia del mundo pero sí en sus vidas.
En un momento en que los seres humanos somos incapaces de escucharnos unos a otros
y por lo tanto de entendernos, el teatro, con sus reglas elementales, con su silencio, nos
ofrece aún la posibilidad de observar y reconocer la vida en sus dimensiones humanas,
con sus obviedades pero también con su misterio. Estoy seguro de que si podemos sentir
en la cara esta liviana pero auténtica brisa, por lo menos durante un rato, nos puede hacer
mucho bien.
DAVID HARE
Maneras de enfrentarse a La existencia
David Hare (1945) es uno de los grandes autores del teatro británico actual y puntual del
National Theater, institución que le ha producido once de sus obras, muchas de las cuales
han sido luego estrenadas en el West End y en Broadway. La adaptación del guión del
celebrado filme Las horas, dirigido por Stephen Daldry, escrito por Hare, dramaturgo del
que pudo verse en el Cuyás hace dos temporadas el montaje Lucernario, lo ha catapultado
defmitivamente al éxito como un singular dramaturgo cuyas temáticas sobre el mundo, la
justicia, la soledad y la democracia, unidas a su trayectoria de activista militante de izquierdas,
interesan siempre a un público atento con cierto teatro de ideas que contiene las sucesivas
transformaciones que se vienen experimentando en la sociedad actual.
Con suma elegancia, el autor británico elimina todo lo superfluo para mostramos nítidamente
la fragilidad y las contradicciones del ser humano. Perteneciente junto a Howard Brenton,
Trevor Griffiths y David Edgar, entre otros, a la llamada generación del 68 (fecha en la que
también desapareció la censura del teatro británico), David Hare ha pasado a través de su
carrera como dramaturgo del radicalismo marxista de sus primeras aportaciones desarrolladas
en los años 70 en la compañía de sensibilidad más izquierdista del Reino Unido, la Joint
Stock, a un naturalismo estilizado de equilibrada sensibilidad crítica. Ha cuestionado y
satirizado ferozmente a la prensa sensacionalista británica y enjuiciado la ética impulsada
en la era Thatcher, pero también se ha detenido en conmovedoras historias que hablan de
triángulos amorosos y relaciones imposibles; de lo que somos capaces de hacer con la vida
y lo que la vida hace con nosotros; sobre la naturaleza de las adicciones, los deseos y la
confrontación vital de personajes dotados de un extrema responsabilidad adulta.
Además de dramaturgo, Hare ha sido agente literario, director teatral y guionista para la
BBC. En 1982 se atrevió incluso con el cine, creando la productora cinematográfica
Greenpoint Films.
06 ARRIBA TELÓN / DANZA
PRELUDIO, ZAPATEADO Y BODA FLAMENCA
Antonio Márquez,
flamenco en estado puro
El bailarín presenta con su compañía su más reciente y aclamada obra
en colaboración con Matilde Coral y Currillo
Regresa la danza española al Teatro Cuyás.
La Compañía de Antonio Márquez
presentará en este inicio de nueva
temporada su montaje Preludio, zapateado
y boda flamenca, con música de Diego
Franco, coreografía de una de las
instituciones de la Escuela de Baile Sevillana,
Matilde Coral, el propio Márquez y Currillo,
el bailaor de Bormujo. Márquez, uno de los
bailarines más aclamados fuera de España,
alterna en esta pieza que narra la relación
de un hombre y una mujer, el flamenco más
puro con melodías de un lirismo casi
romántico, especialmente en algunos
enérgicos zapateados que interpreta este
artista junto a un elenco integrado por otros
once bailarines. La pieza estrenada el pasado
año, dedicada por el sevillano al fallecido
El mimbre, está llena de ritmo y viveza, con
un fondo dramático que tiene lugar sobre
la escena con notable virtuosismo, a la que
contribuye también sin duda alguna el
espléndido vestuario diseñado por Pedro
Moreno.
En los cuadros del espectáculo se suceden
los distintos palos del flamenco, desde las
rondeñas a los tangos, pasando por los tientos
y las bulerías, a través de los que Márquez
demuestra su temperamental concepción de
la danza española. El decorado de extrema
sencillez de Gerardo Trotti, donde juegan
admirablemente las luces, así como el arte
de los siete músicos que en vivo interpretan
la partitura de Franco, contribuyen a
mostrarnos un paisaje en el que se manifiesta
el empuje y la vitalidad que piden los
peculiares moldes expresivos del flamenco.
Márquez abre su montaje con un Preludio
donde se apunta y se sugiere al espectador
lo que está por llegar. Admirablemente
secundado por el conjunto de su compañía,
el bailarín recrea la música con sus gestos
y su zapateado; buscando la presencia
escénica con ahínco y con generosidad en
todos y cada uno de sus disciplinados
movimientos. Preludio, zapateado y boda
flamenca, en definitiva, resume a la
perfección su ideal de la danza española,
lejos de las estridencias y de los mestizajes
burdos, más cercano a la recuperación, ni
mística ni dogmática, de las verdaderas
raíces del flamenco.
UNA CARRERA
CONSAGRADA A LA
DANZA
Antonio Márquez nació en Sevilla hace 40
años. Con doce inició sus estudios de danza
con María Martín y Paco Torres, y con
dieciocho ingresa en la Escuela del Ballet
Nacional de España. Bajo la dirección de
María Ávila y José Antonio Ruiz fue,
respectivamente, solista y primer bailarín
de dicha compañía nacional. Su inquietud
artística le permite abordar creaciones
contemporáneas a finales de la década de
los ochenta, como el ballet El forastero de
Santiago, con música del compositor japonés
Ryuichi Sakamoto. En 1993, en calidad de
artista invitado, interpreta con el Ballet
Nacional, La oración del torero y la Farruca
del Molinero de El sombrero de tres picos, de
Manuel de Falla, durante la clausura del
espectáculos Los divinos, producido por la
RAI y TVE alrededor de los grandes mitos
masculinos de la danza. Un año más tarde
Márquez interpreta en el Teatro de la
Maestranza de Sevilla, para el Ballet de
Víctor Ullate, el papel de Carmelo en su
última creación de El amor brujo, también
de Falla. Junto a Lola Greco, con coreografía
de José Granero, participó en el montaje
Cuentos del Guadalquivir, así como en La
oración del torero, espectáculo dedicado a
Ortega Cano, con música de Turina y
coreografía de Victoria Eugenia. En 1995
constituye su propia compañía que presenta
en Sevilla con el montaje Movimiento
perpetuo, de José Granero.
La compañía de Antonio Márquez se fijó
como objetivo volver a las raíces del baile
español para otorgarle un nuevo impulso.
El segundo montaje llevó por título
Reencuentros (1996) y un año más tarde,
inaugura el Teatro Real de Madrid con El
sombrero de tres picos, una adaptación
coreográfica del propio bailarín, sobre la
obra original de Antonio Ruiz Soler. En
1999 estrena Después de Carmen, con
coreografía suya, Goyo Montero y Nuria
Leiva, y en diciembre de 2002 acomete
Preludio, zapateado y boda flamenca. Su
compañía es la única de danza española que
ha actuado dos veces consecutivas en el
Anfiteatro de la Bastilla de la Opera de París.
Antonio Márquez ha conseguido, entre
otros, el Premio Nureyev (1997), Mejor
Profesional de la Danza (1998) y Mejor
Bailarín Extranjero en el Festival de Danza
de Budapest (1999).
VARIEDAD DE
PALOS
FLAMENCOS
El personaje central de la obra concebida
coreográficamente por Márquez, Coral y
Currillo, expresa la soledad en la que se
encuentra en una tierra alejada de sus raíces.
Durante el transcurso de una fiesta, ya una
vez en España, conoce a una joven de la
que se enamora. Se inician entonces los
cuadros en los que la coreografía explota
toda una sucesión de palos flamencos como
rondeñas, alegrías, tientos, tangos, soleás y
bulerías. La obra culmina con la boda de .
los protagonistas enmarcada en una serie
de celebraciones festivas que se expresan
en las distintas escenas que se van
encadenando hasta el desenlace final de
Preludio, zapateado y boda flamenca.
08 ARRIBA TELÓN "
,.", EL SUENO DE UNA NOCHE DE VERANO
¿Dura el amor y la verdad tan sólo un abrir y cerrar de ojos?
Miguel Narras dirige la celebérrima obra de Shakespeare, que ha adaptado
Eduardo Mendoza, con un reparto de lujo que encabezan Verónica Forqué,
Vladimir Cruz y David Zarzo
Verónica Forqué y Vladimir Cruz
El sueño de una noche de verano es, en
primer lugar, un homenaje de Shakespeare
a la Comedia del Arte que, desde Italia, se
extendió a toda Europa, convirtiéndose, sin
lugar a dudas, en el auténtico motor del
teatro moderno. En segundo lugar, uno de
los cuentos más eróticos, transgresores y
perversos de la literatura universal y,
finalmente, el entreacto de la mirada
pesimista del imperecedero autor inglés
sobre la humanidad y sus profundos
motivos psicológicos. Miguel Narros,
conocido ya por el público del Teatro Cuyás
por sus recordados montajes Panorama
desde el puente, de Arthur Miller, y Tío Vania,
de Chejov, regresa ahora a nuestro escenario
con esta obra capital de la dramaturgia
mundial escrita entre 1595 y 1596, en la que
se manifiesta de manera genial el fascinante
e inquietante trazo que formula
ambivalentemente Shakespeare entre
comedia y drama, y que nos transporta de
continuo de la risa a la emoción, y de la
perplejidad al enamoramiento.
Narros cuenta con un plantel de notables
actores en este montaje que copodruce el
Teatro Cuyás en el que también figuran el
dramaturgo y novelista Eduardo Mendoza,
adaptador del texto y el escenógrafo Andrea
D'Odorico. Desde David Zarzo a Verónica
Forqué, pasando por el cubano Vladimir
Cruz, Macarena Vargas e Israel Frías, otra
docena de intérpretes se adentran en el
laberinto nocturno que es El sueño de una
noche de verano. Y al despertar ¿qué
permanece? -se pregunta Miguel Narros: el
recuerdo de una pesadilla, de una borrachera
que la vergüenza y el pudor prefieren olvidar.
LOS HILOS DE LA TRAMA SEGÚN
MIGUEL NARROS mostrarse a la luz del día. Pero no es una
A juicio de Miguel Narros, son cinco los
emblemas capitales de la pieza shakesperiana:
el sueño propiamente, la realidad y la fantasía,
la noche, el bosque y la guerra de sexos que
se produce como trasfondo al sueño.
Sueño: La flor produce la enajenación a los
seres que sucumben a su prodigio.
Desenmascara la esencia oculta resguardada
tras el comportamiento y formas sociales.
Concluye el sueño y permanece no obstante
el amargo sabor de no acertar a saber si
todo ha sido engaño o realidad. Sin
embargo, sí quedan secuelas: algo habrá
cambiado, las personas no volverán a ser
las mismas, cierto conocimiento de nuestra
realidad profunda tardará en desvanecerse
a pesar de que se imponga la realidad y, con
ella, las dudas del ser humano.
Realidad y fantasía: Es difícil establecer el
umbral que separa a ambas. Hay que
mantener una extraordinaria cautela al
pasar de una a otra. ¿Cómo reaccionan los
personajes reales en este ámbito mágico?
Existe la necesidad de realidad dentro de la
fantasía y más a la inversa, dando lugar a
un abanico que despliega un gran número
de desdoblamientos y paralelismos como
en el caso de las parejas Teseo-Hipólita y
Oberón- Titania. También aquí se
entremezclan las parejas en un juego y, en
el interior de cada mundo, el de la realidad
y el de la fantasía, se libra la guerra de sexos.
Noche: Este es el tiempo de lo efímero ya
que las miserias humanas no pueden
noche estival y feliz sino extraña y
desconcertante en la que los personajes del
día se pierden entre los moradores
nocturnos que temen el amanecer. Para los
seres d e la fantasía el final de la noche
conlleva una sombra de muerte interna que
les domina y produce una torpeza semejante
a la de un insecto contra su cristal.
Bosque: Se trata de un laberinto de difícil
salida, laberinto físico pero, sobre todo,
personal, donde se dirime la maraña de las
decisiones. Posee el encanto del lugar donde
todo es posible, donde los elementos se
deforman como vistos a través de un cristal
de aumento. El bosque destaca de esta
manera como contraste por excelencia
frente a la Atenas clásica. Se trata por otra
parte, del campo de batalla en que se
enfrentan Titania y Oberón con las
consiguientes repercusiones en el medio
natural, sin que por ello se deje de percibir
la gran carga sensual que impregna todo el
bosque nocturno.
Guerra de sexos: Como trasfondo al sueño,
ocurre una guerra entre el hombre y la
mujer, comenzando la obra con la victoria
del primero en la figura de Teseo victorioso
sobre la reina de las amazonas. El problema
latente es el de la necesidad de domesticar
a la mujer puesto que las más importantes
en la obra, Hipólita, Hermia y Helena han
transgredido de distintas formas las normas
sociales establecidas. El punto álgido se
alcanza cuando Hermia es castigada incluso
a la pena capital mientras que la trasgresión
masculina permanece impune.
RECREAR UN CLÁSICO ERIZADO DE ALUSIONES
MITOLÓGICAS PARA SER VISTO Y OíDO
EDUARDO MENDOZA
Autor de la versión
Creo haber leído atentamente todas las
traducciones de El sueño de una noche de
verano que circulan en lengua castellana (y
en otras lenguas que no vienen al caso),
unas son mejores que otras y ninguna, salvo
quizá la mía, carece de méritos: una
característica común a casi todas es haber
hecho mayor hincapié en la vertiente poética
del texto que en la vertiente teatral de la
obra, lo que las hace a mi juicio, más aptas
para ser leídas que representadas.
Yo me propuse lo contrario: recrear una
comedia para ser vista y oída. Es decir, que
he procurado traducir al comediógrafo
antes que al poeta. Por ello doy ahora esta
versión a la imprenta con la máxima
renuncia y una considerable dosis de temor.
Con esta declaración, cuyo carácter
solapadamente exculpatorio no pretendo
disimular, intento ponerme al abrigo de los
ataques de eruditos y estudiosos, si tal cosa
es posible, y, sobre todo, eludir las
comparaciones competitivas a que suelen
someterse las traducciones que cuentan con
precedentes ilustres. A esto se debe también
el que haya zanjado la disyuntiva prosaverso
a favor de la prosa, y el que haya
elegido un lenguaje funcional y neutro,
alejado por igual de los arcaísmos pseudoclásicos
que a menudo amenizan algunas
versiones desafortunadas de los clásicos (los
"hanme informado, señora, de vuestras
cuitas", etcétera, etcétera) y de los
coloquialismos, localismos y modernismos
con los que a veces se pretende dar carácter
contemporáneo a lo que por fortuna no lo
tiene. Quiero decir que he prescindido de
lo que el texto puede tener hoy de raro o
de idéntico y tratado de resaltar lo que tiene
de distinto y de reconocible. Mi ilusión
habría sido reproducir el eco de una voz
profundamente humana que nos habla
desde otra época y otras circunstancias; me
conformaría con haber dejado un texto
limpio y tranquilo.
En cuanto a la versión propiamente dicha,
he procurado ajustarme a lo que pienso de
la obra, esto es, lo que he esbozado en las
páginas que anteceden. Creo que El sueño
de una noche de verano no es una obra de
personajes, como pueden ser Hamlet, Otelo
o Macbeth, sino una obra de situaciones, en
la que los protagonistas (con la posible
salvedad de Helena, cuyo carácter presenta
una cierta complejidad) están al servicio de
la acción teatral y son más lo que
representan que lo que son. Sobre esta base,
no he tratado de marcar diferencias
idiomáticas entre unos y otros y sí agilizar
el lenguaje y supeditarlo a la trama.
Ya he dicho antes que la obra está erizada
de alusiones mitológicas, quizá familiares
al espectador del año 1600, pero difícilmente
identificables hoy. Ante esta eventualidad,
no he seguido un criterio único. En ciertos
casos no me he recatado de prescindir
brutalmente de estas alusiones (quien
conozca el original o una versión más fiel
al original buscará en vano en ésta a Corino
y Fílide o Perigenia. Egle, Ariadna y
Antiopa); en otros casos he sustituido la
alusión por el objeto aludido (la luna en
lugar de Hécate); en otros, t inalmente,
ninguna de estas operaciones me ha
parecido posible o conveniente y he dejado
las cosas como estaban, aun a costa de
inducir al lector o al oyente a confusión.
Me he permitido aportar a la obra un par
de fragmentos breves de mi propia cosecha.
El primero es la introducción que puse en
boca de Puck. Cuando lo escribí no sabía
cómo iba a ser la puesta en escena y temía
que resultara un poco brusco para el
espectador que no conociera la obra con
anterioridad encontrarse, en la Atenas
clásica y en vísperas de la boda de Teseo e
Hipólita apenas levantado el telón. El
segundo fragmento, que también
corresponde a Puck, aparece al inicio del
segundo acto, se refiere a los niños robados
de sus cunas por los duendes y es a la vez
una aclaración y una broma. La única
modificación sustancial al texto que he
osado acometer afecta al fmal mismo de la
obra, a la despedida de Puck. En ella
Shakespeare, como era habitual en su época
trataba de ganarse in extremis el favor del
público. Eso mismo intenta conseguir mi
alteración.
10 ARRIBA TELÓN I TEATRO
BOEING BOEING
UNA COMEDIA DE ALTOS VUELOS ATERRIZA EN EL CUVÁS
El último montaje de Producciones del Mar nos propone un enredo en clave de vodevil,
que muestra la corrosiva visión de Marc Camoletti sobre las relaciones de pareja
BOEING BOEING n
e:
de Marc Lacometti ."..
Dirección: Severiano Garcia
Días 2, 3 Y 5 de octubre (20.30 h.1
Día 4 de octubre (19.30 y 22.00 h.1
l'
Marc Camo1etti
Una disparatada comedia del popular
autor suizo afincado en Francia, Marc
Camoletti, recientemente fallecido, es la
apuesta de Producciones del Mar para la
presente temporada. La productora
canaria se ha decidido por coproducir
con el Cuyás, Boeing Boeing, una obra que
en 1965 Tony Curtis y Jerry Lewis llevaron
al cine, cuyo reparto integran los actores
Salvador Morales, Luifer Rodríguez, Yanet
Sierra, Blanca Rodríguez, Yanara Moreno
y Aída González. Con dirección de
Severiano García, la citada comedia
combina claves del vodevil moderno y se
ambienta en la ciudad de Las Palmas de
Gran Canaria de finales de la década de
los setenta.
La historia de Boeing Boeing encierra el
embuste de un arquitecto quien mantiene
un frívolo idilio con tres atractivas azafatas
de distintas líneas aéreas al mismo tiempo.
El ritmo frenético y desenfrenado
producirá infinidad de situaciones cómicas
a lo largo del montaje.
Mario Vega, gerente de Producciones del
Mar, advierte que Boeing Boeing "es una de
las obras que más veces ha sido representada
en la historia del teatro, con más de 20 mil
funciones sólo en Gran Bretaña y Francia,
en donde fue estrenada por primera vez en
1961". Tras conseguir los derechos en
exclusiva por dos años para los países del
área de habla hispana, Vega aspira ahora
con esta coproducción netamente canaria
de pequeño formato acceder al mercado
peninsular. La escenografía reproduce el
interior de un amplio apartamento de tres
niveles desde el que es posible divisar la
ciudad.
"La comedia es ligera, fresca y no tiene
pretensiones moralizantes, sino que llama
a la diversión. Cubre de alguna manera las
aspiraciones de un sector de público del
teatro que pertenece al ocio", dice Mario
Vega.
El embaucador Bernardo se ha instalado
en el enredo y se ha montado su propio
"
Coproducción del Teatro Cuyás
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17 14 12 8.50
1" Anfiteatro bajo 14 11 10 7
1" Anfiteatro alto 12 10 8 6
2do Anfiteatro 10 8 7 5
manual de supervivencia de altos vuelos
con las tres azafatas. Es capaz de mantener
una cita en la que mientras una llega, la otra
se marcha y la tercera se mantiene a la
expectativa. El liviano hilo que sujeta la
mentira se rompe, y como dice el refrán, se
coge antes a un mentiroso que a un cojo. Un
buen día las tres se presentan por sorpresa
a la vez en casa del arquitecto. Sólo Berta,
una interesada empleada de hogar, puede
salvar del aprieto a Bernardo, aunque a
cambio de un incremento de un 25 por
ciento de su sueldo.
De alguna manera, tras el corrosivo y
divertido texto de Boeing Boeing se
vislumbra subterráneamente algunos de
los imperecederos asuntos íntimos tanto
del hombre como la mujer: el miedo a la
soledad, la apariencia y la mentira, los
secretos de la convivencia en pareja sobre
la que nadie nos advirtió y que a veces
llevan a pensar ... ¿Mejor sola/o que mal
acompañada/o?
Marc Camoletti es autor, entre otros
trabajos de La buena Ana, Pobre Eduard,
El amor propio, El hombre desnudo, Dos
sobre el sofá, Felices mortales y BrigitteBrigitte,
que ha sido exitosamente
presentada por el Grupo de Teatro
Ardavazt de Los Angeles.
VISiÓN DE DIRECCiÓN
Después de la emocionante experiencia de LONGINA, Producciones del Mar, un equipo con el que me siento especialmente a gusto,
vuelve a contar conmigo, en esta coproducción con el Teatro Cuyás, para llevar a las tablas Boeing Boeing de Marc Camoletti. El
espectáculo es una comedia de enredo cuya carpintería teatral es un ejemplo maestro en este tipo de teatro, no en vano es una
de las obras más representadas en todo el mundo.
En un momento donde abundan espectáculos desde el punto de vista femenino, necesarios y enriquecedores para conocer mucho
más sobre esta eterna guerra de sexos, Camoletti nos propone, bajo una mirada claramente masculina, un juego hilarante, donde se
pone en tela de juicio esa fantasía infantil y común en los hombres; poseer muchas mujeres a la vez.
Es una buena ocasión para reírnos, mujeres y hombres, de nosotros mismos. La diversión está garantizada. I SEVJ!IUANoGAllClA
ii DESPEGAMOSH
Bernardo tiene cuatro compañeros de piso. ¡Tres muchachas magníficas ... y Roberto! Bernardo es un arquitecto que planea continuamente
por encima del amor. Comparte su apartamento con tres azafatas que desconocen la existencia de las otras, organizando su vida en
función de los horarios de las compañías aéreas en las que trabaja cada una de ellas. Veamos: María toca hoy; Mónica esta noche, y
Marlene, mañana. Pero ... ¿y Roberto? Cuando su compinche Roberto entra en esta casa de locos, la vida amorosa de Bernardo,
cuidadosamente programada, vuela hacia la catástrofe. Cuando las líneas aéreas se cruzan, comienzan las confusiones, los portazos y
tanto Roberto como Bernardo se convierten en el más disparatado dúo cómico del juego del amor. A todo esto no podemos olvidar a
Berta, una irónica sirvienta que está convencida que sus servicios en el apartamento no son del todo saludables. Abróchense los
cinturones, que vamos a despegar.
12 ARRI BA TELÓN . .
QUÉ ASCO DE AMOR
Qué asco de amor trata de un drama moderno escrito hace cuatro
años por la guionista de cine y televisión Yolanda García Serrano
que cuenta, en tono cómico, la historia de tres amigas que desde
su punto de vista nos plantearán distintas versiones del amor. El
texto de la autora de los guiones de series tan populares como A
las once en casa o Farmacia de guardia, y de películas como Entre
las piernas o Todos los hombres sois iguales (Premio Goya al Mejor
Guión Original), sirve a la productora canaria D.D Company &
Clap para montar su última gran coproducción teatral en la que
el Cuyás colabora junto a Socaem y el Ministerio de Educación,
Cultura y Deportes.
La acción del montaje que protagonizan las actrices Teté Delgado
(23 centímetros), Pino Luzardo (Pareja abierta y La mosca detrás de
la oreja) y Lili Quintana (Enredados, Mariquita aparece ahoga en
una cesta o Soy lo prohibido) discurre en la habitación de un hotel,
espacio en donde afloran los miedos, incertidumbres y deseos que
nunca antes han sido capaces de manifestar a los hombres con los
que han de compartir sus vidas. Según apunta Israel Reyes, el director
de esta nueva producción canaria que será estrenada con carácter
absoluto en el Teatro Cuyás, "no es una crítica hacia el género
masculino; como mucho, la obra supone un intento de poner sobre
el papel, y más tarde sobre el escenario, las opiniones de unos
personajes que necesitan ser amados, pero mucho más, de descubrir
su capacidad para el amor. Se analiza la institución del matrimonio
sin criminalizar la actitud masculina, porque igual que las tres
protagonistas son mujeres, podian haber sido igualmente hombres':
Qué asco de amor es una función estructurada en tres actos en
donde las transiciones se convierten en parte de la trama. Un
espacio limpio y funcional, cajas de luz, y ventanas abiertas a la
esperanza, constituyen la escenografía diseñada por Alfonso Barajas,
una de las incorporaciones notables -junto a Teté Delgado- que
esta coproducción canaria ha logrado añadir a su elenco. "Nuestras
novias se dejan llevar por sus fantasías y anhelos; nos hablarán de
la soledad y el dolor; desnudarán su amistad sobre la cama -la otra
gran protagonista del montaje- para vestir de blanco sus deseos':
añade Reyes. "La cama opera como una metáfora y escenario de
la vida, del amor y del sexo':
"Las protagonistas caerán en el juego de la ensoñación y arrastrarán
al espectador a ese espacio donde los deseos se confunden con la
realidad. Despertar con ellas y enfrentarnos a su día de boda es el
viaje que nos propone Yolanda García Serrano': prosigue el director.
La música será el nexo que trasladará al espectador en el tiempo
y le llevará al dormitorio de cada una de las protagonistas. Piezas
de Cote Porter, Sinatra y Beatles, entre otros clásicos, han sido
adaptados por el brasileño David Tavares.
"La comedia está diseñada para la mayoría de espectadores, porque
habla coloquialmente del eterno argumento del amor y del egoísmo':
concluye Israel Reyes.
De arriba a abajo. Pino Luzardo. Teté Delgado y Lili Quintana. Fotos. Miguel Angel Hernández
¿QUEDA ESPACIO PARA LA ESPERANZA?
Tres mujeres ponen al descubierto en una habitación de hotel su
opinión sobre los tres hombres con los que van a compartir sus
vidas. Nada es lo que parece porque los sentimientos nunca son
lo que nos gustaría. De hecho, el tiempo transcurrido entre las
bodas de cada una de ellas, les demuestra que sus expectativas no
se han cumplido. La conclusión a la que llegan las tres protagonistas
es que el amor es un asco, pero no por ello menos digno de ser un
sentimiento capaz de convertirse en protagonista de sus respectivas
vidas.
UNA AUTORA ATENTA A LO ACTUAL
Yolanda García Serrano se ha convertido en los últimos años en
una de las guionistas españolas más solicitadas en el ámbito del
teatro y la televisión. Tras sus primeras incursiones escénicas
formuladas alrededor del teatro infantil, de la mano de Jesús
Campos, empieza a escribir para los adultos. Entre sus textos
estrenados cabe destacar La llamada es del todo inadecuada, Pasos
en el tejado o A la espera, entre otros. Ha participado en series de
televisión como Eva y Adán, agencia matrimonial, Farmacia de
guardia, Todos los hombres sois iguales, A las once en casa, e
intervenido en guiones de películas como Por qué lo llaman amor
cuando quieren decir sexo, El amor perjudica seriamente la salud,
Entre las piernas y Desafinado. Además, ha escrito y codirigido los
largometrajes Amor de hombre y Km O, ambos premiados en los
festivales de Miami y Turín. Sus últimos textos teatrales son Qué
asco de amor y Criaturas. Es autora de cuatro novelas, la última de
ellas De qué va eso del amor, con la que obtuvo el Premio DestinoGuión
en 2001.
NADIE PUEDE PRESCINDIR DE LA
MAYONESA
Un texto como el de Yolanda García Serrano nos obliga a seguir
creyendo en el teatro, en la comedia, un género maldito para
unos y fundamental para muchos otros. Esta es una comedia
directa y sencilla, donde tres personajes llenos de ternura, miran
con ilusión su futuro inmediato. Tres mujeres vestidas de novias,
sarcásticas, que reflexionan a la vez que se convierten en victimas
de sí mismas. El amor es una asco, pero la amistad está por encima
de eso ... y estas tres mujeres que se dicen verdades como puños
o como puñales, seguirán siendo amigas pase lo que pase, y se
enamoren de quien se enamoren. Jardiel Pon cela dijo: "El amor
es como la mayonesa: cuando se corta hay que tirarla y empezar
otra nuevá' Pero a pesar de todo lo que sabemos, de lo que nos
cuentan, de lo que leemos o vemos, nadie puede prescindir de la
14 ARRIBA TELÓN / DANZA HOY
CORPORIS/CLUSTER 11
Negar nuestra humanidad para ser más conscientes de eLLa
Ventura Dance Company presenta una coreografía audiovisual
para seis bailarines basada en un ordenador
Tras su actuación en 2001 vuelve el bailarín laboratorio como un terrario donde se está
y coreógrafo canario Pablo Ventura al
Teatro Cuyás, para presentarnos la segunda
parte de una pieza de danza audiovisual
hecha con la ayuda de un programa de
ordenador para seis bailarínes denominada
De Humani Corporis Fabrica, cuyo título
toma prestado del famoso libro de
anatomía de Andreas Vesalius, De Humani
Corporis Fabrica Libri Septem, uno de los
grandes documentos del Renacimiento y
el primer gran libro de ciencia moderna.
Vesallius visualizó por primera vez la
verdadera estructura del cuerpo humano
y revolucionó con ello la ciencia anatómica.
"Buena parte de mis últimos trabajos han
explorado la relación entre el hombre y la
máquina con el cuerpo humano como
protagonista. En otras palabras, el cuerpo
conjunto, en un espacio exterior o
macro campo. De Humani, Corporis y
Fabrica integran la estructura y las
funciones al concebir todo el trabajo como
un cuerpo activo que comprende mecánica
del cuerpo, sonidos y vídeos", señala
Ventura.
En una era donde la íngeniería genética ha
logrado reproducir un homólogo genético
y mutar organismos, el ADN, la molécula
esencial que contiene el código para la
transmisión de los genes de cada organismo
viviente, jugará un papel conceptual en la
creación de Corporis. En este sentido, Pablo
Ventura ha intentado formular una crítica,
retratando el cuerpo como un ser creado
artificialmente en un laboratorio (con un
vestuario creado para este propósito con
protuberancias de goma). "Represento este
realizando un experimento y en el que en
lugar de reptiles, el cuerpo humano está en
exposición como un ser sensitivo,
biomecánico, en el medio ambiente donde
habita", explica el bailarín.
Con referencias obvias a la inseminación
artificial e ingeniería genética, los
movimientos de la coreografía diseñada
han sido creados utilizando el programa
de ordenador Life Forms 3.5. haciendo
incorpóreo el cuerpo humano.
"Convirtiéndolo en un ser virtual, he
segmentado el cuerpo virtual en varias
partes y lo he sometido a varios procesos
de transformación permitiéndome
mezclar y remezclar movimientos de
segmentos del cuerpo para crear otros
nuevos. Estos a su vez toman vida por
medio de la interpretación hecha por
bailarines reales de estos movimientos
desarrollados en ordenador", añade
Ventura.
Como en precedentes entregas coreográficas
del canario, el diseño del escenario explota
las posibilidades del video. Los contenidos
de los materiales videográficos harán
referencia, por un lado, a la composición
anatómica humana, utilizando imágenes
tomadas del ínterior del cuerpo (estómagos,
pulmones, sangre, células, etc.) y, por otro
lado, al medio ambiente donde vivimos, el
planeta tierra (paisajes, nubes, mares, etc.).
"La puesta en escena de Corporis seguirá
por lo tanto un clara línea hiperrealista que
contrasta con la naturaleza abstracta de la
danza en sí", apunta el bailarín.
CORPORIS
Ventura Dance Company
Día 16 de octubre
(20.30 h.J
Única función
Coproducción del Teatro Cuyás
Precios en euros Único
Patio de butacas 12
1" Anfiteatro bajo 12
1" Anfiteatro alto 12
2" Anfiteatro 12
VENTURA DANCE COMPANY,
UN IRRITANTE SOPLO
DE FUTURISMO
Ventura Dance Company fue fundada en
Londres en 1986 por el coreógrafo y bailarín
Pablo Ventura (Gran Canaria, 1959),junto
a la bailarina suiza Arlette Kuntz. Dos años
más tarde, la compañía se traslada
a Madrid, y en 1993 a Zurich.
Hasta el momento, la compañía
ha presentado veinte trabajos
coreográficos y cuatro vídeos
de baile en escena. Desde
1996, Ventura viene
interesándose por las
nuevas posibilidades de
expresión en la danza.
En una rápida
sucesión, crea Deus
et Machina (1997),
Madgod (1999),
Madgod 2001
(2000), Zone
(2001),
Con la colaboraci6n de:
astadt zürich
STANLEY 1lfOMAS
jOHNSON STIFruNG
PR.e ,H ELVET I I\
..... Councll o, Swttzertand
De Humani (2002) y Corporis/Cluster 11
(2003). El propósito de las propuestas
coreográficas del bailarín es reflejar la
condición humana en la era postmoderna.
En esa atmósfera es donde el cuerpo debe
intentar nuevos movimientos y causar un
irritante soplo de futurismo.
En 1999 la compañía recibe e! premio de la
ciudad de Zurich por su labor en la
investigación de la danza y nuevos medios
y como reconocimiento a su labor
desempeñada en Zurich. En el festival
Cynet-Art de Dresden, Madgod obtiene un
premio y es mencionada como una
"producción innovadora"en e! anuario de
2001 de! Ballet Internacional Tanz Aktuell.
En e! año 2001, la compañía gana el premio
al mejor espectáculo creado por ordenador
en Cynet-art. En e! 2002 obtiene el premio
Kanton Zurich en la sección de danza "como
reconocimiento a sus méritos en la
investigación de la danza y estética y por
su coreografía innovadora': Ventura Dance
Company cuenta con e! apoyo generoso de
numerosos organismos de Suiza como e!
Prasidialdepartement de la ciudad de
Zurich, Pro Helvetia, Fachstelle Kultur
Cantón y Migros Kulturprozent, entre otros.
PABLO VENTURA,
INVESTIGADOR DE
LA DANZA Y
LA TECNOLOGíA
El bailarín canario Pablo Ventura estudia
danza en la London Contemporary Dance
School, donde se gradúa en 1985, momento
en el que comienza a interpretar como
bailarín, haciendo su debut como
coreógrafo poco después. Como bailarín
aparece en coreografías de José Limón,
Vila Farber, Siobham Davies y Kim
Brandstrup, siendo miembro fundador de
Arc Dance Company en Londres. Otros
compromisos incluyen Second Stride
Dance Company en Londres, Triveny
Dance Company, Londres, Málaga Danza
Teatro, Opera de Covent Garden y Zürcher
Ballet.
En 1986, Pablo Ventura se convierte en
coreógrafo residente de The Place Theatre
en Londres y en el mismo año funda Ventura
Dance Company, compañía para la cual,
hasta la fecha, ha creado 20 coreografías y 4
vídeos de danza. Otros trabajos incluye
coreografías para óperas contemporáneas,
teatro musical, películas y videos.
En 1996 comienza a trabaj ar con el
programa de ordenador Life Forms y
aparecen cinco coreografías, que utilizan
las posibilidades de la tecnología moderna.
Los trabajos desarrollan una zona de tirantez
entre los medios tradicionales de danza y
la expresión de la danza creada por
ordenador. Hablan de la relación entre e!
hombre y la máquina. Pablo Ventura ha
dado conferencias sobre sus experiencias
en la investigación de la danza y la
tecnología en Volgograd, Dresden, Dessau,
Düsse!ford, Lausanne, Aarhus y Las Palmas
de Gran Canaria .
16 ARRIBA TELÓN / TEATRO
CONFESIONES DE ZENO
William Kentridge nos propone un teatro muLtimedia
a medio camino entre eL naturalismo y eL simbolismo
El montaje basado en la novela homónima de culto de Italo Svevo, combina marionetas,
cantantes, actores, un cuarteto de cuerda y proyecciones de vídeo
Confesiones de Zeno es una pieza de teatro
multimedia que combina el trabajo actoral
con un cuarteto de cuerda y la manipulación
de marionetas con la proyección de recursos
videográficos, entre otras propuestas. Basada
en la novela homónima de culto escrita en
1923 por el autor modernista italiano Italo
Svevo, fue la primera novela en la que el
psicoanálisis freudiano ocupó un lugar
central en la trama. Esta producción
internacional impulsada por la Handspring
Puppet Company de la república de
Sudáfrica, el Art Bureau y la Schauspiel
Frankfurt, ambas de Alemania, explora los
mundos del trabajo y el placer erótico,
sustento de la vida de la burguesía europea
moderna en los años previos al estallido de
la Primera Guerra Mundial.
El personaje principal (el Zeno del título),
recuerda los grandes momentos de
indecisión e irresolución que han marcado
su vida y que han situado en el lugar que
les corresponde, a las relaciones no resueltas
con su padre, su mujer y su amante. A través
de la suave y burlesca voz de la ironía sobre
uno mismo, esta pieza se formula como una
elegía a una generación que estaba
conformándose con los límites del
autoconocimiento. La confluencia artística
y el ingenio del artista, cineasta y director
William Kentridge, el compositor Kevin
Volans, la escritora Jane Taylor (autora de
la versión escénica) y la Handspring Puppet
Company, desembocan en este proyecto
innovador que explora campos visuales de
manera radicalmente contemporánea, al
tiempo que mantiene una gran riqueza
evocadora del impacto de los primeros
modernistas sobre la conciencia victoriana.
Las Confesiones de Zeno que podremos
disfrutar en el Teatro Cuyás, versión
ampliada de Zeno at 4am, que fue
representada en Bruselas, Francia y EE.UU
hace dos años, cuenta con dos nuevos
personajes, dos sopranos que interpretan
los papeles de la mujer y la amante de Zeno.
Escrita en primera persona para un actor
(Dawid Minnaar), tres cantantes, un
cuarteto de cuerda y marionetas, según la
escritora Jane Taylor, "la estructura del
montaje sigue el dictado de un monólogo
dramático con la acción enmarcada como
reconstrucción, de alguna manera en la
lógica de la rememoración terapéutica de
un sueño. Resulta a veces teatro naturalista
y otras veces un sueño simbolista". Para
Taylor "el poder de la pieza recae en la
interacción entre el personaje individual,
el actor y los elementos antinaturalistas que
invaden el mundo naturalizado de una
acción burguesa':
Kevin Volans ha inventado un espacio
sonoro característico y estimulante en el
que se resuelven los elementos
contradictorios y diferentes que abordan la
subjetividad psicológica del individuo
burgués. También las marionetas de
Handspring, que manipulan cinco personas,
aúnan un movimiento naturalista con una
forma surrealista.
CONSTRUIR UNA IMAGEN CINEMATOGRÁFICA
La idea motriz de Confesiones de Zeno es la construcción de una
imagen cinematográfica en directo. Un cuarteto de cuerda acompaña
la acción y la proyección, como marcó la tradición en la época del
cine mudo. William Kentridge, el director del concepto y la
animación, así como el diseñador de las marionetas del montaje,
ha ubicado una pantalla de proyección en el centro de la escena.
A un lado, en ángulo oblicuo, se produce la representación de las
sombras y siluetas que conforman la imagen cinematográfica. La
extraña dicotomía de las rotundas imágenes proyectadas, contrasta
con las delicadas y efímeras figuras de papel cortado manipuladas
a mano, con sus formas y movimientos ligeros. Kentridge trabaja
en Johannesburgo la animación a carboncillo, la escultura, la
dirección escénica y el grabado. Sus trabajos se han exhibido en
las Documentas X y XI de Kassel (Alemania), el Museo de Arte de
Nueva York y la Tate Gallery de Londres.
MÚSICA AUTOCONTENIDA Y ECLÉCTICA
Mientras que la música en la primera parte del montaje se podría
definir como autocontenida, en la segunda es ecléctica. Hace
referencia a otras partituras que ha escrito el compositor de
origen sudafricano y nacionalidad irlandesa, Kevin Volans, así
como a otras fuentes de procedencias más exóticas. Las piezas y
variaciones musicales proceden de étnias y tribus de orígenes
remotos, como las que integran el Cuarteto de las cuatro hermanas,
o el aria de Carla, basada rítmicamente en los pasos del baile del
estilo hindú baratha natyam, compuesto por el renombrado
coreógrafo británico Shobana Jeyasingh, lo que la convierte en
una pieza vocal extremadamente compleja y virtuosa. Los
cantantes del montaje son Lwazi Ncube (soprano), Pumeza
Matshikiza (soprano) y Otto Maidi (bajo).
TEATRO DE MARIONETAS PARA ADULTOS
Handspring Puppet Company surgió en Ciudad del Cabo en 1981
de la mano de Basil Jones y Adrian Kohler, centrando
originariamente su propuesta en obras de teatro sudafricanas para
niños. Episodes of an Easter Rising (1985) marca el inicio de una
nueva etapa de esta compañía, que acoge artística y profesionalmente
a un grupo de actores, diseñadores, profesionales vinculados al
teatro y técnicos que colaboran con ella de acuerdo a cada nuevo
proyecto. Starbrites (1991) fue su primer gran éxito, tras el que se
formalizó la colaboración con Kentridge, con quien producen
Woyzeck on the highveld. Desde entonces los proyectos no han
cesado, así como las técnicas de manipulación y acabados de las
marionetas exhibidas en cada espectáculo en el que además incluyen
elementos y soportes multimedias. Tooth and Nail, The Chimp
Project, y Confessions of Zeno son un claro ejemplo de la brillante
progresión de esta compañía de prestigio internacional.
CONFESIONES DE ZENO
de Italo Svevo
Dirección :William Kentridge
Días 18 y 19 de octubre (20.30 h.1
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 22 18 15 11
1" Anfiteatro bajo 18 14 13 9
1" Anfiteatro alto 15 12 10.50 7.50
2'0 Anfiteatro 12 10 8 6
Pedagogía alrededor del devenir del teatro occidental
La compañía Profetas de Mueble Bar propone un viaje a los escolares por la esencia y
las claves del teatro, desde sus remotos orígenes en la Grecia clásica a la Comedia del Arte
A lo lago de los siglos han existido dos
culturas teatrales: la cultura del texto y la
cultura de la escena. Formas que han crecido
en paralelo, con ritmos y estructuras
distintas ignorándose frecuentemente,
a~nque a veces convergen en un resultado
que ha dado origen a las manifestaciones
teatrales que hoy forman parte de la historia.
El último montaje de la compañía canaria
Profetas de Mueble Bar, Historia de las
tablas, pretende acercar al público escolar
fundamentalmente, desde una perspectiva
pedagógica, al devenir histórico del teatro
occidental mediante un recorrido por su
esencia, origen y evolución. La propia
historia se articula como esquema
dramático para el desarrollo argumental y
estético del montaje del grupo que integran
Carmelo Alcántara, Fernando Navas y Juan
Ramón Pérez.
En una primera entrega los Profetas han
optado por desarrollar su montaje alrededor
de un viaje que va desde el teatro griego a
la comedia del arte italiana. Uno de los
objetivos primordiales del espectáculo que
tendrá lugar en el Cuyás a partir de
funciones concertadas con distintos centros
escolares de Gran Canaria, "es que el
espectador perciba cómo el teatro ha sido
un fenómeno artístico muy imbricado con
los tiempos; un arte muy cercano a las
vivencias personales y sociales de las gentes
y los pueblos; que el teatro es el arte de la
vida, que la representa de una forma
condensada, a veces de una manera trágica,
otras cómica, para contarnos, en definitiva,
cómo somos o por qué somos': explican los
miembros de Profetas de Mueble Bar.
El hecho de trabajar con las formas teatrales
ha obligado a la citada compañía a concebir
un espectáculo lúdico, festivo, de
celebración, en el que el uso de las máscaras,
los vestuarios y los textos, buscan la belleza,
el entretenimiento, la emoción y el
pensamiento. El espacio funciona como una
imagen metafórica del propio título de la
obra, en la que se emplean, entre otros,
textos originales de Las Bacantes, de
Eurípedes, El soldado fanfarrón, de Plauto
y El misterio de las Vírgenes Locas y
Prudentes. El elenco de actores que figuran
en el reparto de la obra se completa con los
nombres de José Damián, Silvia Johnson,
Luis Monzón, EIsa Plans, Cristo Quintana,
Enrique Román, José Luis Rubio y Rubén
Sobrino, todos ellos seleccionados en el
transcurso de un casting organizado por la
propia compañía.
La compañía ha elaborado como
complemento a su montaje Historia de las
tablas, un cuadernillo guía destinado a
profesores y alumnos, a modo de
herramienta de trabajo para utilizarlo en
las aulas tras la representación de la obra.
"Como tal propuesta sobre la historia del
teatro, su línea interna busca la fácil
comprensión de los hechos reseñados, sin
perseguir un tratamiento arqueológico ni
literario de los mismos", advierte Profetas
de Mueble Bar. Quizás sea porque como
señalan estos veteranos actores de la escena
canaria, "el teatro es la más humana de las
artes, porque su materia es la gente y su
esencia el conflicto: el momento en que
alguien se enfrenta a una situación en la
que inexorablemente ha de tomar una
decisión':
HISTORIA DE LAS TABLAS
Profetas de Mueble Bar
Funciones concertadas
Días 27, 28 Y 29 de octubre
.n. .;.
1
HACER REAL UN MUNDO ARTIFICIAL
Profetas de Mueble Bar
El punto de partida del teatro es la representación religiosa. Existe la palabra que se quiere
transmitir a la colectividad y para ello el transmisor se vale de un ritmo o liturgia que
reproduce invariablemente un mensaje en forma de metáfora o de alegoría y tanto uno
como otro precisan: un escenario, oficiantes (actores), un texto y unos espectadores que
escuchan, ven y participan. Cuando aparece el oficiante, que responde al dios, y que recibe
el nombre de Hypocrités, acaba de aparecer el actor, elemento esencial del drama. Alguien
que se transforma.
El actor que interpreta a Otelo sabe que no es Otelo; la actriz que interpreta a Ofelia
sabe que no morirá. El público, ¿ve a una actriz o ve a Ofelia? El hecho milagroso es
que ve a Ofelia, que la ve porque está allí, porque ha ido a verla a ella. ¿Mentira?
¿Falsedad? Convención. No se pide al actor que ha de ser verdadero el veneno que traga
en su copa mortal; puede beber agua, o tener la copa vacía, pues no es él quien se
envenena. Lo único que se pide al actor -y ya es bastante- es que haga real un mundo
artificial.
RECORRIDO HISTÓRICO
Los orígenes del teatro occidental se sitúan en Grecia, en las fiestas dedicadas al dios
Dionisios, conocidas como Dionisiacas. La Historia de las tablas arranca en el profundo
sentido religioso del teatro griego que buscaba la mimesis y la purificación catártica.
Profetas prosigue con el periodo clásico, que subdivide en romano y griego, acercando al
público en su montaje a los conceptos de comedia y tragedia. Si para los griegos el teatro
era rito, para los romanos era fiesta. Nace en esta época la figura del empresario y la del
teatro estatal. Un fenómeno interesante de las artes latinas fue la altura alcanzada por la
literatura ensayística, narrativa o poética, y el escaso relieve de las producciones dramáticas.
El teatro entra, con la marejada del poder temporal de la Iglesia, el derrumbe del imperio
romano y el retroceso de la barbarie de las invasiones germánicas, en su largo túnel
medieval. Con la llegada de la comedia el teatro pierde su carácter sagrado. Dieciocho
siglos después de que el teatro naciera en Grecia a partir de ceremonias religiosas, la
conmemoración ritual de la vida de Jesús resucita el drama en la Edad Media, punto y
final de la travesía didáctica del montaje.
20 ARRIBA TELÓN / DANZA HOY
BALLET DE LA ÓPERA DE LEIPllG
DANZA A IMAGEN Y SEMEJANZA DE UWE SCHOLZ
La compañía alemana presenta en el Cuyás dos coreografías inspiradas en la Sinfonía número
7 de Beethoven y el Tercer Movimiento de la Octava de Bruckner
BALLET DE LA ÓPERA DE LEIPZIG
Dirección: Uwe SchoLz
Sinfonía nO 7 de Beethoven y Sinfonía
A los 26 años fue coreógrafo jefe del Teatro
de la Ópera de Zurich, y hasta 1991 dirigió
el ballet de esta ciudad, año en el que pasó
a desempeñar la misma función en el Ballet
de Leipzig. Durante sus muchos años como
coreógrafo Scholz ha creado un repertorio
de más de cien ballets. Su repertorio musical,
sin olvidar a sus compositores favoritos
(Mozart, Wagner y Stravinsky), abarca desde
el barroco a colaboraciones con
compositores modernos como Udo
Zimmermann y Pierre Boulez.
nO 8. tercer movimiento. de Bruckner
Una de las líneas de la oferta artística que
el Teatro Cuyás ha desarrollado desde sus
inicios como espacio escénico, ha sido la de
ofrecer al público las recientes producciones
y espectáculos de las más notables e
importantes compañías europeas. La calidad
y dimensión de los montajes programados
hasta la fecha han venido respondiendo a
ese espíritu de acercar a la isla las novedosas
y pujantes propuestas que en el ámbito de
la danza tienen lugar en los principales
recintos escénicos en los que se expresa la
modernidad y sus sorprendentes variantes.
En ese contexto llega el Ballet de Leipzig y
su director, Uwe Scholz, con un programa
excelente dedicado a la Séptima de
Beethoven y la Octava Sinfonía de Bruckner.
Uwe Scholz nació en 1958 en Essen,
Alemania Central. A los seis años ingresó
en el Landestheater de Darmastadt y en
1973, ingresó en la Escuela de Ballet del
Teatro del Estado de Württemberg en
Stuttgart. Seis años más tarde, Marcia Haydée
encarga a Scholz diversas coreografías, y en
1980, se retiró de los escenarios como
bailarín para ocupar en 1982 la plaza de
primer coreógrafo residente del Ballet de
Stuttgart desde la muerte de John Cranko.
Su talento como coreógrafo es apreciado en
todo el mundo, como muestran sus
propuestas creadas para la Óera de Viena,
la Scala de Milán, el Ballet de Stuttgart en
varias ocasiones, los Ballets de Montecarlo,
el Nederlands Dans Theater de Jiri Kylians,
entre otros. Además de su trabajo
meramente coreográfico, Uwe Scholz ha
logrado acumular una gran experiencia en
producción junto a Lovro von Matacic y
Hans Neuenfels, y en la dirección teatral
con Hansgünther Heyme.
La visión de Uwe Scholz acerca de la
interpretación ideal de la danza no se limita
a un simple logro de la perfección en
términos de danza, porque él está interesado
más bien en la habilidad de los bailarines
para transmitir una idea a través del lenguaje
corporal. Scholz se ha entregado en cuerpo
y alma a esta idea, como director artístico
y como coreógrafo jefe, y ha creado para su
compañía un repertorio multiforme que
presenta de continuo nuevos retos para sus
más de 50 bailarines. Con una pieza clásica
como La bella durmiente, la Sinfonía Clásica
del ballet de Leipzig o The Great Mass, Scholz
ofrece tanto a su troupe como al público una
especie de ballet teatro eternamente
cambiante. Desde el punto de vista estilístico
se coloca con frecuencia a Scholz en la
categoría de neoclásico, aún cuando sus
coreografías presentan también
continuamente elementos que varían desde
la danza clásica hasta la danza-teatro.
Días 31 de octubre y 1
de noviembre (20.30 h.1
Día 2 de noviembre (19.00 h.1
Precios en euros IniciaL T. Verde T. AzuL
Patio de butacas 24 19 17
1" Anfiteatro bajo 21 17 15
1" Anfiteatro aLto 18 14 13
2" Anfiteatro 15 12 10.50
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T. BLanca
12
10.50
9
7.50
UNA REPUTADA TRADICiÓN
El Ballet de Leipzig es una de las pocas compañías grandes del
Ballet Alemán, con más de 50 bailarines procedentes de más de
20 países distintos. Poco después de que Uwe Scholz se hiciese
cargo de la compañía de ballet de la Opera de Leipzig en 1991, él
bautizó a la compañía como Leipziger Ballet, es decir, el Ballet de
Leipzig, y desde entonces este nombre está estrechamente ligado
al estilo específico coreográfico de Scholz, así como a la gran
tradición de la ciudad en música sinfónica. Desde que Uwe Scholz
comenzó a trabajar en Leipzig, muchas de sus obras conectan con
el amplio abanico de compositores que pasaron por Leipzig o
hicieron de Leipzig su lugar de trabajo, tales como Richard Wagner,
Juan Sebastián Bach o Félix Mendelssohn. Si bien la danza en
Leipzig ha tenido siempre una larga tradición, nunca en esta ciudad
ha sido tan importante el ballet como lo es ahora con Uwe Scholz
yel Ballet de Leipzig. Desde 1997 Scholz ocupa el puesto de
Director Artístico de la Escuela del Ballet de la Opera de Leipzig.
EL MISTERIO DE LA OCTAVA DE BRUCKNER
La octava sinfonía de Bruckner, de cuyo final el compositor pensaba
que sólo estaba destinado a "tiempos ulteriores, y a un círculo de
amigos y de entendidos" será considerada como "la coronación
de la música del siglo XIX": premonitoria en su lenguage musical,
que anuncia los grandes trastornos que sacudieron el mundo
después de este siglo. ¿Se percibían, en aquellos tiempos de
optimismo general en el progreso, las catástrofes escondidas en
las profundidades de la obra? Bruckner también afirmó: "Mi Octava
es un misterio; la esfera contemplativa del adaggio contiene el
mundo de sublimación de los impulsos de Tristán, y sobre todo,
el dominio de lo sagrado:' Los significados semánticos de la música
son la prueba. A la cuestión de, en qué medida las declaraciones
de Bruckner han influenciado en su concepción de la traducción
coreográfica de la sinfonía, Uwe Scholz responde: "Todo esto tiene
naturalmente una influencia sobre la composición ulterior. Pero
no insistan más en ello. Sería, una vez más, incomprendido y mal
interpretado, y Bruckner no se lo merece. Espero poder llegar a
Bruckner en su singularidad. Ni más, ni menos".
LA APOTEOSIS DE LA DANZA
"Esta sinfonía es la apoteosis de la danza misma". La célebre
declaración de Richard Wagner ha consagrado la sinfonía en
la-mayor, op.92 de Beethoven como "la apoteosis de la danza"
y, por otra parte, ha atraído la atención por su determinante
carácter rítmico. Esta fórmula ha dado lugar a numerosas
ambigüedades pero no se puede imaginar una comparación
más justa. Es importante tener presente que el término "danza"
es aquí considerado en un sentido dionisíaco, como la mayor
realización del hombre, de su belleza, de su alegría de vivir y
de su energía. La obra fue creada en 1812, en la época en que
Napoleón consiguió sus más grandes victorias y cuando la
mitad de Europa estaba bajo su poder. Apareció en una época
sacudida de grandes problemas, como una visión del último
triunfo de la libertad. Su estreno, en diciembre de 1813, algunas
semanas después de la batalla de las naciones de Leipzig, fue
acogido con entusiastas aplausos. Beethoven abre su alma
sinceramente y sin rodeos. Se puede seguir maravillosamente
las imágenes de su mundo interior, la estructura musical
comunica con claridad el mensaje dramático a pesar de las
diferentes interpretaciones. Pero la puesta en imagen de este
mensaje evoluciona según Scholz y cambia con nuestro propio
saber y sensibilidad, y esto conlleva transformaciones de la
coreografía, y arreglos escenográficos que también afectan a la
iluminación.
22 AVANCE / NOVIEMBRE-DICIEMBRE
NOVIEMBRE-DICIEMBRE
BALLET DE LA ÓPERA DE LEIPZIG
Danza Hoy
Días 1 y 2 de noviembre
Mayumana L'Art de la fuite
Un programa de coreografías basado en la sinfonía que Wagner consideró como "la apoteosis de la danza mismá' -la na 7 de Beethoven,
y en el tercer movimiento de la Sinfonía na 8 de Brucker, constituyen la base del repertorio que el Ballet de la Ópera de Leipzig, una
de la compañías más prestigiosas de Europa, ofrecerá en el Cuyás bajo la dirección de Uwe Scholz.
LART D E LA FU ITE
El Ojo de la Faraona
Danza Hoy
Día 9 de noviembre
La segunda creación del proyecto REGUG-collective que dirige el bailarín y coreógrafo sueco, Rasmus Olme, se articula como una
pieza de teatro-danza que trata sobre nuestro mecanismo de defensa, la huida. Intervienen en este montaje los bailarines Gemma
Higginbotham, Juan Benítez, Rasmus Olme, Harold Henning y Matilde Demarez.
MAYUMANA
Del 26 al 30 de noviembre
Llega al Cuyás la fiesta del ritmo, la música y el baile. La compañía israelí que ha roto todos los registros de público en las salas y teatro
del mundo en las que ha presentado su espectacular y cuidadísimo montaje, no dejará indiferente a nadíe. Humor inteligente, multitalento
de sus díez integrantes, danza urbana y visual, derroche de potencia y flexibilidad técnica y corporal, vestuario y escenografia desenfadada ...
¿Alguien se atreve a pedir más? ¡Compra ya tu entrada o te estarás arrepintiendo toda tu vida!
YO ME BAJO EN LA PRÓXIMA, ¿Y USTED? de Adolfo Marsillach
Días 4, 5 Y 6 de diciembre
Con dirección de Francisco Vidal, el Teatro Cuyás presenta la última versión de esta obra realizada y adaptada por Adolfo Marsillach,
con Pedro Osinaga y Mélida Molina.
SAINETES LíRICOS
Ensemble de Madrid
Días 7 y 8 de Diciembre
La compañía Ensemble de Madrid ofrece una dívertidísima representación en cuyo programa incluye tres sainetes picarescos de Barbieri,
uno de los creadores más decisivos de la intrahistoria musical española. Estos son, El hombre es débil, Los dos ciegos y El niño.
DANZA MACABRA de Strindberg
Días 12, 13 Y 14 de diciembre
Con dirección de Mercedes Lezcano el Cuyás presenta esta gran obra de un autor excepcional y de extraordinario talento del teatro
universal. Danza Macabra muestra de forma demoledora la farsa de la vida conyugal a través de un texto expresionista y de humor
sarcástico.
TEATRO INFANTIL
3 Andersen 3 - Profetas de Mueble Bar
Del 20 al 30 de diciembre - Patio Exterior
La compañía Profetas de Mueble Bar propone a los más pequeños en las señaladas fechas de Navidad, tres célebres historias del escrito
danés Hans Christian Andersen. En la carpa instalada en el patio exterior del Cuyás tendrán lugar dos pases diarios. Precio: 1 euro.
LA PÁGINA DEL CUVÁS 23
TARJETAS DEL TEATRO
Tarjeta Blanca
Para ser titular de la Tarjeta
Blanca es necesario acreditar
que es usted jubilado o
pensionista mayor de 65 años
y que sus ingresos mensuales
no son superiores al salario
mínimo interprofesional
(451,20 euros). La Tarjeta
Blanca supone un descuento
aproximado del 50 % sobre la
tarifa inicial.
OTROS DESCUENTOS
Tarjeta Azul
Para ser titular de la Tarjeta
Azul es necesario comprar un
mínimo de 10 entradas simultáneamente,
para diferentes
espectáculos. Inmediatamente
se beneficiará de un descuento
aproximado del 30% Y recibirá
una tarjeta personal que le
permitirá adquirir posteriormente
entradas con el mismo
tipo de descuento.
Tarjeta Verde
Para ser titular de la Tarjeta
Verde es necesario comprar
simultáneamente un mínimo
de cinco entradas para cinco
espectáculos diferentes. Inmediatamente
se beneficiará de un
descuento aproximado del 20 %
con respecto a la tarifa inicial
y recibirá una tarjeta, personal
e intrasferible, que le permitirá
adquirir entradas con el mismo
descuento a lo largo de la
temporada vigente.
Las condiciones de uso de
las tarjetas son las siguientes:
Tienen carácter personal e intransferible;
su vigencia es anual (de
temporada en temporada); deberán
mostrarse en la taquilla en el
momento de efectuar la adquisición
de las entradas junto con el DNI, y
podrán ser solicitadas en la entrada
de los espectáculos. El teatro se
reserva el derecho a modificar los
porcentajes de estos descuentos y a
presentar espectáculos no sujetos a
éstos. Los descuentos serán aplicados
en el momento de efectuarse la
compra; en ningún caso después de
haberse emitido la entrada. No se
admitirán cambios ni devoluciones de
las entradas.
Carné Joven Euro 26 Desempleados Carné Universitario Precios de grupos Jubilados y
pensionistas
Presentando el carné mayores de 65 años
joven Euro 26 junto con
el DNI, se aplicará un
descuento aproximado
del 30 % sobre la tarifa
inicial.
Presentando el DNI
junto con la tarjeta de
desempleo de la ACE, se
aplicará un descuento
aproximado del 30%
sobre la tarifa inicial.
MÁS INFORMACiÓN
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Presentando el Carné de
Estudiante Universitario
de la ULPG,junto con el
DNI, se aplicará un
descuento aproximado
del 30% sobre la tarifa
inicial.
Existen condiciones
especiales para grupos
concertados a partir de
14 personas.
Presentando el DNI se
les aplicará un descuento
aproximado del 20%
sobre la tarifa inicial.
Si desea más información,
llame al teléfono
928432 180 [oficinasl Venta telefónica de entradas:
902405504
Taquilla del Teatro Cuyás
Horario de atención al público:
de 11.30 a 13.30 h. Y
de 17.00 a 20.30 h. www.teatrocuyas.com Tel. 928432181
Deseamos que nuestra dirección electrónica infolilteatrocuyas.com se convierta en un instrumento en el que queden reflejadas cuantas
sugerencias y comentarios desee formular a este teatro. No dude en transmitirnos sus inquietudes sobre nuestra programación, servicios,
modalidades de tarjetas, sistema de venta de localidades, etcétera ...
Esperamos su colaboración.
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Si usted recibe en su domicilio información del Teatro Cuyás, a partir de ahora también recibirá La Luna del
Cuyás, revista del Teatro Cuyás. Si no es así o ha cambiado de dirección, le rogamos cumplimente el siguiente
formulario y lo entregue al personal de sala, o bien lo remita por correo o e-mail a las siguientes direcciones:
TEATRO CUVÁS . Calle Viera y Clavijo sIn· 35002 Las Palmas de Gran Canaria· infolClteatrocuyas.com
NOMBRE Y APELLIDOS:
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